AbstractGallery

Данное произведение не просто отсылает наc к стихотворению Лермонтова, оно его иллюстрирует и даже дополняет. Вот его первые строчки:

На севере диком стоит одиноко
На голой вершине сосна,
И дремлет, качаясь, и снегом сыпучим
Одета, как ризой, она.

“На севере диком...”, 1891

Согласитесь, в связке выглядит, как изображение для стихотворения. Осталось запихнуть в твердый переплет, оформить и определить тираж. Кстати, примерно так и произошло. В свое время, выходило собрание сочинений Лермонтова, приуроченное к пятидесятилетию со дня его гибели. Шишкин предназначил картину для иллюстрации этого сборника, поэтому сначала появился рисунок, который и натолкнул мастера на написание картины маслом.

"На севере диком". Эскиз, 1890

“На севере диком...” Шишкина скорее об одиночестве и тоске в целом (то есть произведение посвящено именно Лермонтовскому варианту стихотворения), а не о неразделенной любви, к которой отсылает нас Генрих Гейне. Причем здесь вообще Гейне? Дело в том, что Михаил Юрьевич Лермонтов перевел его стихотворение и получилось “На севере диком...”.

На картине изображена огромная сосна под толщей снега, которая является единственным объектом или даже существом, изображённым на картине. Вообще формулировка о том, что дерево — это существо, достаточно интересна. Многие творцы с разных уголков нашего света придавали лесу и деревьям определённое мистическое значение. Лес — значит несколько больше, чем просто растительность. Это целая экосистема со своими правилами, целый живой мир, наполненный силой и могуществом. Человек, попавший в лес может обрести гармонию, а может сгинуть. Так и в произведении Шишкина каждый увидит что-то свое. Кому-то оно напомнит о детстве и новогодних походах за елкой, кому-то о зимней сказке на отдыхе, а кому-то об одиночестве и тяжести серых будней.

Сосна под снегом. Этюд к картине "На севере диком...", 1890

Как мне кажется, “50 оттенков“ снега, который выполнен от белоснежного до глубокого синего все-таки радуют глаз и позволяют погрузиться в атмосферу умиротворенности и спокойствия. Художник Витольд Бялыницкий-Бируля однажды сказал: «Я убежден, что, если бы Лермонтов увидел картину Шишкина, он был бы счастлив». К сожалению, Лермонтову было не суждено увидеть данную работу, однако мы с вами можем в полной мере насладиться величавостью и силой одинокого дерева, и прочувствовать нотку меланхолии морозного пейзажа.

Если хотите познакомиться с миром искусства поближе, то добро пожаловать в наш скромный телеграм канал ;)

https://t.me/abstract_gallery

“Бурлаки на Волге” — это тот случай, когда символизм и значимость произведения переросли изначальный замысел автора. Все началось с истории, когда Репин, гуляя по Неве, увидел бурлаков. Он тут же поразился контрастом между безвыходно-бедственным, страшным положением этих работяг и шикарной жизнью местной аристократии. Все это происходило и жило бок о бок, хотя в идеале, должно было исключать друг друга.

“Бурлаки на Волге”, 1873

В 1870-м художник отправляется в путешествие по Волге и начинает работать над эскизами “Бурлаков”.

Бурлаки, тянущие лямку. Эскиз для картины "Бурлаки на Волге", 1870

Бурлак. Этюд к картине "Бурлаки на Волге", 1870

Безысходность простых работяг, мужиков, да вообще всего народа заключена в бурлаках художника. При этом роскошную блестящую на солнце баржу связывают с олицетворением высших слоев общества. Эта аллегория, пожалуй, и сделала данную картину такой великой. Проблемы, которые вырываются наружу и стоят особенно остро, но не озвучиваются и не обсуждаются обществом, обычно очень ярко воспринимаются, когда нарыв все-таки вскрывается. В этот момент люди делятся на два типа: тех, кто отрицает и тех, кто принимает – также произошло и со зрителями, которые впервые увидели данное произведение.

При этом сам Репин писал именно бурлаков – он не вкладывал какой-то сакральный, загадочный символизм в данную работу. Но искусство, на то и искусство, чтобы иногда смысл и подтекст вырывался наружу только соприкоснувшись со зрителем, хотя автор мог ничего глобального и не подразумевать.

Если отойти от поиска аллегорий, то с полной уверенностью можно сказать, чем “Бурлаки на Волге” Репина отличаются от произведений Саврасова и Верещагина, схожих по теме (на всех картинах присутствуют бурлаки).

