С одной стороны, у Квентина Тарантино нет рамок в творчестве: в его фильмографии свободно уживаются картины о криминале, вестерны и грайндхаус. Однако особняком от остальных его работ стоит фильм «Джеки Браун», о котором обычно вспоминают в последнюю очередь.

Это странное произведение сочетает в себе узнаваемые черты творчества режиссёра — отличный подбор музыки и замечательную игру актеров, — но содержит странные моменты, которые позже у него не повторялись. Кинокритики до сих пор спорят, был этот фильм экспериментом для Тарантино или очевидной неудачей, о которой он предпочёл забыть.

Главная особенность фильма — в том, что он снят не по оригинальному сценарию постановщика, что в дальнейшем у Тарантино не повторялось. Режиссёр зачастую делает целенаправленные оммажи к своим любимым фильмам и может позволить себе напрямую цитировать некоторые сцены из них.

Однако «Джеки Браун» — это экранизация романа «Ромовый пунш» Элмора Леонарда, одного из любимых писателей Тарантино. Строго заданные рамки соответствия книжному оригиналу наложили негативный эффект на режиссуру: там, где сценарий мог дать неожиданный оборот или удивить напряжённым диалогом, не происходит ничего особенного. Фильм Тарантино, который не искрит блестяще написанными диалогами и не позволяет великолепным актерам раскрыться на полную, уже звучит фантастически и чужеродно.

Этому можно дать простое и логичное объяснение: после успеха «Криминального чтива», в одночасье ставшего народным хитом, режиссёр пытался найти новую формулу для своих фильмов и сделать что-то нетипичное — то, чего аудитория от него никогда бы не ожидала.

Это прослеживается даже в структуре картины: она хронологически линейна, в отличие от его предыдущих фильмов. Отсылки к культовым произведениям и фирменное внимание к мелочам не красят общую картину. Средние на фоне остальных фильмов режиссёра оценки от аудитории и неоднозначное отношение со стороны профессиональных кинокритиков подтверждают, что постановщику не следовало пытаться выйти из своего формата, в котором он был одним из лучших.

Благо, последовавшими фильмами Тарантино убедил своих поклонников в том, что он не растерял хватку. Сейчас он продолжает радовать зрителей новыми фильмами.

Стивен Спилберг и «1941»

«1941» Спилберга — необычный фильм сам по себе. Это сатирическая комедия о Второй мировой войне, где показывается паника в Лос-Анджелесе после нападения на Пёрл-Харбор. Смелая идея от прославленного режиссёра привлекла внимание зрителей и критиков ещё на стадии анонса. Но необычная концепция разваливается на части, и делу не помогают ни сам постановщик, ни сценарный дуэт Роберта Земекиса и Боба Гейла, позже подаривший миру трилогию «Назад в будущее».

Основная проблема фильма — неумелые потуги на шутки, которые смотрятся совершенно неуместно. Картина пытается рассмешить зрителя в каждой сцене, но делает это неуклюже и без капли обаяния. Всё происходящее в фильме настолько хаотично и сумасбродно, что зритель постепенно перестает понимать, в чём суть конкретных сцен и где ему надо смеяться. Комедия, в которой не работает юмор, всегда обречена на провал, что и произошло в конечном итоге с «1941».

Особенно странно этот фильм выглядит на фоне более поздних «Империи Солнца», «Списка Шиндлера» и «Спасти Рядового Райана», события которых тоже разворачивались во время Второй мировой войны. Спилберг не похож на большого любителя сатиры, многие его картины предельно серьёзны и драматичны. Чем он руководствовался, взявшись за эту тему, и почему вообще решился на создание этого фильма на фоне бешеной популярности «Челюстей» и «Близких контактов третьей степени» — неизвестно.

В мире, где существует «Доктор Стрейнджлав, или как я перестал бояться и полюбил атомную бомбу», «1941» выглядит нелепо. Пресса разгромила фильм, называя его полным разочарованием, а зрители и по сей день считают именно эту картину худшей в фильмографии прославленного режиссёра. Но эта неудача не помешала Спилбергу, и уже через два года он выпустил «Индиану Джонса: В поисках утраченного ковчега», а затем и «Инопланетянина».

Сейчас эту картину вспоминают лишь в контексте величины фигуры Спилберга. Многие поклонники мастера заблаговременно обходят этот фильм стороной, и даже сам Спилберг предпочитает не вспоминать о нём лишний раз.

Как и в случае с «Джеки Браун», «1941» оказался одноразовой попыткой сделать что-то новое. В дальнейшем Спилберг никогда не снимал чистокровные комедии и нашёл себя в приключенческом жанре и военных драмах.

Дэвид Финчер и «Загадочная история Бенджамина Баттона»

Дэвид Финчер считается настоящим мастером триллеров. Его работы, среди которых «Семь», «Бойцовский клуб» и «Исчезнувшая», регулярно попадают в списки лучших фильмов этого жанра. К тому же, картины Финчера отличаются мрачной атмосферой и напряжёнными историями, не втянуться в которые попросту невозможно. «Загадочная история Бенджамина Баттона» попросту не вписывается в его фильмографию, так как она сохранила в себе лишь малую толику узнаваемых черт творчества режиссёра.

Этот фильм вполне мог бы снять кто-нибудь другой без потери смысла и общей атмосферы. И это неудивительно — среди кандидатов на пост режиссёра студия рассматривала Стивена Спилберга и Рона Ховарда, которые знали толк в постановке подобных картин. Не совсем ясно, чем эта сентиментальная история привлекла Финчера, но студия явно не прогадала с выбором: большие кассовые сборы и 13 номинаций на «Оскар» позволяют назвать этот фильм крайне успешным.

По сути, «Загадочная история Бенджамина Баттона» — это фэнтези, что резко отличает его от всех остальных проектов Финчера, характерных своей приземлённостью и предельной реалистичностью.

Если в других своих работах режиссёр исследовал мрачные стороны человеческой души, то в этом фильме он неожиданно показывает любовь, триумф добра и надежды, светлые аспекты жизни, что совершенно для него нетипично. Общий мелодраматический тон настраивает на расслабленный и меланхоличный просмотр, и это резко контрастирует с фирменной чертой Финчера снимать происходящее динамично и напряжённо.

Нельзя сказать, что всё вышеперечисленное — неправильно для Финчера. Фильм сохранил за собой его фирменную постановку, в нём замечательная актёрская игра и отличный визуальный ряд. Не вызывает никаких нареканий и операторская работа — важный аспект каждого проекта постановщика. Однако светлая и немного приторная атмосфера не позволяют отнести эту работу режиссёра к пантеону его остальных прославленных фильмов, выделявшихся на фоне типичных голливудских картин.

С «Бенджамином Баттоном» Финчер рисковал выйти на скользкий путь «безопасных фильмов», которые бы обеспечили ему постоянное внимание со стороны академиков и массового зрителя. Но этого, к счастью, не случилось.

Поклонники режиссёра неоднозначно отнеслись к этой картине. Одни были рады тому, что он смог успешно выйти за рамки собственного стиля, другие же считали «Бенджамина Баттона» неумелой и постыдной попыткой Финчера снять массовый фильм, вписывающийся в рамки «Оскара» и других престижных наград. Как бы то ни было, эта картина помогла режиссёру достичь новых высот в своём творчестве и стала своеобразной отдушиной в рамках его угрюмой фильмографии.

Мартин Скорсезе и «Хранитель времени»

Мартина Скорсезе нельзя обвинить в однообразии творчества. За долгую карьеру он успел сделать спортивную драму, комедию, фильм об Иисусе Христе, любовную историю и даже мистический триллер. Можно было бы сказать, что у Скорсезе отсутствует общий стиль. Но среди его работ нашлась картина настолько нетипичная, что остаётся лишь удивляться.

