Калимба
Однажды попросили сделать калимбу, и пока делал- решил и себе заодно, интересный инструмент. Фото изготовления не будет, там ничего интересного на самом деле. Металлические части с Али, дерево из запасов. Чтобы были поинтереснее - добавил на заднюю стенку рисунки. Черного кота на фоне венге на фото видно плохо, но живьем достаточно интересный вариант, картинка как бы "проступает" из текстуры дерева.
Антонио Вивальди - Концерт для скрипки до минор, RV 199 | Исполняет Шевченко Анастасия (домра)
Один из крупнейших представителей эпохи барокко Антони Вивальди (1678-1741) вошел в историю музыкальной культуры как создатель жанра инструментального концерта, родоначальник оркестровой программной музыки.
В 1740 г. незадолго до смерти Вивальди отправился в свое последнее путешествие в Вену. Причины его внезапного отъезда неясны. Умер он в доме вдовы венского шорника по фамилии Валлер и был нищенски похоронен. Вскоре после смерти имя выдающегося мастера было забыто. Почти через 200 лет, в 20-х гг. XX в. итальянский музыковед А. Джентили обнаружил уникальную коллекцию манускриптов композитора (300 концертов, 19 опер, духовные и светские вокальные сочинения). С этого времени начинается подлинное возрождение былой славы Вивальди. Нотное издательство «Рикорди» в 1947 г. начало выпускать полное собрание сочинений композитора, а фирма «Филипс» приступила недавно к реализации не менее грандиозного замысла — публикации «всего» Вивальди в грамзаписи.
Велико творческое наследие Вивальди. Согласно авторитетному тематико-систематическому каталогу Петера Риома (междунар. обозн. — RV), оно охватывает более 700 названий. Главное место в творчестве Вивальди занимал инструментальный концерт (всего сохранилось около 500). Излюбленным инструментом композитора была скрипка (ок. 230 концертов). Кроме того, он писал концерты для двух, трех и четырех скрипок с оркестром и basso continue, концерты для виолы д’амур, виолончели, мандолины, продольной и поперечной флейт, гобоя, фагота. Известно более 60 концертов для струнного оркестра и basso continue, сонаты для различных инструментов.
Из более чем 40 опер (авторство Вивальди в отношении которых с точностью установлено) сохранились партитуры лишь половины из них. Менее популярны (но не менее интересны) его многочисленные вокальные сочинения — кантаты, оратории, сочинения на духовные тексты (псалмы, литании, «Gloria» и т. п.)...
Гитара Kremona
Хотел спросить,есть ли у кого-нибудь гитара Сremona (strunal,Чехия)? Как она? Какие впечатления от игры?Интересуют современные образцы.
Жан-Филипп Рамо - Циклопы | Исполняет дуэт гитаристов: Костенко Игорь & Засухин Ростислав
Жан-Филипп Рамо (1683-1764) — французский композитор и теоретик музыки эпохи барокко.
В XX веке он приобрёл широкую известность, прежде всего, как автор пьес для клавесина (сборники 1706, 1724, 1727) и пяти «концертов» для клавесина, скрипки и виолы да гамба (сборник издан в 1741), содержащих сюиты и яркие характеристические пьесы. Среди них наиболее известны «Тамбурин» (Tambourin), «Курица» (La poule), «Дофина» (La Dauphine), «Молоточки» (Les petits marteaux), «Перекличка птиц» (Le Rappel des oiseaux).
Пьесы для клавесина — творческая лаборатория Рамо-композитора, место проведения экспериментов в области гармонии, ритма, фактуры. Например, пьесы «Дикари» (Les sauvages) и «Циклопы» (Les Cyclopes) необычайно изобретательны с точки зрения развёртывания тонального лада, а пьеса «Энгармоническая» (L’Enharmonique) — один из первых в истории музыки примеров энгармонической модуляции.
Рамо предвосхитил многие завоевания в области музыкальной драмы, подготовив тем самым оперную реформу Глюка. Лучшими его сочинениями стали лирические трагедии «Ипполит и Арисия» (1733), «Кастор и Поллукс» (1737), «Зороастр» (1749). Вершиной музыкально-сценического творчества Рамо признана опера-балет «Галантная Индия» (1735), пользующаяся успехом у режиссеров, исполнителей и публики и поныне...
