Начнём с сочетаемости цветов. Есть стереотипы о сочетающихся и несочетающихся цветах. Это мифы уровня «нельзя кадрировать по суставам» или «нельзя располагать горизонт посередине кадра» — то есть просто взятая из головы фигня, никак не влияющая на красоту или ценность картины. Абсолютно любые цвета могут сочетаться друг с другом. Вопрос в том, в каких пропорциях они будут расположены и какая у них насыщенность и яркость (крайние значения не обязательны).
Кто пытался изучать цвет, точно слышал про цветовой круг и цветовые схемы. Когда на круге берёшь два противоположных оттенка и на них строишь работу. Бывают схемы и посложнее, но суть та же. Проблема этого подхода в том, что получается банально и притянуто за уши. И всё равно непонятно, откуда брать цвет и какую конкретно из этих схем выбрать.
Есть ещё подход, когда предлагают взять палитру из чужой понравившейся работы. Или просто рандомную палитру из подборки. Но чужая работа создавалась с иным смыслом и под другие задачи, а как создать своё, под свои задачи?
Для начала, пусть содержание диктует форму, а не наоборот. Когда наоборот, есть риск делать бессмысленные пустышки, и в эту сторону копать неинтересно. Поэтому исходим из содержания и главного объекта. Я специализируюсь на персонажах и портретах, и приведу примеры со своей колокольни, а если у вас что-то другое, то всё равно применимы те же принципы.
Основной принцип таков: главный объект распространяет влияние на всю картину. Всё остальное подстраивается под него — явно или завуалированно. Вы спросите — как это сделать, а что если на картине изображён человек на фоне природы, как он должен подстроить окружающий пейзаж под себя? Посмотрим, что есть у главного объекта. Обычно у человека есть при себе некоторые цвета — цвет глаз, волос, одежды, прочих предметов. Можно начать с того, чтобы распространить эти цвета на окружение. «Если он в синей куртке, как это сочетать с зелёным лесом?» — вот и художественная задачка для вашего решения. Зелёный, кстати, легко переходит в синий, они расположены рядом, так что можно сдвинуть в нужную сторону. А можно добавить речку, которая будет подыгрывать по цвету.
Ещё полезно задаться вопросом, кто этот человек, какая у него история — и органично вплести это даже в природное окружение. Если это старик, то вокруг него могут быть деревья, такие же сгорбленные и усыхающие, как он, с оттенками слабой насыщенности.
Ещё может быть прикольное сочетание на контрасте и совмещении трудносовместимого.
То есть, это касается не только цвета, но и текстур, и визуального ритма и рифм. Это довольно простой и прямолинейный способ, но, хоть он и способен дать красивый и осмысленный результат, можно научиться действовать тоньше. Надо понять, какое настроение и атмосфера у главного объекта. Может быть, меланхолия, или ярость, надежда, страх, влюблённость и т. д. Под эти эмоции цвета напрашиваются сами собой, и никакие схемы тут не нужны, они только мешают полёту фантазии и сковывают его.
Да, лучше уделять больше внимания именно смысловому и эмоциональному уровню, а не тупо техническому. Технический уровень уже захвачен и зачищен нейросетями, поэтому надо брать выше… ну или помереть в бессмысленной конкуренции с машинами.
А вообще, цвет в картине не так важен, если это не экспрессионизм и подобные направления. Гораздо важнее тон и композиция, а самое важное — содержание. Если тема и подача цепляют людей, то как бы просто или плохо ни было нарисовано, это становится популярным, и пример тому мемы, нацарапанные в пейнте. Поэтому не парьтесь над цветом в ущерб прочим аспектам — пусть он сам складывается по остаточному принципу, лишь подчёркивая то, что и так хорошо сказано.