«Хранитель времени» — проект удивительный. До него все фильмы Скорсезе предназначались исключительно для взрослой аудитории, способной принять местами жёсткие и хлесткие истории о социальных отщепенцах. Но большая армия поклонников маэстро была не готова к тому, что Скорсезе реализует самый неочевидный для него проект — без криминала, с кучей спецэффектов и даже без фирменных актёров в лице Ди Каприо и Де Ниро.

Скорсезе ясно объяснил причину существования данного фильма: он хотел хоть раз сделать картину, которую могли бы посмотреть его дети. Желание постановщика отдохнуть от мрачных проектов понятно, но это всё равно не объясняет столь сильной обособленности «Хранителя времени» от других его работ.

Это типичный детский фильм тех лет, который по своему тону мало отличается от какого-нибудь «Золотого компаса», вышедшего пятью годами ранее. Волшебную атмосферу создают перегруженные спецэффекты, в фильме полно клише и излишне восторженных моментов. Он настолько сахарно-приторный, что порой не верится. Чего стоит только рекламная кампания, которая продвигала фильм как отличный вариант для семейного похода в кино на День Благодарения.

Трудно поверить, что такой облагороженный и заштампованный проект мог снять прославленный Мартин Скорсезе. Об истинной натуре постановщика здесь напоминает лишь центральная тема — любовь к кинематографу, которой фильм пронизан с головы до пят. Но и это ситуацию не оправдывает в глазах многих поклонников режиссёра.

Тем не менее, фильм благосклонно приняли критики и обычные зрители, что обеспечило «Хранителю времени» аж 11 номинаций на «Оскар», из которых он выиграл в пяти — за «Лучшую операторскую работу», «Лучшие декорации», «Лучший звук», «Лучший монтаж звука», «Лучшие визуальные эффекты». Сейчас этот проект считается одним из самых успешных у Скорсезе, что немного странно, если посмотреть на его фильмографию целиком — «Хранитель времени» по сравнению с другими картинами выглядит попросту безликим и неполноценным.

Стэнли Кубрик и «Спартак»

Многие согласятся с тем, что у Стэнли Кубрика одна из самых необычных и лучших фильмографий в истории кино. Он снимал фильмы почти во всех жанрах — криминал, военная драма, политическая сатира, научная фантастика, хоррор и так далее. Но «Спартак» является самым нетипичным для Кубрика, даже с учётом разнообразия представленных жанров.

Стоит сказать о том, что этот фильм можно назвать не фильмом Кубрика, а продюсерским проектом, в котором Кубрик был лишь приглашённым постановщиком. Первые сцены снимались другим режиссером, Энтони Манном, но студию не устроил отснятый материал, и главный актёр фильма, Кирк Дуглас, решил пригласить для съёмок тогда ещё молодого и неопытного Стэнли Кубрика, с которым он сработался во время съёмок фильма «Тропы славы».

Также это один из двух фильмов Кубрика (вторым является «Лолита», в котором всё же виден авторский почерк режиссёра), к сценарию которого он не прикладывал руку. История, написанная Далтоном Трамбо («Римские каникулы», «Джонни взял ружьё»), исключительно классическая и лишена возможных неоднозначностей и спорных моментов, которые после были в каждом фильме Кубрика.

В этом проекте режиссёр не смог развернуться ни в творческом, ни в эстетическом плане из-за давления продюсеров и желания главных актёров соответствовать стандартам той эпохи Голливуда. «Спартак» в визуальном плане мало отличается от того же «Бена-Гура» или «Клеопатры», из-за чего теряется на общем фоне исторических картин того времени. Здесь вы не увидите ни выходящих за рамки актёрских работ, ни свойственного фильмам Кубрика перфекционистского внимания к техническим аспектам кино.

Но трудно сказать, что «Спартак» — плохой или даже средний фильм. Он внёс свой вклад в историю мирового кинематографа, заработал множество престижных наград и даже рассматривается некоторыми киноведами как фильм с лучшим актёрским составом в истории. Лишь соседство с более сильными и идеально отточенными работами Кубрика оттеняют «Спартака» на общем фоне, который по сравнению с ними выглядит и звучит как довольно обычный фильм.

Сам Кубрик позже уничижительно отзывался о своей работе, считая, что фильм мог стать лучше, будь он смелее и жёстче в некоторых аспектах. Позже режиссёр стал независимым от воли продюсеров и даже выпустил спустя 15 лет «Барри Линдона», правильный исторический фильм по версии подлинного Кубрика.

Дэвид Линч и «Простая история»

Обычно самым нетипичным фильмом Линча принято считать «Дюну». Большой бюджет, огромный размах и общая неудачность фильма действительно позволяют назвать эту картину самой нетипичной, но в его фильмографии нашелся даже более странный и таинственный проект.

«Простая история» — фильм действительно простой. В нём нет мистики и фирменного линчевского безумия. Нет тайн и обличающих человеческую душу моментов. Нет даже мрачной и сюрреалистичной атмосферы, в подаче которой Линч разбирается как никто другой. Это история о 73-летнем старике, который отправился в путешествие на газонокосилке, чтобы навестить своего больного брата.

И не только это позволяет назвать этот фильм самым нетипичным для Линча. К тому же, режиссёр тут даже не писал сценарий — впервые за его долгую карьеру. А главный аргумент — производство финансировалось компанией Disney. Более странного и невероятного сотрудничества в Голливуде придумать сложно.

Это добрый, поучительный фильм, который всё же нельзя назвать наивным и чересчур сентиментальным. Благодаря потрясающей режиссуре Линча, он смотрится с интересом и определённой меланхолией. Он не выбивается из фильмографии постановщика, потому что сам по себе является превосходной работой. Достаточно сказать, что Линчу удалось не только порадовать своих поклонников, но и заинтересовать массовую аудиторию, которой фильм пришелся по душе.

«Простая история» в равной степени может стать как фильмом Линча для тех, кто не принимает Линча, так и ещё одной великолепной работой признанного мастера. Помимо участия на престижных фестивалях, «Простая история» получила номинацию за «Лучшего актёра», сделав исполнителя главной роли Ричарда Фэрнсворта одним из самых пожилых номинантов в истории премии.

«Простая история» — нетипичный для Линча фильм, который был тепло принят публикой и прессой. Это позволило ему позже найти финансирование для следующих своих работ, вновь представлявших из себя сложные и сюрреалистичные произведения.

Кристофер Нолан и «Бессонница»

Сейчас ни у кого не возникает сомнений в том, что Кристофер Нолан — один из самых важных режиссёров современности. Выход каждого нового фильма постановщика становится настоящим событием в индустрии, так как он способен балансировать на грани между сложным кино и зрелищностью. Из фильмографии выбиваются лишь два произведения — «Преследование» и «Бессонница». Первый был просто пробой пера Нолана, не располагавшего достаточными финансами, а второй стал тем самым особым случаем

Фильм не следует оригинальной задумке режиссёра или его брата-сценариста. «Бессонница» — почти покадровый ремейк одноименного норвежского фильма, вышедшего в 1997 году. Следовательно, это одна из тех голливудских картин, в которых главное отличие от оригинала — смена места действия на США. Для потенциального увеличения кассовых сборов продюсеры прикрепляют к таким проектам маститых актёров. К сожалению, этот фильм не пошел по пути «Отступников», самодостаточного произведения и без оглядки на оригинал.

Кристофер Нолан согласился на съёмки этого фильма для укрепления своего положения в Голливуде. «Бессонница», без всякого сомнения, — полностью продюсерский проект, который состоялся бы и без назначения Нолана на пост режиссёра. Это подтверждает и тот факт, что картина является единственной в фильмографии Нолана, к сценарию которой он не приложил руку.