Сколько дырок нужно свистку, чтобы стать музыкальным инструментом, или какие бывают типы окарин
Привет, Пикабу, я наконец допинала свою ленивую задницу до того, чтобы написать статью и начать наконец-то цикл знакомства людей с окариной.
В предыдущем посте я говорила о том, как я влюбилась в этот инструмент. И какой-то негодяй посмел сказать, чтобы я не выпендривалась, и нет никакой окарины, а есть свистульки. И так вот меня это грызло, что я решила раз и навсегда расставить всё по местам и расписать всё по типам для более широкой публики.
Сразу скажу, что хоть, в основном, я показываю только глинянные окарины, их также могут делать из пластика, дерева, металла. Некоторые умельцы вырезают даже из овощей. Но глинянные инструменты чаще звучат лучше и гораздо легче найти хорошо звучающую глиняную окарину.
Глиняные свистки или свистульки.
Обычно имеют от 1 до 4 отверстий. Это больше игрушка, чем музыкальный инструмент. Выглядят чаще всего очаровательно, стоит вспомнить только традиционные русские игрушки-свистульки. Можно наиграть простенькую мелодию из нескольких нот, можно подражать голосам птиц. В некоторые свистки можно заливать воду и тогда они будут издавать очень приятные трели. Но вот именно исполнять музыку на них не получится.
Окарина-подвеска 4-5-6 отверстий (English pendant ocarina)
Здесь уже начинаются музыкальные инструменты. Подвески используют хитрую, почти бинарную комбинацию отверстий, чтобы взять определённую ноту. Примерно вот такую, но могут быть и отличия:
Диапазон обычно в одну октаву + 1-2 ноты сверху.
Главная сложность с подвесками в том, что для того, чтобы взять не целую ноту, до диез или ре диез, нужно закрыть одно отверстие только частично, что может быть затруднительно. И в живом выступлении таких нот обычно избегают.
Некоторые мастера-изготовители также могут слегка изменить расположение отверстий, и добавить дополнительное маленькое отверстие для этих нот за счёт одной из высоких нот. Чем-то приходится жертвовать, чистотой звука или общим диапазоном.
И хотя такие окарины это уже первый шаг в сторону профессиональных инструментов, действительно хорошо настроенных кулонов не так много.
Я лично нежно люблю вот такие окарины-подвески от Oberon за их красоту и эргономику, но вариантов на самом деле очень много.
Прямые окарины (inline ocarina)
На фото окарины от Hind Ocarinas.
Эти ребята уже принадлежат к подклассу настоящих окарин. Обычно имеют до 10 отверстий и звучат очень чисто. Отлично работают как полноценный музыкальный инструмент. Диапазон шире, чем у подвесок, за счёт большего количества отверстий, примерно в полторы октавы. Здесь отверстия открываются последовательно. За счёт того, что для каждой ноты предусмотрено своё отверстие, такую окарину проще настроить, на ней легче играть, чем на предыдущих.
Из минусов лично для меня толькоо то, что такое расположение тела окарины может быть неудобным, если играть приходится долго. Пальцы мешают друг другу. За счёт физики внутри инструмента иногда может получаться биение звука.
Современная поперечная окарина 9-12 отверстий (transverse ocarina)
На фото окарины от Pure Ocarinas.
Вот она, рыба моей мечты! Кхм, в смысле, вот она самая настоящая окарина. Из тех, с которыми и на сцене выступить можно, и для души подудеть. Диапазон полторы октавы или даже чуть больше, если отверстий 12. Наилучшая эргономика из всех вышеперечисленных. Чистый звук.
Если вы еще только думаете о том, чтобы выбрать свою первую окарину, берите поперечную на 10-11 отверстий. Самое простое звукоизвлечение, интуитивно-понятный порядок открывания отверстий.
Здесь пример того, в каком порядке обычно открываются отверстия на поперечной окарине. Но тут также возможны вариации.
Многокамерные окарины (Multichamber Ocarina)
Кошмар трипофоба как он есть. По факту представляет из себя просто несколько однокамерных поперечных окарин слепленных вместе. За счёт этого расширяется диапазон окарины вплоть до нескольких октав. Бывают двух-, трёх-, четырёх- и даже пятикамерные окарины.
