picturebymaslo

Кустодиев для меня образец несгибаемого оптимизма и вообще силы воли. Художник с 1915 года был прикован к инвалидному креслу, постоянно испытывал боли, жил впроголодь, коллеги постоянно критиковали, вокруг войны и революции…

А он берет и пишет максимально яркую и позитивную картину – «Масленица». Причем все на полотне – это фантазия Кустодиева, в голодном Питере такое вряд ли происходило, да и выйти посмотреть художник особо не мог.

Борис Кустодиев – «Масленица», 1916

Все черпалось из памяти и ощущений. Яркая одежда, пушистый снег, красочный пейзаж под последними лучами вечернего солнца – вот она, Масленица по Кустодиеву. Веселье, удаль, радостные цвета – в этом придуманном мире художника уютно всем.

Академия художеств высоко оценила картину и приобрела ее за 1750 рублей, что вызвало попоболь у некоторых членов совета, которые в виде протеста против «лубка» вышли из состава.

Но это только некоторые уникумы, Репин, например, очень хвалил автора.

А тем временем художник преодолевал болезнь (опухоль в спинном мозге) и снова хотел оказаться в центре любимого праздника. Поэтому неудивительно, что в 1919 Кустодиев снова вернулся к жизнерадостному сюжету «Масленица на все деньги».

Борис Кустодиев – «Масленица», 1919

В этот раз мы попадаем в разгар праздника на одной из улиц в городе, и снова движуха: в самой середине несется тройка, яркие афиши зазывают угоститься (на одной из них художник хитро разместил подпись, присмотритесь, над «Сыръ Икра»), у театра вовсю идет гульба, так и хочется ворваться в этот городок)

И традиционный уютный зимний пейзаж Кустодиева, визитная карточка художника.

Вот тут можно рассмотреть подпись автора:

Художник явно увлекался голландской живописью, а влияние Питера Брейгеля Старшего прослеживается наиболее ярко: все эти мелкие детали, высокая точка обзора (мы как будто пролетаем над событиями картины), и самое главное – а картинах обоих мастеров мы смотрим за веселой кутерьмой обычных людей, которые просто радуются празднику. Только снег добавляет нашего родного колорита.

Питер Брейгель Старший – «Битва Масленицы и Поста», 1559

Даю слово самому Кустодиеву: «В своих работах хочу подойти к голландским мастерам, к их отношению к родному быту… Голландские художники любили жизнь простую, будничную, для них не было ни «высокого», ни «пошлого», «низкого», все они писали с одинаковым подъемом и любовью».

Но нам то ближе эти родные пейзажи, не правда ли? Вот еще несколько работ от художника на тему масленичного веселья.

Борис Кустодиев – «Масленица», 1919

Борис Кустодиев – «Зима. Масленичное гулянье», 1919

Чувства зрителей прекрасно описал критик и историк Бенуа: «Настоящий Кустодиев - это русская ярмарка, пестрядина, «глазастые» ситцы, варварская «драка красок», русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями. Я утверждаю, что это его настоящая сфера, его настоящая радость». Воистину.

Борис Кустодиев – «Балаганы», 1919

Уму непостижимо, как художник выдумывал все эти смешные сценки для картин сидя в крошеной темной мастерской, прикованный к инвалидному креслу. На улице война и разруха, а вы посмотрите на эти покатушки на санках - ну счастье же!

Борис Кустодиев – «Масленица», 1920

И напоследок хотел еще раз сравнить картины все с тем же Брейгелем Старшим. Тут завезли снега, да и полотно поизвестнее. Видно, что Кустодиев все же вдохновлялся голландским маэстро)

Питер Брейгель Старший – «Охотники на снегу», 1565

Ну, чего сидите, бегите кататься на горках или печь блины)

Другие истории из мира искусства в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo

Добра!

Однажды гулял по Эрмитажу и неожиданно для себя наткнулся на эту картину. В пустой комнате на меня смотрели два известных апостола, а вокруг ни души. Питерские китайцы слушали экскурсоводов в соседних залах, и у меня было 5 минут спокойно постоять рядом с известным шедевром.

Сдержанная и лаконичная работа. Много символов и контрастов, святые книги и ключи от рая. А самое главное - это они ругаются из-за поведения Петра или просто обмениваются опытом? Разберемся!

Эль Греко – «Апостолы Петр и Павел», 1592

В случае Эль Греко всегда нужно начинать с контрастов. Опыт и седина у Петра, решительность и твердость Павла. Некоторые интерпретируют картину как срыв покровов – Павел обвиняет товарища апостола в лицемерии: мол Петр забил на миссионерскую миссию, и тусит только с христианами, хотя раньше убеждал учить всех желающих.