Голливудский лоск виден во многих сценах фильма, где была изменена или подправлена оригинальная задумка. В норвежском оригинале главный герой в исполнении Стеллана Скарсгарда мог вызывать противоречивые и даже негативные чувства из-за своих плохих поступков. Аль Пачино же играет персонажа, который во многом симпатичен зрителю, из-за чего теряется толика мрачной атмосферы норвежского фильма. Определённые сцены были смягчены, чтобы не смущать американского зрителя.

Впрочем, это не делает фильм сильно хуже. У него есть великолепный актёрский состав, и отличный визуальный ряд. Аль Пачино и Робин Уильямс смотрятся органично в своих ролях, и в целом «Бессонница» — зрелище интересное. Однако норвежский оригинал смотрится лучше из-за большей смелости авторов, чего голливудскому ремейку определённо не хватает. К тому же, это фильм Нолана, который спокойно мог быть снят и не им.

Выход картины помог постановщику найти связи с продюсерами, которые предложили ему снять «Бэтмена: Начало». Остальное уже является частью истории.

Тим Бёртон и «Планета Обезьян»

Всю свою творческую карьеру Тим Бёртон снимал необычные фильмы, которые неизменно удивляли зрителей оригинальностью своей задумки. Но даже с учётом других необычных работ «Планета обезьян» — самый странный и неожиданный проект известного режиссёра.

Сложно объяснить причины существования этого фильма. Это не продюсерский проект, к которому прикрепили Бёртона, а, можно сказать, авторская задумка творца, пожелавшего снять свою версию одного из любимых фильмов. «Планета обезьян», по словам самого Бёртона, был не обычным голливудским ремейком, а скорее авторским переосмыслением нетленной классики.

Не только вторичность отличает этот фильм Бёртона от остальных. Это самый масштабный и дорогой проект режиссёра, на который возлагали огромные надежды. Маркетинговая кампания обещала зрителям незабываемое зрелище, интересную творческую задумку. Впрочем, они не обманули — зрелище действительно получилось незабываемым.

Фильм не выдерживает никакой критики по сравнению с оригиналом, и самодостаточным высказыванием, к сожалению, тоже не является. В сценарии полно сюжетных дыр и откровенно странных моментов вроде концовки, которая не делает общую картину яснее. Режиссёрский стиль Бертона скорее мешает фильму: воспринимать происходящее всерьёз очень трудно из-за странной актёрской игры, сюжет частенько скатывается в полный абсурд.

Болячки, обычно присущие ремейкам, отразились на фильме Бёртона в двойном размере. Фанаты получили откровенно слабое и ненужное переосмысление отличного оригинального фильма, а новые зрители оказались разочарованными из-за скомканного сценария и отталкивающей режиссуры. На сегодняшний день это самая низкооцененная картина в карьере постановщика.

Тим Бёртон в дальнейшем брался за большие блокбастеры, однако он сохранял в них уникальный режиссёрский стиль, выделявший его работы из прочих. Однажды постановщик даже признался, что скорее выбросится из окна, чем сделает сиквел «Планеты Обезьян». Оно и к лучшему.

Ларс Фон Триер и «Самый главный босс»

Этот датский режиссёр считается одним из лидеров современного авторского кино. Все его работы довольно провокационны и задевают за живое. Неподготовленный зритель после просмотра его фильмов зачастую остается в состоянии шока, и даже его признанные произведения раскалывают киноманов на ненавистников и защитников творчества Фон Триера.

«Самый главный босс» выбивается из общего ряда. Это единственная полноценная комедия в фильмографии режиссёра, несмотря на то, что во всех его работах присутствует своеобразный юмор. Также это одна из трёх работ Фон Триера (куда также входят сериал «Королевство» и фильм «Идиоты», сделанный по манифесту «Догма-95»), снятая на датском языке. А ещё «Самый главный босс» не входит ни в одну трилогию режиссёра и остаётся в своем особом пространстве.

Отличия на этом не заканчиваются. Если остальные фильмы Фон Триера ещё как-то пытаются работать с международной аудиторией, то тут, кажется, режиссёр снял фильм про Данию для датчан — затрагиваются вопросы отношений между датчанами и исландцами с важным историческим контекстом для обеих стран, присутствуют странные сцены, юмор которых понятен только жителям Скандинавии.

За присущую Фон Триеру оригинальность в исполнении отвечает инновационная система Automavision, в которой ракурсы камеры и её движения подбираются автоматически компьютером. Введение этой системы добавило фильму неуместного, но интересно реализованного абсурда. Искусственный интеллект подбирает самые нестандартные ракурсы, которые никогда бы не пришли в голову человеку.

Впрочем, нетипичность фильма не помогла режиссёру обрести новых поклонников или потерять старых. «Самый главный босс» был тепло принят критиками, которые увидели в картине смелый эксперимент режиссёра-новатора, а зрители, по старой традиции, либо проходили мимо, либо писали восторженные отзывы.

Самый нетипичный фильм для великого режиссёра-творца не стал откровением ни для самого Триера, ни для его почитателей. «Самый главный босс» несколько теряется на фоне поучительной «Трилогии золотого сердца» и шокирующей «Трилогии депрессии», но лишь из-за того, что не пытается излишне играть с аудиторией.

Акира Куросава и «Дерсу Узала»

Акира Куросава — самый известный японский режиссёр в мире. Многие его фильмы стали настоящей классикой и вошли в историю как одни из лучших представителей мирового кинематографа. Режиссёр свободно ориентировался в жанрах и мог снимать как настоящие блокбастеры, так и нетипичные авторские фильмы. Однако на родине его признавали не так, как на Западе.

Куросаву часто обвиняли в том, что он использовал самобытную японскую культуру для того, чтобы подать её в форме, понятной западным зрителям. Фильмы маэстро не пользовались большой популярностью в Японии, а кассовый провал картины «Под стук трамвайных колес» привёл к тому, что режиссёру перестали выделять финансирование на реализацию его задумок. Ситуацию спасло советское посольство в Японии, предложившее ему снять фильм в СССР на русском языке.

Такая ситуация удивительна лишь на первый взгляд. Советскому кинематографу требовались новые режиссёры и сценаристы, способные снимать проекты мирового уровня. Узнав о тяжёлой ситуации Куросавы, сотрудники посольства предложили постановщику поработать в новых для него условиях. Режиссёр согласился, и ему дали полную творческую свободу.

«Дерсу Узала» — не только единственный фильм Куросавы, снятый не на японском языке, он также сильно отличается по темпу и тону от остальных его проектов. В этом фильме отсутствуют сцены масштабных баталий, нет городских пейзажей и даже не исследуются проблемы человеческого гуманизма.

Главной темой стала любовь человека к природе. Нанайский охотник Дерсу Узала всеми силами стремится к тому, чтобы люди вокруг не нарушали первобытной гармонии тайги. Дружба между ним и исследователем Владимиром Арсеньевым придаёт фильму необходимую искру, ставящую «Дерсу Узала» на одну ступень с лучшими работами Куросавы.

Зрители и критики по всему миру восторженно отнеслись к этому фильму. Премия «Оскар» в номинации «Лучший фильм на иностранном языке» и исключительно восторженные отзывы от фанатов японского режиссёра не позволяют сомневаться в том, что для Куросавы этот эксперимент оказался крайне удачным.

После выхода этой картины режиссёр вернулся в Японию, где благодаря американскому финансированию со стороны Фрэнсиса Форда Копполы и Джорджа Лукаса вновь поставил фильм на историческую тематику. «Кагэмуся: Тень воина» вернул Куросаву в прежний строй и позволил снять ещё несколько не менее шедевральных проектов.

Дэвид Кроненберг и «Порок на экспорт»

Дэвид Кроненберг в двадцать первом веке ударился в эксперименты. Мастер жанра «боди-хоррор» успел снять фильм по графической новелле, байопик о Фрейде и Юнге, странные экспериментальные фильмы с участием Роберта Паттинсона и Джуллианы Мур. Но самый необычный среди этих проектов — фильм о русской мафии в Лондоне.

