ModernHorrorOld

Как Doom чуть не потерял лицо, S.T.A.L.K.E.R. едва не превратился в линейный шутер о пришельцах, а Сэма Фишера почти сделали бомжом

Проходя очередной игровой блокбастер, мало кто задумывается, каким авторы задумывали его изначально. А ведь во время разработки нередко бывает так, что команде приходится буквально начинать с нуля, отказываясь от первоначальной концепции и серьезно меняя игру. Говорят, что история не знает сослагательного наклонения, но мы все же решили вспомнить несколько проектов, которые пережили резкую смену курса, и рассказать, какими они стали бы, если бы разработчики не решились на перемены.

Doom (2016)

Последний выпуск Doom сделан по геймплейной формуле двадцатилетней давности. В каком-то смысле это возвращение к корням сериала — возрождение Doom, каким он был до третьей части. И этот внезапный «шаг назад» принес игре успех. Как выяснилось, игроки успели соскучиться по бескомпромиссным адреналиновым боевикам, где сюжет играет второстепенную роль, а главное — это постоянный экшен на высоких скоростях. Новая Doom стала настоящим подарком для тех, кому опостылели ежегодные забеги в Call of Duty.

Ирония в том, что ранняя версия Doom, над которой студия работала примерно с 2007 по 2012 год, была фактически клоном CoD. Изначально события Doom 4 должны были развиваться на Земле, где открылись порталы в Ад. id Software хотела показать разрушенные небоскребы, разбитые улицы с раскуроченными остовами машин и масштабную войну в условиях города. Ведущий дизайнер проекта Марти Стрэттон в одном из интервью согласился с ярлыком «Call of Doom», который прилепился к игре. «Она была кинематографичной, в ней было больше сюжета, больше персонажей, множество скриптовых сцен», — вспоминал он.

Так изначально должна была выглядеть Doom 4

Многие люди, причастные к разработке Doom 4, годы спустя заявляли, что игра получалась хорошая, но все же это было не то, чего ждали и заслуживали фанаты. «Дело было не в плохом арте или скверно написанном коде. У каждой игры есть свой дух, а у Doom 4 его не было. Она страдала от кризиса идентичности», — рассказывал один из ветеранов id Тим Уиллитс.

В конце концов, в студии поняли, что разработку нужно фактически начинать с нуля. К счастью, боссы Zenimax, которая к тому моменту владела id, отнеслись к смене концепции с пониманием, за что разработчики до сих пор им благодарны. Практически все элементы Doom 4 отправились в мусорное ведро. Заскриптованные сцены, многочисленные второстепенные персонажи, помпезная история о войне между землянами и армией ада — все это было забыто. Теперь разработчики сфокусировались на скоростном экшене. Одним из главных девизов команды стали слова: «Если вы остановились, вам конец». Основным источником вдохновения для разработчиков были классические онлайн-шутеры, где игроку, чтобы добиться успеха, как раз нужно постоянно двигаться. Чуть ли не единственной механикой Doom 4, которая пережила смену концепции, стали добивания, и оставили их не только потому, что они делали игру более зрелищной. Авторы решили награждать за убийства в ближнем бою патронами и «здоровьем» — как раз для того, чтобы побудить игроков постоянно стремиться в самую гущу схватки. Также в Doom появился двойной прыжок и способность карабкаться на уступы — так команда пыталась повысить мобильность героя и сделать сражения более динамичными.

Параллельно разработчики пытались придумать, как подать в новой игре сюжет. По словам представителей студии, первоначально они экспериментировали с обучающими уровнями пытаясь объяснить мотивацию главного героя. Все эти эксперименты заканчивались плачевно: самим разработчикам совершенно не нравилось то, что получалось в итоге. Буквально за несколько месяцев до окончания работы их осенило: все и так знают, о чем наша история! Фанаты в курсе, что их главная задача — убивать демонов, так почему мы думаем, будто им нужна какая-то дополнительная мотивация?