Хотя и у Павла есть свои скелеты в шкафу - до того, как стать апостолом, он очень успешно рубил христиан направо и налево. Это потом уже в чистом поле его переубедил Бог, мол некрасиво себя ведет. Но сейчас он уже один из лидеров христианств, может даже Петра покритиковать.

Но посмотрите на эти взгляды и общий тон работы – разве они спорят? Скорее художник показывает обмен опытом двух противоположностей.

Повтор от художника, картина была написана примерно в 1605—1608 годах. Сейчас находится в Стокгольме:

Также на картине куча занятных деталей: книги олицетворяют путь героев в христианстве (Евангелие и книга Деяний, где оба ключевые персонажи), лица и одежда выполнены в немного разных техниках и дают любимый контраст, интересная композиция – Павел опирается одной рукой на свои тексты, а другой просит поддержку у Петра. У Петра же в руках ключ от Небесного Царства, все на своих местах.

Кстати, даже одежда имеет значение. В византийской иконописной традиции золотой цвет принадлежит наивысшим святым в карьерной лестнице, красный следует за золотым. Вот такая цветовая иерархия на картине)

А вот еще одна версия Эль Греко, Павел тут обзавелся своим традиционным атрибутом - мечом. Как видите, на картине дружба, мир, жвачка:

Да, не любители синих занавесок, это живопись 16 века, да еще и Эль Греко. Тут каждый жест - символ, а не прихоть искусствоведа. Дело в том, что художник набрался техник и всяких фишек у известных итальянских маньеристов (одна из самых символичных школ в живописи, сплошь тайные знаки и ключи к прочтению картин).

Это влияние наложилось на византийское и греческое начала мастера. На самом деле Эль Греко - это прозвище (по-испански Грек), настоящее имя Доменико Теотокопули, ну и начинал он именно как византийский художник. Жадный до новых знаний и открытий, он поехал учиться в Италию к модным маньеристам и крутым художникам Возрождения.

А после того, как раскритиковал Микеланджело и предложил снести его «Страшный суд», заменив на свой более целомудренный и искусный вариант, художнику предложили проследовать из Италии подальше. Так он и обосновался в Толедо, прекрасном испанском городишке.

Фреска Микеланджело «Страшный суд», украшает Сикстинскую капеллу. Как видите, уверенности в своих силах у Эль Греко было не занимать:

Немного отвлекся. Еще одна интересная деталька - Эль Греко мог изобразить себя на месте Павла. К 1592 году художнику было предположительно 51 год (в 1601 году есть записи о приглашении на юбилей художника, славные 60 лет), и чуть позже он написал «Портрет старика», предположительный автопортрет.

Сравните сами с Павлом:

Когда я проходил через ту комнатку в Эрмитаже во второй раз, уже было не протолкнуться - несколько экскурсионных групп, сотни китайцев и немцев с фотоаппаратами. Повезло с удачным таймингом в первый раз)

Эх, надо бы вернуться в Эрмитаж. Возможно, меня ждет еще одна неожиданная встреча?

Другие истории из мира искусства в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo

Добра!

Штош, вот мы и добрались до «Крика». Очень популярный образ, споры касательно значений, еще больше споров про кровавое небо, а также много денег и краж. Погнали разбираться!

Эдвард Мунк – «Крик», 1893. Самый первый и популярный вариант картины:

Картина родилась во время прогулки художника с друганами по Осло. Даю слово самому Мунку: «Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу».

Ну что же, вперед воплощать этот мистический посыл. Дело шло туго, все никак не получалось поймать то самое ощущение. Мунк написал несколько вариантов сюжета, и в итоге в 1893 году пришел к своей знаменитой формуле – кровавое небо, сумасшедший изгиб линий и пугающая фигура.

Но это было только начало пути. Художник возвращался к теме еще несколько раз, писал картину пастелью (эту версию продали в 2012 году за 119,9 млн долларов) и даже делал литографию. Последнюю версию он написал в 1910 году. Вот такой путь в 17 лет позволил поместить популярный образ в несколько музеев и даже продать за хорошие деньжищи в частные владения.

Эдвард Мунк – «Крик», 1910. Самая поздняя версия, зацените отличия:

Точный смысл картины Мунк так и не рассказал. Но бравые искусствоведы находили и предчувствие всех катастроф 20 века (а их хватило с запасом), и отчаянье человека в нашем безумном мире, и крик природы-матушки.

Больше всего внимания привлекает, конечно же, главная фигура. Я таких больше нигде не видел. Кроме как у мумии, которую привозили в 1889 году на Всемирную выставку в Париж (ее я тоже не видел, к слову, только в интернете). Вполне возможно, Мунк мог там нахвататься вдохновения и запереть в чертогах разума этот образ.