Кроненберг никогда не отличался пристрастием к криминальному жанру. А потом не очень понятно, чем канадский постановщик заинтересовал студию и сценариста Стивена Найта. Однако именно режиссура отличает этот фильм от собратьев по жанру. «Порок на экспорт» предельно реалистичен и детален, может похвастать наличием неявных аллюзий и в целом — проект штучной работы.

Интересно, что именно этот фильм режиссёра наиболее популярен среди массовой аудитории. Кроненберг не ударяется в излишние эксперименты и снимает предельно простой, честный и искренний фильм с мрачной и пугающей атмосферой. Повествование здесь строго линейное, оно не буксует попусту и без лишних прикрас показывает подноготную преступной жизни в Англии.

Кроненберг, снимавший до этого в основном сюрреалистичные и пространные фильмы, уделяет деталям большое внимание: татуировки у героев здесь наносились в соответствии с сакральными законами российских тюрем, актёры предельно чётко говорят по-русски, соблюдаются даже малопонятные для западного зрителя понятия, вроде «воровского закона» и «ходки на зоне». Исполнитель главной роли Вигго Мортенсен даже совершил одиночное путешествие по России, чтобы проникнуться духом родины своего персонажа.

Режиссёр для съемок этого фильма отправился в Англию, хотя раньше снимал свои проекты только в Канаде. Пристрастие Кроненберга к своему творению, которое так резко выделяется на фоне его предыдущих работ, удивляет своей необычной природой. Можно сказать и о том, что в этом фильме он достиг новых высот в постановке: сцена драки в бане регулярно всплывает в списках лучших экшен-сцен в истории кино.

«Порок на экспорт» — самодостаточное творение, утвердившее режиссёра в качестве одного из важнейших в современном авторском кино. Однако последовавшие за ним фильмы не достигли высокой планки, заданной самим Кроненбергом в 2007 году.

Гай Ричи и «Унесённые»

Все фильмы Гая Ричи так или иначе затрагивают тему криминала — либо сюжет полностью сосредоточен на нем, либо преступниками являются главные герои. В фильмографии режиссёра есть всё: комедии, драмы, шпионский фильм, фэнтези. Единственное позорное пятно на его репутации — мелодрама, которую смотрят исключительно из-за того, что её снял тот самый Гай Ричи.

«Унесённые» не просто плохой фильм, но и плохой ремейк итальянского фильма «Отнесённые необыкновенной судьбой в лазурное море в августе». Режиссёр оригинала Лина Вертмюллер настолько возмутилась фактом существования «Унесённых», что вышла после предпоказа в слезах и с криками «Что они сделали с моим фильмом?!».

Её легко понять — эта картина выглядит скорее как телефильм B-класса из 70-х, который крутят по ночам. Ужасный сценарий, позорные шутки и плохая игра актёров никак не соответствуют таланту Гая Ричи, одного из самых креативных и талантливых режиссёров нашего времени. Не помогает делу и тот факт, что на главную роль Ричи взял Мадонну, которая на тот момент была его женой. Из-за этого кажется, будто «Унесённые» — это всего лишь извращенское видео для домашнего просмотра.

При этом нельзя сказать, что Ричи снял этот фильм не по своей воле. Он сам написал сценарий и с большим энтузиазмом принялся за проект, которым надеялся начать новый этап в карьере и дать понять, что он способен снимать не только криминальные фильмы.

Попытка получилась настолько провальной, насколько возможно — «Унесённые» с треском провалились в США, из-за чего в Великобритании фильм выпустили сразу на DVD. Сам Ричи о картине старается не вспоминать, а фанаты режиссёра стараются игнорировать сам факт существования этого проекта.

В дальнейшем Гай Ричи больше не пытался так радикально менять жанр своих проектов. И даже экранизация «Аладдина» с живыми актёрами выглядит и звучит не настолько чужеродно, как «Унесённые», которые нанесли репутации постановщика большой урон.

Нетипичные фильмы — это палка о двух концах для каждого режиссёра. Эксперимент может получиться удачным, что даст возможность в дальнейшем маневрировать между любыми жанрами, но иногда затея может обернуться полнейшим провалом.

От риска не застрахован ни один, даже самый маститый и уважаемый постановщик. Однако именно желание создать что-то новое и неожиданное позволяет искусству и творцу в частности развиваться дальше и достигать новых, доселе невиданных высот.

Пост написан участником Сообщества Независимых Авторов DTF

Автор: Егор Аргунов

Источник: https://dtf.ru/cinema/41694-belye-vorony-netipichnye-kartiny...

Как написать бестселлер

Дочь священника-методиста, Сюзанна Кларк провела своё детства в переездах из одного города Северной Англии в другой. Благодаря этому она хорошо поняла уникальные особенности этого региона, черты, которые его объединяют и отличают от остальной Великобритании. Родители смогли привить девушке любовь к литературе: Кларк мечтала о том, чтобы стать писательницей, ещё в школе.

Придумывать книгу она начала с одного из двух персонажей — мага Джонатана Стренджа, воплощающего романтическую и безумную сторону Англии, которую сама Кларк связала с северной половиной королевства. В начале 90-х будущая писательница занималась обучением английскому языку в Испании — именно там в 1993 году ей пришёл образ героя.

Вернувшись в Британию, Кларк, будучи обстоятельным человеком, решила подготовиться. Она и раньше писала художественные тексты для себя, но в этот раз её хотелось выйти на более высокий уровень. Поэтому она присоединилась к воркшопу, посвящённому фэнтези и фантастике, под руководством писателей Колина Гринланда и Джефа Роймана.

И всё это время Сюзанна Кларк продолжала писать. В 2009 году она призналась, что делала это «для себя, а не для читателя». Писала отдельными кусками, которые потом скрепляла воедино, без цельной схемы произведения. А не бросить громадную работу помогала надежда, что «в следующем году» книга, наконец, закончится. Но годы шли, роман всё увеличивался — и по-прежнему был далёк от финала.

Кларк и Гринланд начали встречаться, а 1996 стали жить вместе. Опытный писатель поддерживал своего партнёра, а в начале 2000-х нашёл ей литературного агента по имени Джайлз Гордон. Тот, в свою очередь, предложил ещё незаконченную рукопись издательству «Блумбери», где роман оценили, причём настолько, что решили издать 250 тысяч копий, распространить их сразу в Великобритании, Германии и США, и ещё до выхода книги договорились о переводе на 17 языков.

В 2004 году книга вышла. Все, кто верил в талант Кларк, не прогадали. Роман немедленно стал бестселлером, вошёл в шорт-лист Букеровской премии, а в 2005-м получил премию «Хьюго». Коммерческий успех был сопоставим, полностью окупив рискованные вложения «Блумбери». Почти что сразу начались разговоры о полнометражной экранизации, и студия New Line Cinema даже приобрела на неё права. К сожалению, со временем идея затухла.

А вот сериал «Джонатан Стрендж и мистер Норрелл», состоящий из семи эпизодов вышел, правда, только в 2013 году. Он получил одобрение и критики, и публики, и самой Кларк, которая сказала, что подбор актёров полностью соответствовал её видению персонажей. Сейчас это — лучший способ ознакомиться с произведением для тех, у кого нет времени или возможности прочесть книгу на 800 страниц, которая, к тому же, много теряет в переводе.

Мир английской магии

Но как устроен мир английской магии и английских магов? Тут элемент альтернативной истории выходит на первое место. Кларк выдумала целую традицию волшебников, существовавших в Средние века. Предшественников Стренджа и Норрелла можно разделить на три группы, в зависимости от того, когда они действовали. Самые древние маги, вроде Мерлина — легендарные фигуры в этом мире, известные многим, но не оставившие никакого реального наследия, примерно как легендарные короли из нашей истории.