Алексей Саврасов, "Волга в окрестностях Юрьевца", 1870

Илья Ефимович смог изобразить настоящих, изможденных людей, со своей жизнью и историей. Он детализировал персонажей и дал прочувствовать зрителям всю боль, отражаемую на лицах мужиков, тянущих лямку. Тут и молодой парень, пытающийся скинуть канат, и старцы, и силачи. Это вызывает настоящие неподдельные эмоции и вызывает сочувствие за этих ребят.

Бурлаки на Волге. Фрагмент

Одним из конфликтов Репина являлось его нежелание проповедовать и высказывать какие-либо нравоучения своими работами. Он пытался следовать идеям чистого искусства, однако при этом обладал своей гражданской позицией и безусловно транслировал ее в своих работах. Отчасти поэтому “Бурлаки на Волге” вышли настолько уникальными. Они лишены нравоучений и демонстрируют человеческую историю, с одной стороны, но и как бы отодвигают истории этих людей на второй план, оголяя нерв рабского труда и классового разделения. Что из этого стоит во главе угла, решать лично каждому.

«У нас как-то принято, что бурлаки более всего способны изображать известную социальную мысль о неоплатном долге высших классов народу. ...К радости моей, весь страх мой оказался напрасным: бурлаки, настоящие бурлаки и более ничего. Ни один из них не кричит с картины зрителю: «Посмотри, как я несчастен и до какой степени ты задолжал народу!» 

– реакция Достоевского после знакомства с произведением и она, пожалуй, наиболее объективна по отношению к первоначальному замыслу творца.

Если хотите познакомиться с миром искусства поближе, то добро пожаловать в наш скромный телеграм канал ;)

Существует мнение, что город можно рассматривать, как живой организм со своими эмоциями, проблемами и ощущениями. Конечно, никто не говорит, что в один прекрасный момент, условный Нью-Йорк сядет перекинуться в картишки с каким-нибудь Парижем, а после, они, хохоча, решат пропустить по стаканчику у камина. Тут скорее подразумевается рассмотрение города в качестве живого организма, поведение которого находится в прямой взаимосвязи с действиями людей. Честно говоря, это тот случай, когда проще увидеть, чем прочитать или услышать, чтобы понять, поэтому мы и обратимся к, пожалуй, самой известной картине Эдварда Хоппера – «Полуночники».

"Полуночники", 1942

Согласитесь, если убрать всех людей с этого полотна, то картина будет выглядеть незавершенной и немного странной. Эмоции людей и их действия формируют атмосферу и настроение целого города. Спокойствие, одиночество и легкая ночная тоска, вот какой спектр ощущений можно испытать, полностью погрузившись в лицезрение данного произведения.

Существуют две точки зрения на тему того, что послужило источником вдохновения для Хоппера во время создания данного полотна. Согласно первой, американский мастер, будучи любителем всего французского, был настолько впечатлен картиной Ван Гога «Ночная терраса кафе в Арле» / «Ночное кафе в Арле» (у этой картины много альтернативных названий), что решил интерпретировать теплый, ленивый вечер из города Арль в своей неповторимой манере. Так и получились таинственные, пропитанные атмосферой одиночества, слегка уставшие и размеренные «полуночники».

Винсент Ван Гог, "Ночная терраса кафе в Арле" / "Ночное кафе в Арле»", 1888

Однако есть и вторая версия, которая негласно уже стала общепринятой. Считается, что Эдварда Хоппера настолько впечатлило короткое произведение «Убийцы» Эрнеста Хемингуэя (да-да, того самого, который советовал писать пьяным и редактировать трезвым), что он решил визуализировать данную историю.

Примечательно, что голливудская экранизация «Убийц» основывалась, скорее, на картине Хоппера, нежели на произведении Эрнеста, ведь полотно художника все-таки кое-чем (вернее кое-кем) отличается от рассказа.

Отличительной визитной карточкой «Полуночников» стала рыжая красавица, безусловно придающая определенный магнетизм данному произведению. В экранизации 1946 года девушка тоже присутствует, что говорит нам об использовании образов Хоппера, нежели старика Хемингуэя.

Фильм "Убийцы", 1946

Вот такое вот вдохновение по кругу, в которое оказались втянуты несколько видов искусств. Как показывает практика, заимствование образов и некое цитирование работало и в то время. Думаю не стоит говорить, что сейчас это чуть ли не основной тренд. Вдохновляйтесь и создавайте шедевры, как это сделал Эдвард Хоппер.