Вообще фигура на картине кричит. Или обхватила уши руками, потому что природа кричит на нее? Тут как удобно, Мунк никого не обидит. Но судя по записям в дневнике, все же на полотне второй вариант.

Эдвард Мунк – «Крик», 1895. Эта версия пастелью стоила в 2012 году почти 120 миллионов американских рублей:

К тому же пейзаж довольно экстремальный. Апокалиптичное небо вполне могло быть таким в вечер прогулки художника – некоторые ученые заявляют, что 1883 году прошло мощнейшее извержение вулкана Кракатау (даже Везувий полыхал слабее). По всему миру было видно красное небо, что могло натолкнуть Мунка на такой сюжет.

Другие ученые авторитетно говорят, что все это чушь, а видел Мунк редкие перламутровые облака, которые мало изучены и попадаются на глаза очевидцев крайне редко.

А сама картина изначально называлась «Отчаянье», поэтому возможно все-таки кричит главная фигура. Запутал вас? Я знаю, это Мунк, привыкайте.

Сравнение неба на картине и процесса формирования редких перламутровых облаков:

Совсем недавно полотно всколыхнуло общественность еще раз. Дело вот в чем: в верхнем левом углу оригинальной картины есть надпись «Такое мог нарисовать только сумасшедший». Исследователям не давала покоя эта ремарка – а ну вдруг вандалы?

Оказалось, автором строчек был сам Мунк. Обиженный на критику и весь такой ироничный, он подписал работу, которую теперь знает весь мир. Хотя во время премьеры, по старой традиции в искусстве, будущий шедевр загнобили и не поняли.

Трудно опережать время, знаете ли.

Надпись Мунка на картине:

Яркая картина. Поэтому вполне понятно, почему разные картины несколько раз выкрадывали из музеев. Самый забавный случай – воришки спокойно пришли в музей вечером, срезали стекло и унесли полотно. А незадачливым охранникам (они смотрели открытие Олимпиады в Норвегии) оставили письмо, в котором благодарили за халтурную работу. Но каждый раз картины возвращались, хотя иногда и попорченные.

И напоследок маленький совет. Если есть возможность увидеть картину – обязательно идите и смотрите. Картины выцветают из-за влажности, а уж какой урон они словили во время кражи из музеев. С каждым годом краски тускнеют, поэтому не упускайте шанс!

Другие истории из мира искусства в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo

Добра!

Кроме того, что Эдуард Мане и Клод Моне были импрессионистами и поэтому их частенько путают между собой, каждый из художников написал картину с названием «Завтрак на траве».

Давайте разбираться, зачем хитрые мастера решили запутать нас и тут.

Клод Моне – «Завтрак на траве», 1866. Эскиз:

Но для контекста пара слов о завтраке Мане. Это был скандалище. Голые девушки в окружении одетых мужчин, порушенная перспектива (как и перспективы Мане покорить французский Салон) и как итог - дурная слава на весь Париж. Новшеств и переосмыслений старых сюжетов критики и зрители не оценили, это потом уже признают идею вовлечения через одинаковые масштабы переднего и заднего плана и назовут художника большим мастером.

Но Моне разглядел все раньше других, поэтому одно название случилось не просто так. Клод был тролль впечатлен зарядом работы Эдуарда, и таким образом выразил свой респект.

Эдуард Мане – «Завтрак на траве», 1863

Моне не собирался писать голых женщин, а хотел написать яркие солнечные пятна и контрастные тени на лицах, покрывалах и траве. В общем, как он любит.

Размер выбрал мегаломанский – страшно сказать, 4 на 6 метров. Фигуры на полотне должны были превышать обычный человеческий рост в два раза!

Это порождало некоторые неудобства. Дело в том, что рост Моне был 165 см, поэтому доставать до некоторых (больше половины) участков полотна было сложновато. Но он решил проблему гениально (нет, не галилео) – нашел ров, куда ставил картину и как раз мог писать верхнюю часть.

Почему же первым изображением в посте идет эскиз? Дело в том, что Моне был вечно в долгах, и однажды в качестве залога отдал гостинице эту работу. Умные лбы решили убрать ее на чердак, где она успешно подгнивала. Когда уже разбогатевший художник вернулся ее выкупить, многие части картины испортились.

Клод Моне – «Завтрак на траве», 1866. Неповторимый и нарезанный оригинал:

Пришлось нашинковать полотно, и что получилось теперь висит в Париже. А вот на тот клевый эскиз можно посмотреть в Пушкинском музее в Москве.

Другие истории из мира искусства в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo

Добра!