А вот такую игру мы получили в 2016 году

В итоге открывающий уровень Doom был построен так, чтобы экшен начинался буквально с первой же минуты, а короткие сюжетные фрагменты были срежиссированы таким образом, чтобы игрок тут же понимал: персонаж, которым он управляет — не просто человек, а нечто жуткое — настоящее стихийное бедствие в человеческом теле. Саркофагу, из которого он поднимается в начале игры, поклоняются как божественному артефакту, а его боевой скафандр стоит в отдельной нише, окруженный зажженными свечами, будто доспехи уснувшего бога. Параллельно команда решила поиграть с жанровыми клише. Так появился новый образ корпорации UAC: гигантской компании, которая даже не думает скрывать, что занимается оккультизмом и призывает демонов. Наоборот — она активно рекламирует свои прорывные технологии, эксплуатирующие «адскую энергию». Рассказывая о Doom, многие члены команды открыто заявляют, что старались не напугать игроков, а заставить их смеяться.

Силы и нервы, потраченные на долгую разработку, окупились с лихвой, когда игра наконец появилась на прилавках. И игроки, и пресса сразу влюбились в новую Doom, и теперь истории о том, какой она изначально задумывалась, воспринимаются скорее как курьез.

Alan Wake

На разработку Alan Wake у финской студии Remedy ушло целых 5 лет. Конечно, с самыми монументальными долгостроями, вроде Duke Nukem Forever, ее не сравнить, но для индустрии это все равно была целая вечность. Анонсировали игру в 2005 году, на заре седьмого поколения консолей, а выпустили уже в 2010, когда эра PlayStation 3 и Xbox 360 уже близилась к закату.

Отчасти произошло это из-за того, что в процессе разработки авторам Alan Wake пришлось пересмотреть некоторые фундаментальные элементы проекта. И в первую очередь — сделать игру линейной. «Когда мы анонсировали Alan Wake, то представили игру в открытом мире, и это была огромная ошибка. Мы готовы в этом честно признаться. В то время такой был тренд — все пытались делать «песочницы», — объяснил в интервью перед релизом Оскари Хаккинен.

Один из первых скриншотов Alan Wake. У Алана еще совсем другой костюм

Проблемы, с которыми столкнулась Remedy, были не технического, а творческого характера. Движок Alan Wake отлично справлялся с огромными пространствами, но спустя примерно полгода после начала работы команда поняла, что в открытом мире очень сложно рассказать связную историю. Предоставляя игроку дополнительную свободу, авторы игры лишались контроля над тем, что и когда в ней происходит. Из-за этого возникали проблемы с сюжетом и атмосферой. Учитывая, что и то, и другое должно было играть в Alan Wake важнейшую роль, продолжать в том же духе было просто нельзя.

Поэтому, чтобы создать качественный триллер, коллективу пришлось отказаться от открытого мира. И, пока игроки предвкушали приключение в духе GTA в Сайлент Хилле, студия принялась перерабатывать Alan Wake в линейный, сюжетно-ориентированный экшен. Правда, многие наработки, сделанные в первые месяцы, все же пригодились Remedy. Движок, созданный для гораздо более амбициозной игры, без проблем отрисовывал сногсшибательные виды на несколько километров вокруг и позволял сделать уровни обширными, хоть и линейными. После релиза к игре хватало вопросов, но атмосфера, сценарий и постановка действительно оказались на уровне. Remedy сумела рассказать интересную историю, и для команды это было важнее всего.

S.T.A.L.K.E.R.: Тень Чернобыля

Несмотря на долгую разработку и огромное количество багов на старте, S.T.A.L.K.E.R. стала одной из самых популярных и известных игр в истории постсоветской индустрии. Но далеко не все помнят, что изначально ее авторы задумывали нечто совсем другое.

Первая версия S.T.A.L.K.E.R. называлась Oblivion Lost, а сюжет ее отчасти был основан на фильме «Звездные врата». Действие игры должно было развиваться в далеком будущем, где специальный отряд под названием «Следопыты» исследует различные планеты, чтобы определить, подходят ли они для колонизации. Даже геймплей Oblivion Lost отличался от S.T.A.L.K.E.R. — это был скорее тактический шутер, а главный герой мог командовать тремя роботами, которые помогали ему в бою. Кроме того, игра планировалась линейной, с множеством заскриптованных сцен — в этом смысле разработчики ориентировались на Half-Life.

