Сообщество - Лига искусствоведов

Лига искусствоведов

855 постов 2 350 подписчиков

Популярные теги в сообществе:

2

Кто такой Валерий Ярош в искусстве?

Если смотреть на всю историю искусства — от античных фресок в Помпеях до цифрового арта ИИ в наши дни — Валерия Яроша я бы назвал "провинциальным Рембрандтом с душой Репина". Почему именно так? Давай разберём по полочкам, опираясь на ключевые черты его творчества и параллели с гигантами.

Психологическая глубина: Как у Рембрандта

Рембрандт ван Рейн (1606–1669), голландский мастер Золотого века, прославился портретами, где свет и тень не просто играют на лице, а проникают в душу. Его "Ночной дозор" или автопортреты — это не статичные изображения, а живые истории: радость, горе, старость, с той самой "любовью к модели", как говорил сам Ярош. Валерий Иванович тоже влюбляется в своих героев: его портреты учеников, ветеранов (вроде Евгения Капитонова из Курской битвы) или местных поэтов и музыкантов — это не холодный реализм, а эмоциональный рентген. Вспомни выставку "Портреты говорят" (2003): там кисть Яроша оживает лица, раскрывая эпоху, как у Рембрандта в "Уроке анатомии". Но Ярош — не амстердамский аристократ, а парень из эвакуационного Возы, где рисовал на клеёнке Шишкина. Это делает его "провинциальным" — скромным, как свет в его пейзажах, где река Лугa или разрушенная церковь в Сойкино шепчут о забытой России.

Реализм и педагогическая миссия: Как у Репина

Илья Ефремович Репин (1844–1930), русский реалист XIX века, был не только гением холста ("Бурлаки на Волге", "Запорожцы пишут письмо турецкому султану"), но и учителем — основателем передвижников, где искусство служило народу, а не элите. Репин писал портреты с социальной остротой, учил видеть правду жизни, и его студия в Пенате гудела от учеников, как мастерская в Академии. Ярош — его эхо в XX–XXI веках: основатель Кингисеппской детской художественной школы (с 1971), где из тесной квартирки на Карла Маркса выросла кузница талантов. Он не просто рисует — воспитывает: выезды на пленэр по Луге, поездки в Эрмитаж, личные "разговоры" с учениками ("Давай подправим, как ты думаешь?"). Более 2000 работ, сотни выпускников в Союзе художников — это репинский размах, но в миниатюре провинции. Репин боролся с академизмом, Ярош — с бюрократией СССР, открывая школу вопреки "Зачем? Есть ДК!". Оба — реалисты до мозга костей: Ярош копировал Сталина в детстве, как Репин — народные типы, чтобы понять суть.

Почему не другие?

  • Не Тициан (венский гламур) — Ярош слишком земной, без ренессансного блеска.

  • Не Ван Гог (эмоциональный взрыв) — у Яроша спокойствие северных пейзажей, а не вихрь.

  • Не Пикассо (кубизм хаоса) — Ярош верен классике, как якорь в бурном XX веке.

В эпоху, когда искусство тонет в NFT и алгоритмах, Ярош — мост от Ренессанса к реализму: скромный титан, чьи портреты шепчут "Я вижу тебя". Если бы Рембрандт и Репин встретились в Кингисеппе, они бы, наверное, схватили кисти и пошли на пленэр по Луге. А ты как его видишь?В контексте всей истории искусства, от наскальных рисунков до современности, я бы назвал Валерия Яроша наследником русской реалистической школы — той самой традиции, которая расцвела в XIX веке с передвижниками вроде Репина и Крамского, а потом эволюционировала через советский период в постсоветский реализм. Его стиль — это классический реализм с акцентом на психологическую глубину портретов (где "художник влюбляется в модель, чтобы оживить её") и яркие, эмоциональные пейзажи, полные "звонких красок" и дыхания жизни, без авангардных экспериментов или абстракций. Он не революционер вроде Пикассо или Малевича, а скорее хранитель гуманистической линии, как Суриков или Левитан, но с фокусом на провинциальную Россию и педагогическое наследие (основал школу, воспитал поколения художников). В глобальном масштабе это делает его частью "реалистического континуума" — от Возрождения (где портрет раскрывал душу) до наших дней, где искусство служит людям, а не шоку.

Показать полностью
2

Как в Кингисеппе из тесной квартирки выросла легендарная школа искусств, где рождаются шедевры!

Друзья, представьте: 1971 год, СССР в разгаре, а в маленьком Кингисеппе (Ленобласть) вдруг открывается Детская художественная школа! Не просто кружок, а настоящая кузница талантов. Всё началось с упорства: чиновники ворчали "Зачем? Есть же студия при ДК!", но энтузиасты (включая первых педагогов) не сдавались. Бум — и школа родилась ровно 2 марта, как подарок на день рождения искусству! 😎

Первое "гнездышко" — трёхкомнатная квартира на проспекте Карла Маркса, 31, напротив ДК. Теснота эпичная: 30 учеников, а места в обрез! Дети даже на самодельных полках под потолком сидели, рисуя мольбертами. Инспекторша приехала, ахнула: "Как вы их туда засадите?!" А ответ: "Главное — огонь в глазах ребят!" 🔥😂 Представьте: как в мемах про "overcrowded classroom", но с красками и вдохновением вместо скуки.