Логика добавочных камер может быть разной. Азиатская система подразумевает, что каждая следующая камера начинается с ноты сразу за той, на которой закончилась предыдущая камера. Так достигается широкий диапазон, но если в мелодии есть несколько нот на стыке камер, придётся поизгаляться, постоянно переключаясь между ними.
Система Паккиони (Pacchioni) подразумевает лёгкий перехлест в нотах, в каждой новой камере есть пара нот из предыдущей камеры. Это уменьшает общий диапазон, но делает игру на таком инструменте более комфортной.
Это чаще всего уже профессиональные инструменты, позволяющие добиться многих интересных эффектов при игре на них. Могут быть не настолько легки в освоении для новичка, как обычные поперечные окарины, но какой-то запредельной сложности всё равно нет.
Гармонические окарины (Harmony Ocarina)
Могут быть очень разных форм и размеров. Основная идея таких окарин в том, что они имеют минимум две камеры, на которых нужно играть одновременно. И хотя, чисто теоретически, это возможно и на обычных многокамерных окаринах, они для такого не предназначены, очень легко сфальшивить.
У гармонических же окарин очень хороший баланс между камерами, который позволяет добиться приятного звука. Гармонические окарины не слишком полезны как полноценный музыкальный инструмент, скорее как игрушка.
Скульптурные окарины
На фото окарины русского мастера Геннадия Козырева.
Могут принадлежать к любому из вышеперечисленных типов или создавать свою собственную систему и порядок открытия отверстий. Основное отличие - они красивые. Это именно что скульптуры с функцией звучания. И хотя они могуть быть довольно хорошими инструментами, быть настроенными и сприятным звуком, проблема скульптурных окарин в том, что они не слишком эргономичны. Неудобная форма, добавочный вес там, где он не нужен. Выступы на пути движения пальцев. Это всё нужно принимать во внимание.
Также на что нужно обращать внимание, так это на размер окарины.
Они бывают разных размеров от мельчайших Сопраннисмо до огромных окарин называемых Контрабас окаринами. Чем больше окарина, тем ниже её звук. Хороший пример можно услышать в этом видео, где Джордан Мур играет на традиционном наборе окарин:
Сопрано До (Soprano C)
Сопрано Соль (Soprano G)
Альт До (Alto C)
Альт Соль (Alto G)
Бас До (Bass C)
Бас Соль (Bass G)
Контрабас (Contrabass)
У каждой настроенной окарины есть название, которое включает высоту инструмента и основную гамму. Выглядит это так: Alto D, Soprano G, Bass F, Double Alto G. Последняя буква в названии обозначает основную гамму инструмента. Так, основная гамма Alto G это Соль. Но окарина - это полностью хроматический инструмент, может играть все ноты, входящие в её диапазон. Так что эти буквы скорее нужны для того, чтобы обозначить, где начинается диапазон окарины.
Альт До (Alto C)
Альт Соль (Alto G)
Как можно видеть, диапазон у обеих окарин одинаковый по ширине, разнятся только ноты, с которых они начинаются и которыми оканчиваются.
А для дочитавших до конца вот ещё парочка хороших видео с участием окарины.
Дэвид Эрик Рамос (David Erick Ramos)
Стивен Хигби (Steven Higbee)
И моё собственное видео, чтоб на всё Пикабу засветиться:
В общем, это всё, чем я хотела поделиться сегодня. Спасибо всем, кто дочитал эту простыню до конца.
После предыдущего поста я открыла группу в контакте, называется Окаринисты, в которой периодически (очень периодически) появляются интересные вещи для тех, кто, как и я, влюбился в этот инструмент. Не сочтите за рекламу.
И, как всегда, я открыта для любых вопросов и рада поделиться любой информацией!
Ответ на пост «Особенность музыкалки»
Я закончил музыкалку по классу фортепиано. И расскажу, почему бросил это дело.