Трейлер Oblivion Lost, выпущенный в 2002 году. В названии уже есть аббревиатура S.T.A.L.K.E.R., но в самой игре еще можно увидеть изначально задуманные элементы, вроде ацтекских пирамид и роботов-помощников

Но довольно скоро в GSC поняли, что не осилят такую игру. Как говорил впоследствии руководитель проекта Антон Большаков, чтобы реализовать задумку, нужно было создать не меньше десятка радикально отличающихся друг от друга планет. Объем работы был гигантским, и на него у студии просто не хватило бы ни сил, ни ресурсов.

Вызывала вопросы и базовая концепция Oblivion Lost. «Мы разрабатывали игру про войну роботов и инопланетян в антураже ацтекских пирамид. Но на каждом собрании постоянно звучала фраза: «То, что мы делаем, — полный бред». И предлагались всё новые и новые идеи. Так продолжалось почти год», — вспоминал директор GSC Game World Сергей Григорович.

Несмотря на то, что первую версию игры успели официально анонсировать и даже продемонстрировать на нескольких выставках, у команды хватило смелости сменить курс. Появилась идея использовать в качестве сюжетной основы «Пикник на обочине» братьев Стругацких и снятый по мотивам книги фильм «Сталкер». Предложил это Андрей Прохоров, который тогда работал в GSC, а позже ушел в студию 4A Games, где принял участие в работе над сериалом «Метро». Григорович отнесся к идее скептически, но ее поддержала большая часть команды.

Даже после этого сеттинг игры успел поменяться. Изначально разработчики хотели отправить героев в Крым, в окрестности недостроенной АЭС. Но, когда команда уже собиралась ехать на полуостров, чтобы наделать там фотографий, которые предстояло использовать для создания локаций, Сергею Григоровичу попался на глаза телесюжет об аварии на Чернобыльской АЭС. После этого он решил, что с коммерческой точки зрения правильнее будет сделать местом действия Чернобыль и Припять, так как эти названия многим известны, а значит, помогут продвижению игры. Некоторым членам команды показалось, что зарабатывать на трагедии — немного чересчур, но Сергей настоял на своем. Так и появилась на свет S.T.A.L.K.E.R.: Тень Чернобыля.

Tom Clancy’s Splinter Cell: Conviction

Работа над пятой частью Tom Clancy’s Splinter Cell стартовала в сентябре 2005 года. Команда состояла из ветеранов серии, которые отлично знали сильные и слабые стороны шпионской франшизы. После четырех предыдущих игр, выпущенных с небольшими промежутками, авторы хотели освежить сериал.

Прежде всего, изменения коснулись образа главного героя: из суперагента в тактической экипировке Сэм Фишер превратился в бородатого бродягу в неприметной одежде. По сюжету герой оказывался вне закона и был вынужден скрываться от организации «Третий эшелон», в которой когда-то служил. У него не было обмундирования, гаджетов, оружия и готовых помочь коллег. Новый Фишер нигде не чувствовал себя в безопасности и полагался исключительно на свои навыки и чутье. Последнее, кстати, должно было стать важной частью геймплея. В игре планировалась способность Focus Vision, с помощью которой Фишер мог, например, определять маршрут передвижения противников.

Слева Сэм Фишер в первоначальной версии Conviction, справа он же в игре, которая попала на прилавки

Менялся также подход к дизайну локаций и механике стелса. Вместо линейных уровней разработчики создавали большие карты с сотнями NPC, десятками вооруженных врагов и огромным количеством интерактивных объектов окружения. Ubisoft хотела, чтобы игрок не отсиживался в тени, как раньше, а постоянно импровизировал: скрывался в толпе, баррикадировался в помещениях, искал разные способы устранения целей и использовал в бою все, что подвернется под руку. В общем, авторы Conviction явно вдохновлялись сразу приключениями Агента 47, фильмами про Джейсона Борна и Assassin’s Creed, которую примерно тогда же создавали их коллеги по Ubisoft.