Несколько позже появились Маги Золотой Эпохи или Aureate, действовавшие в Средние Века — могущественные чародеи, которые записали собственные открытия и заклятья. Так они создали настоящую традицию магии, не зависящую от передачи знаний от учителя к ученику.

Самый важный и известный из них — Король-ворон Джон Аскгласс. Воспитанный в землях фей, он вернулся в мир людей и с помощью колдовства захватил всю Северную Англию, которой и правил в течение нескольких столетий. Правление Аскгласса закончилось тем, что он просто исчез, из-за чего среди простого народа распространилось поверье, что он когда-нибудь вернётся.

После исчезновения Короля-ворона практическая магия в Британии стала забываться. Магов, которые продолжали заниматься этим ремеслом в последующие века, называли Argentine, маги Серебряного века. К концу XVI века отмерла и их традиция, после чего в Англии осталась только «теоретическая магия», фактически — изучение магической истории, не подразумевающее применение заклятий.

Джентльмены, состоящие в обществах таких теоретических магов, насмехались над самой мыслью применить магические познания на практике, утверждая, что эта идея «нереспектабельна». Эта ситуация и сохранялась до конца XVIII века, когда двое главных героев начинают свой путь.

Нетрудно заметить, что маги в книге Кларк напоминают скорее исследователей: религиозных схоластов или философов. Их значимость определяется не только могуществом, но и тем, какие книги они оставили после себя, как много сделали для магической традиции.

Вокруг поиска книг строится большая часть сюжета. Более старый, солидный и уважаемый мистер Норрелл, пытающийся доказать, что практическая магия — респектабельное ремесло, скупил книги по магии со всей Англии. Это позволяет ему какое-то время контролировать своего ученика, гораздо более порывистого и эмоционального Джонатана Стренджа.

Но ближе к середине романа Стрендж решает написать собственную книгу, критикующую взгляды наставника, что провоцирует конфликт. Борьба магов происходит как через заклинания, так и через газеты, где публикуются ревью, журнальные статьи и обсуждения книги в светских кругах.

Волшебник в её вселенной может очень многое, и, что особенно непривычно после книг фэнтези, почти не ограничен масштабом или чем-то вроде «магической силы», хотя и нуждается в каком-то ритуале, заклятье или специальных вещах. В самом начале книги Норрелл оживил все статуи в Йоркском кафедральном соборе, и заставил их рассказать всё, что они видели на протяжении своего существования.

А Стрендж, присоединившийся к британской армии в ходе войны с Наполеоном, создавал и убирал дороги, облегчая передвижение для английских войск, и затрудняя манёвры французам. Во время подготовке к битве при Ватерлоо он ненадолго перенёс Брюссель в Америку. А в сносках, рассказывающих про великих магов прошлого, упоминаются ещё более впечатляющие события.

В тоже время маги не всемогущи. Во-первых, заклятья нужно исследовать или, как демонстрирует Стрендж, придумывать самостоятельно. В любом случае они требуют интеллектуальной работы. Кроме того, упоминаются различные ограничения, как правило, также вдохновлённые фольклором и его символической логикой. Например, следить друг за другом маги могут, используя отражающие поверхности, поэтому персонаж, находящийся в комнате без воды и зеркал, защищён от наблюдения.

Сюжет всего романа во многом отталкивается от сделки, которую Норрелл заключил с безымянным королём фей ещё в первой части. Этим действием он привлёк внимание сказочного народа, некогда покинувшего Англию вместе с магией, к текущим событиям. Это, в свою очередь, положило начало конфликту, который разрешился только в самом финале романа.

Именно феи играют роль главных антагонистов в романе Кларк. При этом они выглядят как не столько как злобные, сколько как абсолютно безумные существ, неспособные понять очевидные для людей идеи, услышать чужое мнение или разделять свои желания и объективную реальность.

Такой образ фей Кларк заимствовала у Геймана, но сама пошла дальше, активно развивая связь магии и безумия. Ближе к концу романа становится понятно, что мастерство мага напрямую связано с душевным расстройством. Логика магии принципиально неестественна для человека, и чем маг безумнее, тем лучше он понимает, как именно создаются заклятья, откуда они исходят и почему работают. Это — ещё одна отсылка к фольклору, где волшебники, вроде Мерлина, часто напоминают сумасшедших.

«Джонатан Стрендж и мистер Норрелл» — прекрасный пример того, как из знакомых элементов можно сделать что-то по-настоящему новое и необычное. Все детали этой книги понятны: английская классика, артуровский цикл, британские сказки, предтечи современного фэнтези, текущие и нынешние проблемы британского общества, и, конечно, английские волшебники.

Кажется, что после «Гарри Поттера», которой, в свою очередь, и сам появился не на ровном месте, про них уже невозможно сказать что-то интересное. Но Кларк удалось скомбинировать эти привычные элементы непривычным способом. Дать голос тем, кого обычно в искусстве и реальной истории игнорируют. Показать проблемы, о которых часто забывают. И описать магию так, как не удавалось никому до неё.

Выйдет ли у этой книги продолжение, мы не знаем. Писательница когда-то обещала, но с тех пор прошло много лет, а у неё самой диагностировали «синдром хронической усталости». Но и в нынешнем виде «Джонатан Стрендж и мистер Норрелл» это законченное произведение, приятное для чтения и полезное для самообразования.

Автор Леонид Мойжес

https://dtf.ru/read/40326-druzya-angliyskoy-magii-dzhonatan-...

На немноголюдных задворках современного Токио в приземистом деревянном домике живет бедная семья. Ее безалаберный глава Осаму, возраст которого замер у полувековой отметки, работает на стройке, а его молодая жена Нобуё трудится прачкой. Несмотря на наличие сносной работы, они с трудом сводят концы с концами. Лишь бабушкина пенсия и мелкие кражи в супермаркетах позволяют им держаться на плаву.

По большей части воровство лежит на плечах Осаму и его юного сына Сёта — пока отец смотрит по сторонам, паренек набивает рюкзак лапшой быстрого приготовления, средствами личной гигиены и прочей всячиной, которую семья не может себе позволить. Мало того, что данный процесс отточен до мелочей и походит на тайный ритуал, он также олицетворяет протест сытому и более благополучному обществу — в конце концов, жадные сетевые магазины не обнищают от пары мелких краж, способных уберечь несколько человек от голода.

В марте этого года на Bloomberg была опубликована статья, которая изобличила крайне серьезную и меж тем необычную проблему — воровство среди японских пенсионеров. На сегодняшний день Япония является самой возрастной страной в мире, четверть ее населения старше 65 лет. С одной стороны высокая продолжительность жизни — это великолепный статистический показатель, с другой — многие японские старики живут в полном одиночестве на сущие гроши.

Из-за своеобразных норм поведения и фанатичного отношения к работе многие граждане Страны восходящего солнца банально не успевают обзавестись семьей и поэтому встречают старость в одиночестве. А часть тех, кому все же удается найти пару, по разным причинам отмахиваются от престарелых родителей. В итоге некоторые пенсионеры, лишенные финансовой и эмоциональной поддержки, проводят десятилетия в ожидании заплутавшей смерти. В 80-ых годах прошлого века даже родился термин kodokushi, подразумевающий под собой одинокую смерть, о которой окружающие узнают спустя длительное время — неделю, месяц, а то и два.

В последние годы пенсионеры, желающие избежать подобной участи и незавидного пути к ней, совершают мелкие кражи в надежде, что их поймают и отправят в тюрьму. Помимо того, что в заключении старикам не приходится голодать, они получают доступ к работе и желанному общению. Иными словами, в современной Японии тюрьмы стали альтернативой дорогостоящим домам престарелых для бедных и одиноких пенсионеров. Именно финансовая неустроенность и повсеместное одиночество выступают главной движущей силой в «Магазинных воришках».