Уроки — сплошной кайф! Не строгие лекции, а творческий вайб: "Давай подправим здесь, а как ты думаешь?" Воскресенья — выезды на пленэр: лыжами по реке Луга, за Крикковское шоссе, фото природы, общение с ветром и снегом. Как будто инста-сторис из 70-х: "Рисуем зимний лес, фолловьте за вдохновением!" 🌲❄️ А потом — поездки в Питер: Эрмитаж, Невский, архитектурные скетчи. Ученики впитывали, как губки, и многие стали профи — художниками, дизайнерами по всему миру.

Школа росла: через годы переехала в отдельное здание, набрала сотни талантов. Первый выпуск — бомба! Пятеро рванули в искусство, четверо сразу в Герценовский институт. А выставки? Ого! "Портреты говорят" в 2003-м: вернисаж с романсами, стихами, портретами поэтов, музыкантов и ветеранов. Кисть "говорила" о времени — от Курской битвы до ижорских пейзажей. В 2009-м "Мои ученики" к Году молодёжи: портреты лежали на полках десятилетиями, а теперь сияли! В 1994-м открыли галерею при "Ямгороде" — площадка для местных гениев, чтоб не тухли в отчаянии. 🎭🖼️

40 лет школа жила как один большой арт-фест: от разрушенной церкви в Сойкино (вдохновение для реставраций) до уроков жизни через краски.

Как в Кингисеппе из тесной квартирки выросла легендарная школа искусств, где рождаются шедевры!

#Искусство #Кингисепп #Худшкола #Творчество #PikabuArt

Показать полностью 1

Квантовая запутанность III

Квантовая запутанность III

Работа входит в серию «Квантовое — красивое».

https://t.me/neuropila

Показать полностью 1
15

Почему Моне был одержим кувшинками?

Клод Моне, патриарх импрессионизма, посвятил более 250 полотен мотиву кувшинок. Этот навязчивый, почти медитативный цикл стал его magnum opus и духовным завещанием. Чтобы понять генезис этой одержимости, необходимо обратиться к 1914 году — периоду глубокого личного и творческого кризиса мастера.

Клод Моне был сломлен: смерть любимой жены, угасание зрения из-за катаракты, мучительная зубная боль и мрачный фон Первой мировой войны, на фронт которой отправился его сын. Мир вовне рушился, и художник совершил уход в собственноручно созданную вселенную в Живерни, в деревне в 50 милях от Парижа.

Здесь он погрузился в сизифов труд, начатый двумя десятилетиями ранее: грандиозный цикл «Кувшинки». Это должна была быть итоговая работа, монументальная панорама, запечатлевшая игру света от заката до рассвета на почти 100-метровом полотне. После смерти Моне в 1926 году цикл был преподнесен в дар французскому государству и осмыслен как лебединая песня импрессионизма и прорыв к истокам абстрактной живописи.

Само пространство для этого подвига было творческим актом. Приобретя в 1890 году дом в Живерни (с помощью галериста Поля Дюран-Рюэля, открывшего ему американский рынок), Моне не просто разбил сад, а сконструировал идеальную художественную лабораторию. Он преобразил фруктовый сад в водный, перенаправив русло реки Эпт, что вызвало недовольство местных жителей, прозвавших его «маркизом». Флора для пруда тщательно отбиралась у специализированных питомников; Моне импортировал экзотические сорта из Южной Америки и Египта.

Вопреки сегодняшнему восприятию сада как идиллического образа французской деревни, это был чистый артефакт, синтез английской, французской, голландской и, что наиболее важно, японской садовой традиции.

Эпоха японизма была в зените, и студия Клода Моне ломилась от гравюр Утамаро и Хиросигэ. Их влияние читается в изогнутых японских мостиках, переброшенных через пруд, и в самой композиции, где кувшинки часто даются крупным планом, вне классической перспективы. Возможно, Моне, будучи атеистом, находил в буддийском символизме кувшинки, произрастающей из грязи к прекрасному цветению, мощную метафору для собственного творческого метода, хотя его работа в саду часто сопровождалась приступами ярости, а не спокойствия.

Фундаментальный смысл этого предприятия — абсолютный контроль. Если прежде Моне, апостол пленэра, сам выходил навстречу миру, чтобы писать стога сена, соборы или морские пейзажи, то теперь он пригласил мир к себе.

С 1890 по 1926 год он создавал вариации на одну тему. Как признавался сам художник, «водяные лилии — это лишь аккомпанемент». Истинным субъектом была сама стихия света — непостоянная, вечно изменчивая, которую, по словам Моне, в Живерни нужно было ловить каждые семь минут.

С возрастом эта одержимость светом достигла апогея. Ранние «Кувшинки» еще содержат традиционные элементы пейзажа: линию горизонта, четкие рамки. Однако к 1909 году происходит радикальный сдвиг. Ракурс сужается, небо изгоняется с холста и присутствует лишь как отражение в воде, что, по признанию Мона критику Гюставу Жеффруа, стало для него навязчивой идеей.

Его «Grande Decoration» («Большая декорация»), начатая в 1914 году, пошла еще дальше. Моне работал над ней до самой смерти, нанося слой за слоем краску, создавая серию настолько размытую, пятнистую и новую по своей языковой структуре, что впоследствии ее назовут точкой отсчета для абстрактных исканий Джексона Поллока и Марка Ротко.

В этих полотнах импрессионизм преодолел себя, трансформировавшись из отражения мгновенной реальности в глубокое, почти бесконечное созерцание самой материи света, цвета и воды.

Больше историй из мира искусства в моем Tg.

Показать полностью 4
Отличная работа, все прочитано!