Летом 2007 года Ubisoft официально анонсировала эту версию Splinter Cell: Conviction, но до прилавков она так и не добралась. Вскоре после анонса компания неожиданно объявила о переносе проекта, а затем вовсе перестала о нем говорить. Публика терялась в догадках, пока в 2009 году Ubisoft не показала обновленную версию Conviction, которая была одинаково непохожа ни на первые игры серии, ни на то, что компания демонстрировала за двумя годами ранее.

Сэм Фишер больше не выглядел как опустившийся бродяга, а из беглеца превратился в мстителя, пытавшегося разобраться в причинах смерти дочери. Исчезли все намеки на открытые уровни и стелс в толпе, а вместо «шестого чувства» у героя появилась способность Mark and Execute, которая позволяла подмечать и мгновенно убивать врагов в поле зрения. В целом пятая часть, как и планировалось сначала, освежала серию, однако делала это не так радикально, как первый вариант проекта.

Team Fortress 2

Мало кто помнит, что в 1999 году лучшим шутером и лучшей многопользовательской игрой на выставке Е3 признали Team Fortress 2, которую к тому моменту делали больше года. В то время игра выглядела как серьезный боевик в современном сеттинге. Геймплей акцентировал внимание на командном взаимодействии, а самым важными игровым классом считался Командир. Его задачей было раздавать приказы и следить за полем боя с высоты птичьего полета. «В офисе мы условно называем Team Fortress 2 стратегией от первого лица, потому что Командиру, как нам кажется, приходится отыгрывать роль стратега. Даже интерфейс в этом режиме идентичен RTS», — рассказывал руководитель проекта Робин Уокер.

В 2000 году команда решила перенести игру на движок Source. В прессе появлялись заметки, что новая технологии поможет сделать TF2 более реалистичной, однако в студии вдруг засомневались, стоит ли вообще гнаться за реализмом.

Ранняя версия Team Fortress 2

У них, например, появились фундаментальные вопросы к дизайну. В реальных боях солдаты делают все, чтобы оставаться незаметными, но в Team Fortress 2 требовалось, наоборот, выделить каждый класс. А еще в игре присутствовал Медик, лечивший товарищей при помощи лучевой пушки — не самый реалистичный персонаж. Наконец, команда разочаровалась в Командире — игроки попросту не слушали его приказов, что полностью обесценивало стратегическую составляющую.

Следующие несколько лет студия экспериментировала с геймплеем, пробовала разные игровые классы, добавляла и убирала оружие. В какой-то момент приоритетной стала научно-фантастическая версия Team Fortress 2 с подзаголовком Invasion, где игроки делились на две команды — людей и пришельцев. Выделялся этот вариант еще и тем, что в нем нужно было собирать ресурсы, а также строить и улучшать здания. Но, как вспоминают разработчики, Team Fortress 2: Invasion получалась слишком громоздкой и сложной, так что проект вновь отправился на переделку.

В окончательном варианте игры не осталось и следа от былой серьезности

В итоге облик финальной версии TF2 был срисован с картин и плакатов Нормана Роквелла, Дина Корнуэлла и Джозефа Лейндекера. Valve перерисовала персонажей в таком же стиле и осталась крайне довольна результатом. Теперь герои игры выглядели ярко и весело. Логично было сделать и саму TF2 веселой и ненавязчивой. Команда окончательно отказалась от амбиций насчет «стратегии от первого лица», а Team Fortress 2 превратилась в онлайн-шутер в классическом стиле: с быстрыми матчами и простым геймплеем. Возможно, именно это позволило ей на долгие годы стать одной из самых популярных игр в библиотеке Steam.

Оригинальная статья:

Фичер: Ваши любимые игры, которые должны были выглядеть совсем иначе

Автор -  Антон Жук

Показываем на наглядных примерах, почему реалистичность не всегда делает игру лучше, а иногда - и вовсе ухудшает ее.