Если хотите познакомиться с миром искусства поближе, то добро пожаловать в наш скромный телеграм канал ;)

Пожалуй, далеко не многие могут подмечать тонкие отношения человека с этим миром, и отношения человека с самим собой. Далеко не многие умеют подмечать это, а изобразить могут и вовсе лишь единицы. Колумбийский иллюстратор, прославившийся своими “комиксами”, явно один из таких людей. То, какую едкую, но правдивую суть он вкладывает в свои работы, не может не восхищать. Конечно, кто-то скажет, что эти злободневные творения к нему не относятся, но все же советую ознакомиться, многие увидят на экране свои ежедневные самокопания и тех самых тараканов, которые вроде бы у каждого свои.

Если хотите познакомиться с миром искусства поближе, то добро пожаловать в наш скромный телеграм канал ;)

Лора Харрис - талантливая художница, которая стала филологом и успешно справлялась со своей работой. Лора Харрис - мастер, чьи работы выигрывают в разных конкурсах и многочисленных фестивалях. Лора Харрис — женщина, у которой диагностировали рассеянный склероз, но она не опустила руки, и ее творчество стало основным направлением ее деятельности. Можно многое сказать о Лоре Харрис, но лучше познакомиться с ее сказочными, волшебными мозаиками, которые она делает из кусочков и осколков разных деталей, пуговиц, бусин и вообще всего, что попадется под руки.

Если хотите познакомиться с миром искусства поближе, то добро пожаловать в наш скромный телеграм канал ;)

Да, конечно, если и думать про великие произведения и великих художников, то Айвазовский явно одним из первых приходит на ум. То, с какой точностью и подлинностью Иван Константинович изображал все, что связано с водой и морем в частности, вызывает лишь восхищение. Вот и “Всемирный потоп”, вышедший из-под кисти мастера, заставляет приоткрыть рот и охнуть (или ахнуть) от масштаба трагедии.

"Всемирный потоп", 1864

Библейские сюжеты, в том числе и история о всемирном потопе, ни раз использовались самыми разными творцами. Взять библейскую тему, все равно, что выбить 10 из 10. Тут найдется место и для смерти, и для борьбы, и для надежды. А что людям-то нужно? Правильно, либо увидеть нечто грандиозное и монументальное, либо понять, что в своей жизни не все так плохо, а потому посочувствовать героям произведения, либо же проникнуться сюжетом и попытаться разгадать загадку автора... В общем, испытать эмоции, и произведения Айвазовского отлично справляются с ролью явления, которое и дарит эти эмоции. Перейдем к деталям полотна, и разберемся, есть ли спасение-то душам грешным?

Прямо скажем, дела обстоят не самым лучшим образом. Кучи людей, которые мрут словно мухи в пучине грозного, величавого моря, которое вновь предстает главным героем на картине Айвазовского. Безусловно, не люди здесь главные (да и как ты можешь быть главным, если ты размером с божью коровку), а именно море. Мастер в данном сюжете показывает суровость и неотвратимость кары божьей. Не злите природу, иначе вы разбудите зверя. Стихия действует по своим собственным, жестким и даже жестоким законам. Ее бесполезно молить о пощаде, бесполезно взывать к милосердию. Автор хотел показать, какой сильной может быть природа и какое отчаяние ждет человека, при столкновении с ней. Ни у кого из рода “ручки, ножки, огуречик”, нет никаких шансов в борьбе со стихией.

Автопортрет Айвазовского, 1874

Вспоминаем, что это библейская история, а значит все тут происходит не просто так. Очищение через страдания и потери, чтобы искупить свои грехи и обрести милость Создателя. Водная стихия может заглотить, очистить и выплюнуть уже нового, “чистого” человека, но может также и убить (в основном, как мы видим, убивает).

С сутью произведения все ясно, но что насчет самого главного вопроса, есть ли спасение душам грешным? Есть. Мы видим светлые краски в левой верхней части картины, как будто тучи расходятся и небеса открываются, чтобы принять уставших и напуганных людей.

Самое удивительное, как Айвазовский работает с цветом. С помощью красок он создает глубокие переживания за жизнь людей, и самое главное, он оставляет надежду. Такой симбиоз техники мастера, библейских мотивов и любимой водной стихии Айвазовского, дарит нам великое полотно “Всемирный потоп”, которое вызывает спектр самых разных эмоций у зрителей и по сей день.

Если хотите познакомиться с миром искусства поближе, то добро пожаловать в наш скромный телеграм канал ;)