В иных реалиях бабуля, содержащая семью, давно бы ограничила домочадцам доступ к собственной пенсии, тем самым подтолкнув их хоть к каким-то переменам. Но бойкую героиню фильма сложившаяся ситуация вполне устраивает. Пусть ей и приходится помогать детям, зато они всегда находятся под боком. «Вы — моя страховка от одиночества», — произносит она в один из вечеров.

Эта безобидная фраза, брошенная сквозь хитрую улыбку, вздымает в воздух ворох проблем, которым оброс семейный институт в современной Японии. Жизнь в Стране восходящего солнца до такой степени стремительна и своеобразна, а боязнь одиночества столь велика, что более-менее состоятельные пенсионеры готовы жертвовать комфортом и платить собственным детям, чтобы они просто были рядом.

Вопреки корысти, прослеживающейся в отношениях главных героев, теплота их общения изрядно удивляет. Живя впятером в крохотном деревянном домике, со всех сторон окруженном современными многоэтажками, они не жалуются ни на тесноту, ни на излишнюю нужду. Непростая жизнь в качестве отщепенцев многомиллионного мегаполиса не сумела сломить их, они по-прежнему находят поводы для радости — в ворованных сладостях; шуме салюта, скрытого за соседними новостройками; или крокетах, купленных на последние деньги.

Одна из ключевых особенностей творчества Хирокадзу Корээды состоит в том, что он освещает крайне болезненные недуги современного общества, но без излишнего надрыва. Даже в самые горькие моменты его картины не погружаются в меланхолию и остаются преисполнены оптимизма. После знакомства с ними возникает желание не отмахнуться от человечества, а сообща ответить на заданные режиссером вопросы. Или хотя бы перестать отрицать их существование.

Основное действие в фильме начинается после того, как Осаму и Сёта, возвращаясь из обедневшего на пару упаковок лапши супермаркета, встречают совсем маленькую девочку. Герои быстро смекают, что малышка по имени Юри, в одиночестве сидящая на балконе, не только продрогла, но и изрядно проголодалась. Поэтому они берут ее с собой, чтобы накормить и обогреть, а на следующий день в целости и сохранности вернуть родителям. Возможно, даже удастся преподнести им урок.

Но когда герои, наконец, приводят Юри домой, то ненароком выясняют, что родителям нет до нее дела. Более того, они рады ее пропаже. В этот миг тема старческого одиночества делает резкий поворот и заявляет, что никто в современном мире не защищен от наплевательского отношения — ни добродушные старики, ни милые дети. Даже наличие кровных, и, что наиболее важно, живых родственников не способно уберечь от одиночества. Так что герои решаются на новую, более противоречивую форму воровства и оставляют девочку у себя.

С появлением новой героини история не теряет первоначальной легкости и делает акцент на быте героев — слегка трагичном, но пропитанном верой в будущее. Корээда невзначай указывает на мелочи, из которых состоит жизнь персонажей, пережеванных безразличным постиндустриальных обществом. Тем самым он не спеша создает многогранную и поистине правдоподобную ячейку общества — лишь для того, чтобы одним ударом сокрушить ее.

Драматизма происходящему добавляют и главные действующие лица — у каждого персонажа имеется солидный объем и фактура, благодаря которым они легко запоминаются. На общем фоне особенно выделяется беззубая бабуля, которая, вопреки лишениям, не растеряла любви к близким и сохранила колоритный лисий прищур.

Отдельной строкой через весь фильм тянется тема ответственности. Если поначалу главные герои воруют исключительно у безликих владельцев супермаркетов, которые едва ли заметят мелкую пропажу, то в дальнейшем Осаму залезает в чужую машину, а юный Сёта начинает таскать сладости из магазинчика, расположившегося по-соседству с их домом.

В этот момент суть попавшего в заголовок воровства меняется — оно перетекает из вынужденной формы протеста в подлость, обращенную на вполне конкретных людей. К тому же присвоение чужого указывает на ответственность родителей перед детьми. Раз уж взрослые передают собственным чадам лишь самое лучшее, то чего стоит отец, не способный научить детей ничему кроме воровства?

Прежде всего «Магазинные воришки» подкупают своей непринужденностью и едва уловимой комичностью, а уже потом величиной и многообразием поднятых тем. Корээда, кажется, заглянул во все уголки семейной жизни, даже в те, о которых не принято говорить. Но поскольку он не боится общаться со зрителем на равных, последняя треть фильма оборачивается неожиданной исповедью, переворачивающей с ног на голову все прошлые события и противопоставляющей силу кровных уз осознанному и вымученному выбору.

Источник: https://dtf.ru/cinema/32229-magazinnye-vorishki-fotografiya-...

Джейсон Стэйтем/Бэкон. Герой боевиков

Любимец женщин и детей, постоянный гость «пацанских» пабликов, «автор» многочисленных цитат с глубоким философским смыслом — Джейсон Стэйтем. Все знают его, как Стетхема, но уже лет пять общепризнанной считается другая транскрипция фамилии актёра.

После дебюта успел поработать с Гаем Ричи в фильмах «Большой куш», «Костолом» и «Револьвер». Однако, закрепиться в образе характерного героя помогла Стэйтему другая картина — фильм Люка Бессона «Перевозчик», который позже превратился в целую франшизу. Также снялся в дилогии «Адреналин», у Сильвестра Сталлоне в «Неудержимых», стал одним из героев франшизы «Форсаж».

Совсем недавно вышел фантастическом фильм «Мег: Монстр глубины». Хотя рейтинги у фильма невысокие, кассу он собрал значительную. Не последнее значение в этом сыграл выбранный на главную роль Стэйтем. Среди всех актёров «Карты, деньги, два ствола», именно Джейсон стал самым успешным и востребованным.

Ник Моран/Эдди. Малозначительные роли

Получивший главную роль в картине, в дальнейшем актёр не смог повторить своего успеха, во много благодаря своему буйному нраву, как на съёмках, так и в повседневной жизни. На лондонской премьере картины «Карты, деньги, два ствола», Моран ударил в лицо досаждавшего ему фотографа. Скандал с вождением в пьяном виде не добавил ему «плюсов» в резюме.

Играя гангстеров в однотипных фильмах вроде «Опасного предложения», актёр скатывался вниз по карьерной лестнице. Продолжая играть небольшие роли на телевидении, в конечном итоге он смог добиться новой успешной роли —образа егеря Струпьяра в двух финальных картинах о Гарри Поттере.

Также попробовал себя как сценарист и режиссёр, сняв неплохую экранизацию книги Кевина Льюиса «Дитя». Из последних работ актёра — фильм «Конченая» с Марго Робби в главной роли. В этом фильме снялся и следующий герой нашей статьи.

Декстер Флетчер/Мыло. Документальные фильмы и режиссура

Самый опытный актёр (из четвёрки главных героев) к моменту выхода фильма. Регулярно снимается на британском телевидении, в документальных фильмах BBC. Флетчер не любит голливудские блокбастеры, предпочитая работать в британском малобюджетном и независимом кино.

Стоит отметить его появление в сериале «Братья по оружию», который продюсировал Стивен Спилберг, экранизацию игры «Doom», в которой у него была небольшая роль, а также роль в культовом британском сериале «Отбросы».

Известен как актёр озвучания и ведущий в программах для Discovery Channel, был рассказчиком в проектах «Военно-воздушные силы Афганистана» и «Мастерская по разборке угнанных машин: лондонский гараж».

В последнее время Флетчер стал раскрывать свой талант режиссёра, выпустив картины «Дикий Билл» и «Свет на Лите». Флетчер был объявлен в качестве замены Брайана Сингера на посту режиссёра «Богемской рапсодии» — фильма о певце Фредди Меркьюри, солисте группы «Queen». А в следующем году планируется выход фильма «Человек-ракета», рассказывающий о жизни певца сэра Элтона Джона, где Декстер Флетчер также выступит режиссёром.