Недавно наконец-то вышла Kingdom Come: Deliverance — ролевая игра о том, как тяжело жилось в средневековой Богемии. Одна из вещей, которые выделяют Deliverance, это сильный упор на реализм, как исторический, так и геймплейный. Главный герой должен регулярно питаться и спать для восстановления сил, в начале игры он не умеет даже читать, а получить серьезное ранение или отравиться в ней можно не только в бою, но и, скажем, просто прогуливаясь по городу.

Такая зацикленность на реализме стала одной из самых обсуждаемых тем последних недель. Одни считают, что благодаря вниманию к деталям мир Kingdom Come: Deliverance стал более убедительным и непредсказуемым. Другие уверены, что чрезмерный реализм пошел игре во вред, породив бесчисленные баги и спорные геймплейные решения (например, сохранение с помощью шнапса).

На фоне бурных споров о дебютном проекте чешской студии Warhorse мы вспомнили несколько случаев, когда стремление к правдооподобности похоронило потенциально интересные задумки либо подпортило впечатление от хороших или даже отличных игр.

Deadliest Warrior: The Game

Поклонники файтингов вспоминают игру Deadliest Warrior: The Game, вышедшую в 2010 году, с трепетом. Не столько из-за ностальгии, сколько из-за перенесенной психологической травмы. Уж больно шероховатой и несбалансированной получилась игра, созданная по мотивам документального шоу, где сравнивали боевые качества воинов из разных эпох и культур.

И основной причиной этого была именно погоня за реализмом. Например, в игре была довольно подробная система урона: можно было, ударив противнику по руке, сломать ее или вовсе отрубить, после чего оппонент быстро истекал кровью. Двух-трех удачных попаданий обычно хватало для победы — у нас же реализм!

Но полностью уничтожала баланс разница в экипированности воинов из разных эпох.Спартанцы со щитами и копьями здесь всегда были здесь сильнее индейцев с томагавками, а ниндзя ничего не могли противопоставить средневековым рыцарям в прочных панцирях. Ярче же всего проблемы с балансом были заметны на примере пиратов, которых разработчики экипировали огнестрельным оружием. Парой выстрелов из пистолета адепты Веселого Роджера отправляли на тот свет любого оппонента прямо в начале раунда — тот не успевал даже добраться до стрелка. Из-за всего этого за слабых бойцов в Deadliest Warrior играть было бессмысленно, а за сильных — скучно, ведь схватка заканчивалась, едва начавшись.

EverQuest

Ролевые онлайн-игры, особенно фэнтезийные, обычно не назовешь реалистичными. Но и в них порой проскакивают элементы, возвращающие игроков из сказки реальность.

Особенно выделилась в этом смысле EverQuest, а конкретно — корабли, которые перевозили персонажей с одного материка на другой. В среднем поездки занимали 20-25 минут в один конец. Те, кто опаздывал на очередной рейс, должны были ждать следующего примерно полчаса — будто на железнодорожной станции где-нибудь в российской глубинке. Само путешествие ускорить было невозможно, так что пассажиры развлекались как могли. Кто уходил по своим делам, кто занимался рыбалкой, другие общались и делились историями о своих похождениях по Норрату.

Впоследствии разработчики сжалились над пользователями и стали более уважительно относиться к их свободному времени. Рейсовые корабли в EverQuest II отчаливают от пристани каждые пять минут, время в пути тоже сократилось. На форумах EverQuest, впрочем, все еще можно найти десятки свежих тем о романтике длительных морских прогулок — это теперь неотъемлемая часть истории игры.

Shenmue

Когда заходит разговор о Shenmue, обычно вспоминают о том, как она повлияла на развитие игр в открытом мире. Именно в ней появились многие элементы, которые давно стали привычными для современных игроков: динамическая смена погоды, множество интерактивных объектов окружения, персонажи с собственным распорядком дня. Уделяя внимание таким мелочам, создатель сериала Ю Судзуки стремился добиться большего погружения в игру и эмоционально вовлечь игрока в историю главного героя Рё Хадзуки.

Правда, в процессе фанатов Shenmue обременили и рутинными обязанностями. Чтобы выжить в Гонконге, герою нужны были деньги, а их надо было либо выиграть в казино, либо заработать, сдав что-нибудь ценное в ломбард. Но самый верный способ — найти подработку, а лучше сразу несколько. Бытовуха проникла даже в сюжет. В одной из миссий оригинальной игры, чтобы втереться в доверие к бандитам, Рё целую неделю игрового времени работал водителем автопогрузчика в местных доках, перевозя грузы из одной точки в другую. На это уходило около трех часов реального времени, а другого способа продвинуться дальше по сюжету просто не было.

Trespasser

У авторов шутера по мотивам «Парка Юрского периода» было странное представление о реализме. Ради него они сперва пожертвовали интерфейсом — даже количество оставшихся у героини по имени Энн патронов вслух объявляет она сама, а прицела в игре вовсе нет. Также разработчики решили, что взаимодействовать с объектами лучше тактильно, управляя рукой персонажа при помощи стиков или мыши. Однако из-за кривого физического движка простые операции (поднять, опустить, бросить) превращались в настоящую пытку. Рука извивалась, словно змея, вращалась на 360 градусов, двигалась не в том направлении… А ведь ей еще надо было держать оружие, чтобы метко стрелять по динозаврам.

Сами древние ящеры были под стать руке, такие же непредсказуемые и бессмысленные. Авторы Trespasserобещали продвинутый искусственный интеллект, но в реальности допотопные хищники то и дело застревали в текстурах, проходили сквозь стены, спотыкались о камни — да и героиня их почему-то особо не интересовала. В общем, человек, купивший Jurassic Park, довольно быстро понимал, что главная опасность в игре — не динозавры, а «гуляющие» суставы Энн. Которые к тому же постоянно ломались.

Даже индикатор «здоровья» в Trespasser был очень странный. Его роль выполняла татуировка на груди героини. Поэтому, чтобы уточнить, долго ли вам еще осталось, фактически приходилось постоянно пялиться на собственные буфера.

Desert Bus

«Симулятор» Desert Bus в этом списке стоит немного особняком. Если в остальных играх чрезмерный реализм был следствием недальновидности разработчиков, то тут авторы изначально работали под девизом «Чем хуже, тем лучше».

Desert Bus была одной из миниигр, созданных для сборника Penn & Teller’s Smoke and Mirrors. В каждую из них разработчики добавили какой-то подвох, чтобы владелец сборника мог вдоволь поиздеваться над гостями, предложив им сыграть. Но Desert Bus была, пожалуй, самой садистской.

Здесь игрок садился за руль междугороднего автобуса, едущего по пустыне из Таксона в Лас-Вегас. Поездка занимала 8 часов реального времени, дорогу сделали абсолютно прямой и без единой машины. По пути не происходило практически никаких событий, и даже пейзаж за окном не менялся — разве что иногда попадались булыжники и дорожные знаки, а примерно на пятом часу поездки об ветровое стекло разбивался жук.

Придавить кнопку «газа» и уйти по своим делам, чтобы автобус доехал до цели сам, было нельзя: колымага все время немного забирала вправо. Если же игрок оказывался на обочине, за ним приезжал эвакуатор, который буксировал автобус обратно в Таксон. Тоже в реальном времени. Когда же игрок добирался до Вегаса, он получал одно призовое очко и предложение совершить обратную поездку, причем решение надо было принять буквально за несколько секунд, иначе игра заканчивалась. Ах да, паузы в ней тоже не было.

Penn & Teller’s Smoke and Mirrors так и не вышла, потому что разрабатывали ее для Sega CD, а к тому моменту, когда работу закончили, формат уже попросту умер. Но это не помешало Desert Bus стать легендой. Особенно — после того как в сети появилась версия игры, в которую можно было сыграть с помощью эмулятора. Некоторые самоотверженные фанаты даже умудрились набрать в ней 99 очков (больше просто нельзя). Интересно, что по изначальному плану рекордсменов Desert Bus ждал царский приз. Их должны были посадить в настоящий пати-бас и провезти по маршруту из игры, а по пути — закатить безумную вечеринку. В Вегасе же победителей ждал бы роскошный номер и билеты на шоу иллюзионистов Пенна и Теллера, которые участвовали в разработке игры и подарили сборнику свои имена. Даже жаль, что не сложилось.