Джейсон Флеминг/Том. Сериалы

После успеха у Ричи, Флеминг продолжил работать в Англии и за её пределами, появившись в двух экранизациях графических новелл Алана Мура и фильме Дэвида Финчера «Загадочная история Бенджамина Баттона».

Также, как и его партнёр по фильму, Декстер Флетчер, часто снимается в исторических документальных фильмах для BBC, среди которых стоит отметить картину «Людоеды».

Сотрудничает с режиссёром Мэттью Воном, снова появляясь в кадре вместе с коллегами по фильму «Карты, деньги, два ствола». В 2014 году вышел фильм «Вий» с Джейсоном Флемингом в главной роли, после которого актёр с головой погрузился в сериалы, среди недавних работ — роли в «Чёрном зеркале» и «Последнем королевстве».

Другие актёры

Дебютная картина Гая Ричи выделялась целым калейдоскопом актёров. Кроме вышеупомянутого Стэйтема, она стала окном в кинематограф и для другого британского актёра и бывшего спортсмена — Винни Джонса, сыгравшего роль бандита Большого Криса.

Снялся в «Большом куше», «Костоломе» и многих других фильмах, играя роли безбашенных героев. Сейчас его можно видеть в популярных сериалах и программах на телевидении, где он зарекомендовал себя, как отличный ведущий.

П. Х. Мориарти, сыгравший Гарри «Топора» Лондсдейла, несмотря на солидный возраст, продолжал сниматься до 2014 года. Последний раз появлялся на экране в фильме «Призраки Гарри Пэйна: Зло не умрёт никогда»

Для Ленни Маклина, исполнившего роль Барри Крестителя, эта роль стала последней. Годы за решёткой и не самый здоровый образ жизни не прошли даром — в процессе съемок выяснилось, что актёр был тяжело болен раком легких. Он не дожил до премьеры фильма один месяц. Гай Ричи посвятил фильм памяти Маклина.

«Карты, деньги, два ствола» — фильм, проверенный временем, который помог одним актёрам стать звёздами, а другим — так и не повторить успех своих ролей.

Великолепный актёрский ансамбль, отличная картинка, режиссёр-новатор и очень интересный сценарий превратились в гремучую смесь, которая на выходе дала свои плоды. Не поленитесь, пересмотрите эту картину на выходных.

Источник: https://dtf.ru/cinema/26027-geroi-filma-karty-dengi-dva-stvo...

Король Артур и Робин Гуд — самые узнаваемые фольклорные персонажи англоязычного мира. Долгое время их образы существовали в разрозненных легендах и историях, а затем для них сформировалось некое подобие канона. В XV веке Томас Мэлори объединил многочисленные легенды «артурианы» в линейную историю с началом и концом в книге «Смерть Артура», — эта версия событий со временем стала общепринятой. В случае с Робином Гудом такой книги нет, но определённые элементы истории благородного разбойника также стали «каноническими».

На протяжении веков истории Артура и Робина адаптировали и пересказывали бесчисленное количество раз. В XX веке за дело принялись кинематографисты — фильмы о короле Артуре начали появляться едва ли не на самой заре кинематографа, а первая картина о Робине Гуде вышла в 1922-м году.

В 1938-м вышел фильм «Приключения Робин Гуда», получивший три «Оскара» и впоследствии заслуживший статус классики и «золотого стандарта» для фильмов о благородном разбойнике. Артур такой же общепризнанной киноадаптации не получил, но в период 50-х и 60-х годов о нём вышло достаточно много фильмов, в том числе «Рыцари Круглого стола» (1953).

Вскоре за популярных персонажей взялась Disney: в 1963 году вышел «Меч в камне», повествующий о детстве Артура, а в 1973-ем студия выпустила свою версию истории Робина Гуда с антропоморфными животными на главных ролях. Для многих поколений именно эти два мультфильма стали главными источниками информации об обоих персонажах и любимыми версиями их историй.

С этого момента легенды об Артуре и Робине Гуде настолько прочно укоренились в массовой культуре, что их начали переосмыслять в других жанрах. Артур появляется в мюзикле «Камелот», абсурдистской комедии «Монти Пайтон и Священный Грааль», а «Робин и Мэриан» с Шоном Коннери рассказывает историю об уже немолодых героях легенды.

Через какое-то время возникла потребность в очередном «классическом» взгляде на Артура и Робина — прошло слишком много времени с выхода последнего серьёзного фильма об этих персонажах. В 1981-м вышел «Экскалибур», а в 1991-м — «Робин Гуд: принц воров». У них было много общего: и тот, и другой фильм пытались быть более «мрачными и реалистичными», чем их предшественники, но при этом не отходили слишком далеко от оригинального материала. И «Экскалибур», и «Принц воров» были крайне успешны в прокате — последний даже занял вторую строчку в чартах по итогам 1991-ого года.

С этого момента успешных фильмов о короле Артуре или о Робине Гуде в Голливуде не выходило — Уиллемс оговаривается, что говорит именно о крупном успехе, а не о техническом возвращении бюджета. Например, фильм, который собрал в США 100 миллионов при бюджете в 200 он записывает в неудачи — по голливудским стандартам это считается плохими показателями.

Фильмы продолжали выходить. Пародийная комедия Мэла Брукса «Робин Гуд: мужчины в трико» провалилась, хотя в дальнейшем обрела популярность на домашних носителях. В 1995-м вышла романтическая драма «Первый рыцарь», в которой историю о рыцарях круглого стола избавили от волшебства и мистики. В 2000-х успех «Гладиатора» Ридли Скотта задал новый тренд: очередные «Робин Гуд» и «Король Артур» позиционировали себя как «исторически достоверные» нерассказанные истории о легендарных персонажах.

«Король Артур» (2004)

Затем тренд киновселенных и фильмов по комиксам породил «Меч короля Артура», который должен был положить начало франшизе, и «Робина Гуда» с Тэроном Эджертоном, выход которого запланирован на ноябрь. Интересно, что до недавнего времени фильм назывался «Робин Гуд: начало». По мнению Уиллемса, «Робин Гуд» 2018-ого ничем не напоминает классические фильмы о шервудском разбойнике, зато напоминает фильм «Бэтмен: начало».

Чтобы проверить свою гипотезу, Уиллемс провёл неофициальный опрос у себя в твиттере и спросил у подписчиков об их любимом киновоплощении Робина Гуда и короля Артура. Результаты получились красноречивыми.

В случае с Робином Гудом 46% опрошенных назвали любимой версией мультфильм от Disney. На втором месте расположились «Мужчины в трико» Мэла Брукса. Лишь 30% опрошенных отдали голос одной из «серьёзных» версий («Приключения Робин Гуда», «Робин Гуд: принц воров» или «Робин Гуд» Ридли Скотта).

Это как если бы 60% опрошеннных ответили, что их любимый фильм о Бэтмене — это «Лего: Бэтмен». При всём уважении к «Лего: Бэтмену».

Патрик Уиллемс

В случае с королём Артуром с огромным отрывом победила комедия «Монти Пайтон и Священный Грааль»; на втором и третьем местах с минимальным разрывом расположились «Экскалибур» и диснеевский «Меч в камне».

По мнению Уиллемса, из этого опроса можно сделать два важных вывода. Во-первых, самые любимые зрителями версии приключений этих двух героев — это «глуповатые комедии» и диснеевские мультфильмы. Второй вывод: практически никому не нравятся фильмы об Артуре и Робине, выпущенные за последние 25 лет — несмотря на огромные бюджеты и звёздные имена.

Это как-то странно. Это одни из самых знаменитых персонажей во всей западной культуре, но в 2018-м они известны как антропоморфный лис и бормочущий придурок, который не может позволить себе лошадь.