В Kingdom Come ставка на реализм скорее все же оправдалась, тем более что разработчики в основном смогли не переборщить с правдоподобием. Но не стоит забывать: «как в жизни» очень часто значит «безумно скучно». И даже в спортивных симуляторах пресловутым реализмом чаще всего не заменишь интересного геймплея.

Оригинальная статья:

Фичер: Слишком реалистичные игры

Автор - Алексей Меркухин

Приставки, которые остались в тени главных консольных гигантов

Успешные консоли сегодня известны всем. Современные игроки, которые интересуются индустрией, знают как о приставках текущего поколения, так и о классике, вроде Sega Mega Drive или Super Nintendo. Но если сегодня рынок поделили между три платформодержателя, то в 80-х и 90-х продавались десятки консолей от разных производителей, и большинство из них остались неизвестными. Речь идет, конечно, о неудачных продуктах, которые не получили должного распространения. В этой статье мы поговорим о наиболее интересных приставках, о которых вы, возможно, ничего не слышали, и определим причины провалов. Речь пойдет исключительно о неизвестных консолях, а не о редких вариациях известных приставок, которым мы посвятим отдельный материал.

Консоли от производителей сторонней электроники

В 80-х Atari и Nintendo доказали, что производить игры и приставки выгодно, поэтому многие производители электроники разработали собственную консоль. Преуспели в этом начинании только Sony и Microsoft, но они оказались далеко не единственными, кто желал найти собственное «место под солнцем» на рынке видеоигр.

Если о Panasonic 3DO слышали многие, то Philips CD-i остался неизвестным, особенно в России. Он сочетал как игровые возможности, так и функции CD-плеера. Это помогло росту продаж первой Playstation, которая вышла намного позже, поэтому Philips CD-i просто опередил свое время, ведь он появился до массового распространения музыкальных дисков и обучающих программ. Да и его стоимость явно превышала разумные пределы. Также неприятной особенностью этого устройства, как консоли, была скромная библиотека игр, но эта особенность характерна практически для всех представителей этой подборки, поэтому мы к ней возвращаться не будем.

Philips CD-i сложно назвать провальным продуктом, ведь он отвечал стандартам качества и имел ряд преимуществ. Но вот конкурировать с Sega и Nintendo в начале 90-х не мог никто

Сегодня Apple упрекают в том, что она отстает от трендов и внедряет технологические новинки позже, чем конкуренты. Но в 80-х и 90-х эта компания предлагала свежие решения, многие из которых изменили индустрию навсегда. Яркий пример — графический интерфейс, который сегодня является стандартом, появился на первых компьютерах от Apple. И когда в компании решили о запускать собственную консоль Apple Pippin, то ее главной особенностью сделали возможность выхода в интернет. Сегодня это также кажется неотъемлемой функцией приставок, а тогда, в 1995-м, у людей даже не приходило в голову подключать игровое устройство к сети. К сожалению, это негативно повлияло на продажи — стоимость оказалась высокой, а необходимости в интернете у пользователей еще не было. Прибавьте к этому условия жесткой конкуренции с Sony PlayStation, Sega Saturn и Nintendo 64, а также полную совместимость игр для Pippin с компьютерами Machintoch. Так и хочется сравнить Pippin и Xbox One, но не выйдет — «Хуан» продается гораздо лучше.

С правами на Pippin все оказалось сложно — даже несмотря на провал системы, Apple не понесла убытков — их разделили сторонние компании

Неизвестные консоли от крупных платформодержателей

Домашние консоли Sony — рай для перфекциониста. Никаких четырехзначных чисел или странных букв, простая нумерация по поколениям. Однако выходила редкая и дорогая в среде коллекционеров приставка, которая получила название PlayStation X. В 2003-м году руководство Sony выпустило для японского рынка мультимедийную систему с DVD-Recorder и невероятными для своего времени 250 Гб, которая могла запускать игры библиотеки PS2. Если бы она оказалась успешной, то наверняка бы распространилась за пределы страны Восходящего Солнца, но покупатели скептически восприняли этот продукт. Дорогая и слишком большая по размерам, она не предлагала ничего кардинально нового. Впрочем, попытки превратить консоль в полноценный медиацентр предпринимались и до, и после PlayStation X. Свежий пример — конечно, Xbox One. Другое дело, что не так уж и много пользователей покупали подобные устройства из-за гибридности.

PlayStation X сегодня заинтересует разве что коллекционеров, которые собирают редкие консоли

Не менее редкой оказалась консоль Nintendo под названием Virtual Boy. Внешне она напоминает современные шлемы виртуальной реальности, но на практике не имеет с ними ничего общего. Virtual Boy — громоздкое и неустойчивое устройство, которое позиционировалась как портативная консоль. Оно выдавала монохромную картинку, отдаленно похожую на трехмерное изображение — ни о каком новом игровом опыте или технологическом шаге вперед речи не шло. К тому же, даже после непродолжительных сеансов у людей кружилась голова и слезились глаза. Впрочем, в мире не так много игроков, которые опробовали Virtual Boy на практике — практически сразу же после выхода первых партий ее сняли с производства и прекратили поддерживать.

Сложно представить человека, который будет таскать с собой подобное «портативное» устройство

В портфолио SEGA также есть консоль, которая осталась неизвестной. Речь о Sega Video Driver, странном устройстве, которое совмещало игры и живое видео. Эта приставка оказалась одной из первых ласточек подобного направления, и она оказалась неудачной. К телевизору прикреплялось дополнительное устройство с игрушечной машинкой, а управлять единственной игрой предлагали при помощи слишком уж маленького руля. В теории эта программа помогала научиться водить автомобиль, но на практике не имела ничего общего с симулятором вождения. В истории компании SEGA было много неоднозначных решений, и выпуск Video Driver — пожалуй, самое странное.

Технология Nuon

Nuon — не совсем консоль. Это технология VM LAbs, которую, которая в 2000-м году распространялась в DVD-плеерах Samsung и Toshiba. Возможно, производители надеялись на то, что видеоплееры заменят привычные консоли, только вот разработчикам было нечего предложить тем, кто покупал подобные устройства ради видеоигр. Четыре DVD-фильма с интерактивным контентом и восемь устаревших проектов не стали поводом отказываться от полноценных домашних консолей. Итог — исчезновение с рынка и практически полное забвение.

Как и многие гибриды, DVD-плееры с технологией Nuon оказались просто не нужны рядовым игрокам

Домашний игровой аппарат. Neo Geo

В начале 90-х игровые аппараты технологически опережали домашние консоли. Руководство Sega и Nintendo понимали, что им стоит соблюдать баланс между красивым внешним видом игр и ценой продукции, поэтому особенно не гнались за передовыми технологиями. У аппаратов же такой проблемы не было, ведь их покупали не для собственного удовольствия, а для заработка денег с посетителей. Neo Geo — одна из таких игровых систем, только она распространялась как в виде больших самодостаточных агрегатов, так и в виде небольших приставок, которым нужен телевизор. Но в обоих случаях расчет велся не на игроков, а на владельцам баров и отелей. Выход на открытый рынок состоялся, во многом, по просьбам людей, которые были готовы платить чудовищные деньги за детализированную картинку и качественный звук. Если сама консоль стоила в три раза дороже Super Nintendo и Sega Mega Drive, то картриджи к ней — в десять. Нет ничего удивительного в том, что популярности она не имела, а в России о ней наверняка мало кто слышал. По аналогии с Sega CD и Atari Jaguar CD, Neo Geo получил расширение с дисководом, но из этой затеи также ничего не вышло.

Разумеется, охватить абсолютно все консоли, которые остались неизвестными, просто невозможно, да и у читателей не хватит терпения, чтобы осилить столь длинный текст. Игровая индустрия формировалась методом проб и ошибок, а многомиллионные вложения, которые не принесли прибыли — естественная составляющая любого крупного бизнеса. Поэтому историю видеоигр стоит помнить хотя бы для того, чтобы не повторять ошибок прошлого.

Автор оригинала - Алекс Ермолаев