Патрик Уиллемс

Уиллемс считает, что для того, чтобы понять, почему так произошло, нужно ответить на простой вопрос. Да, все слышали о короле Артуре и Робине Гуде, но насколько они на самом деле популярны? Для наглядности критик предлагает сравнить их с другим популярным персонажем массовой культуры — с Бэтменом.

Практически с момента своего рождения Бэтмен постоянно присутствует в поле зрения аудитории. О нём регулярно выходят новые комиксы и видеоигры, практически в любой момент истории на телевидении идёт мультсериал о Бэтмене. С 1989 по 1997 год Бэтмен появился в четырёх крупнобюджетных фильмах, затем взял перерыв на 8 лет и продолжил своё шествие по большим экранам, появившись в семи фильмах за 13 лет. Робин Гуд ничем подобным похвастаться не может.

Предположим, вам 21 год. Вы не интересуетесь старым кино, так что, скорее всего, вы не видели «Приключения Робин Гуда» 1938-ого. Вероятно, в детстве вы смотрели диснеевский мультфильм. В какой-то момент вы наверняка натыкались на «Мужчин в трико» по Comedy Central. О «Принце воров» никто особенно не вспоминает — только в контексте игры Алана Рикмана.

Единственная версия вышедшая в течение вашей жизни — это фильм с Расселом Кроу, который никому не нравится. Так что существует вероятность, что версия, которая вам знакома лучше всего — это Робин Гуд из «Шрека».

Патрик Уиллемс

По мнению Уиллемса, голливудские студии просто не понимают разницу между понятиями «осведомлённость» и «популярность». То, что вы слышали о Робин Гуде, совершенно не означает, что вы — фанаты Робина Гуда. Любой фильм по существующему произведению надеется привлечь в кинотеатры фанатов этого произведения — проблема в том, что у короля Артура едва ли есть фанаты, которые купят билет только из-за его имени на постере.

Однако студии совершают и ещё одну ошибку. Как бы часто трилогию Кристофера Нолана о Бэтмене ни называли «смелым» и «новаторским» взглядом на персонажа, в этих фильмах было всё, чего зритель ждёт от фильма о Бэтмене: Брюс Уэйн в костюме сражается с преступниками в компании Альфреда и комиссара Гордона. А что можно сказать о «Робине Гуде» Ридли Скотта?

Его не зовут Робин Гуд. Он даже не совсем Робин из Локсли. Здесь нет шерифа Ноттингемского. Робин не вне закона. Он сражается бок о бок с принцем Джоном, который тут не злодей. Робин не живёт в Шервудском лесу, а вместо того, чтобы отнимать у богатых и отдавать бедным, он сражается с английской армией против французских захватчиков.

Помимо того, что тут тоже рассказывается о парне по имени Робин, который использует лук и стрелы, этот фильм ничем не напоминает предыдущие версии истории об этом персонаже.

Патрик Уиллемс

«Робин Гуд» (2010)

В последние пять минут фильма Робин в исполнении Рассела Кроу всё-таки уезжает в Шервудский лес и становится разбойником — впервые за фильм в кадре появляется что-то знакомое зрителю, но служит оно только ради того, чтобы намекнуть на сиквел, которого никогда не будет. Ту же самую проблему Уиллемс предрекает «Робину Гуду» 2018-ого года, избавившемуся от подзаголовка «Начало», но всё ещё надеющемуся дать начало «киновселенной». То же самое произошло с недавними фильмами о короле Артуре: и в «Короле Артуре», и в «Мече Короля Артура» главного героя коронуют только перед самыми титрами.

«Меч Короля Артура» (2017)

Все эти фильмы практически ничем не напоминают оригинальные истории персонажей и сознательно пытаются от них дистанцироваться. Вопрос лишь в том, от чего конкретно они хотят дистанцироваться и что пытаются переосмыслить, учитывая, что последним «классическим» фильмам об этих персонажах уже несколько десятилетий.

Отсюда можно вынести урок: всем плевать на «радикально новую версию», если они не помнят последнюю традиционную.

Патрик Уиллемс

Всё сказанное, разумеется, относится не только к многострадальным королю Артуру и Робину Гуду: жертвами ненужных «переосмыслений» в последние годы пали, например, «Пэн» и «Дракула». В то же время, у успешных переосмыслений — «Казино Рояль» и «Бэтмен: начало», — есть много общего. Во-первых, несмотря на все изменения, «Казино Рояль» остался фильмом о Джеймсе Бонде, а «Бэтмен: Начало» — о Бэтмене, а во-вторых, к моменту их выхода в памяти у зрителей были свежи воспоминания о предыдущих Бондах и Бэтменах, и поэтому они могли по достоинству оценить переосмысление.

По мнению Уиллемса, сейчас мир нуждается именно в классической адаптации историй о Робине Гуде и короле Артуре. При этом это не значит, что в классические истории нельзя вносить изменения: в пример критик приводит современные фильмы и сериалы о Шерлоке Холмсе. Как бы сильно в них ни менялись сеттинг, сюжет или пол персонажей, Шерлок Холмс в них всегда оставался тем Шерлоком Холмсом, которого аудитория знает и любит. Именно это, по мнению Уиллемса, привело «Шерлока», «Шерлока Холмса» Гая Ричи и «Элементарно» к успеху.

Просто сделайте фильм, в котором будет всё, что люди помнят. Артур, рыцари Круглого стола, Камелот, Мерлин, меч в камне, Моргана, Владычица Озера… Не могу поверить, что я это говорю, но первые несколько минут фильма «Трансформеры: Последний рыцарь» — это самое близкое к нормальному фильму о короле Артуре из того, что я видел за последние 30 лет.

Патрик Уиллемс

Источник: https://dtf.ru/cinema/25360-pochemu-gollivud-prodolzhaet-sni...

Студия Framestore, трудившаяся над визуальными эффектами картины «Мстители: Война бесконечности», выпустила ролик, в котором разобрала на составляющие вступительную битву с участием Железного человека.

VFX-специалисты детально показали, как создавался новый костюм Тони Старка, а также из каких «слоёв» состоят экшн-сцены.

Помимо Framestore, над спецэффектами «Войны бесконечности» работали ещё около десяти студий, одной из которых была Weta Digital. Ранее её сотрудники также поделились видео, посвящённым созданию VFX-компонентов. Они показали, как «работает» костюм Железного человека и досконально разобрали битву с Таносом.

Weta была единственной студией, которая трудилась над визуальной составляющей планеты Титан, однако в процессе производства она всё же сотрудничала с другими командами, например, при работе над персонажами.

Конкретно над Таносом работали сразу Weta Digital и Digital Domain. Руководитель отдела визуальных эффектов Marvel Studios следил, чтобы две версии титана совпадали.

В общей сложности Танос появился в более чем 600 кадрах «Войны бесконечности». Для этого внешность персонажа пришлось серьёзно доработать: в первую очередь добавить детали, чтобы он хорошо смотрелся на крупных планах. Также сотрудники Weta постарались несколько «очеловечить» титана и сделать его лоб, щёки и верхнюю губу более похожими на черты лица Джоша Бролина, сыгравшего роль злодея.

Чтобы точно передать все нюансы актёрской игры и мимики Бролина, VFX-специалисты создали две лицевых модели — самого актёра и Таноса. Сначала они проверяли точность движений на виртуальной копии Бролина, после чего «оживляли» титана.

Кроме того, сотрудники Weta рассказали, что создали окружение планеты Титан полностью в трехмерной CG-графике. Это упростило работу над металлическим костюмом Питера Паркера. В 2D-пространстве сложно нарисовать правдоподобные отражения и блики, однако в CGI специалистам удалось точно «рассчитать» требуемые эффекты посредством технологии трассировки лучей.