Я не помню точно, почему пошел именно на фортепиано. Может быть детсадовский педагог как-то повлияла на выбор инструмента, либо "спросили - я и согласился", не суть. Само обучение шло не очень гладко - из 7 лет обучения (суммарно вообще получилось 9, но об этом позже) я класса так до 5 занимался из-под палки, родители не раз предлагали бросить, если нет желания заниматься ("мы хоть платить впустую не будем"), но прикинув, что осталось всего 2 года потерпеть, решил все же довести начатое до конца. Тем более помимо основной специальности преподавались сольфеджио (в котором я шарил очень хорошо, вроде бы единственный кто сдал на 5+), муз. литература и гармонизация (два любимейших предмета, на 95% из-за педагога, когда-нибудь напишу про него отдельный пост). 6-7 класс катался на областные/всероссийские конкурсы, вроде даже первые места брал, знакомая преподавателя по фортепиано звала учиться у нее в училище им. Чайковского. В окончание обучения с подачи директора сделали сольный концерт (вместо экзамена), потом ходил еще пару лет, пока доучивался товарищ по ансамблю. Короче, на тот момент скилл имел выше среднего и даже получал от игры какое-то удовольствие. Теперь о негативных моментах:
1) Страх. Я не помню ни одного концерта/экзамена, когда я мог выйти, спокойно сыграть произведение, поклониться и уйти. Постоянные нервы, начиная с вечера перед концертом. Идешь словно на эшафот, помнишь все косячные моменты, боишься запнуться, забыть текст (играли в местном ДК "Старый рояль", забыл текст, причем во фрагменте, повторяющемся 2 раза, как назло), перед выходом на сцену греешь руки, чтобы пальцы не костенели. Один плюс - отыгрался, и ощущение безграничной свободы на ближайшие сутки гарантировано))
2) Аудитория. Ярко помню 4 случая, попробуйте уловить мои чувства в тот момент:
- Школа, актовый зал, репетиция перед выступлением на слёте дружин юных пожарных. Так как запас доверия мы себе заработали, никто нас не контролировал, поэтому дай Б-г 20% времени уходило на непосредственно репетицию, остальное на поржать/поугарать. Спускаюсь к старенькой коричневой Элегии, разыгрываю переложение темы из Пиратов карибского моря. Спустя пару минут одноклассница опускает на пальцы крышку со словами "не шуми!". Послал всех, ушел.
- Снова школа, актовый зал, перемена. Младшим классам поставили молодого педагога на фитнес. Играю то же, малыши (кстати, самая благодарная публика) облепили со всех сторон, смотрят, слушают. Подходит педагог, опускает на пальцы крышку, говорит с таким гонором: "Ваще-та урок начался, ты чО, не слышал звонок штоле?". Нет, не слышал. Больше в школе я не играл. Даже когда просили на выпускном.
- Поперли нас от ВУЗа на какое-то собрание. Собрали человек 100 в зале дворца творчества детей и молодежи, ждем выступающих, опаздывают. Ждем минут 20. Сажусь за инструмент, разыгрываю переложение опенинга Эльфийской песни. Подходит какая-то молодая особь из руководства, опускает крышку на пальцы (ха, опять, да) со словами "Все, закругляйся, ОНИ приехали!". Ну да, ну да, пошел-ка я нахер. Но не в этот раз - открываю обратно, говорю: "Я их полчаса ждал, пусть заходят, располагаются, я как раз закончу произведение, имейте хоть каплю уважения!". Вылупилась на меня, ушла..
- Прогуливался с хорошенькой девочкой на 2 курса младше по Екатеринбургу, зашли в один из популярных музыкальных магазинов на Первомайке, ходим в отделе клавишных, болтаем, подходит консультант, садится за один из инструментов и начинает играть красивейшую музыку. Я с телефоном наготове жду, когда он закончит, аплодируем ему, спрашиваю откуда композиция - "я сам сочинил", говорит. Ну ладно. Сажусь, разыгрываю снова опенинг из Эльфийской песни, пару раз некритично сбился, это тело выдает: "А ты сам учился или в музыкалке? - В музыкалке, 7 лет. - Ааа.... Поняяяяятно. Мой тебе совет - лучше не играй, ну не твоё это, не звучит как-то. Может переложение кривое?". Не помню что ответил, сгреб подругу в охапку и пулей из магазина. Причем вроде бы я даже не придал особого значения его словам, но спустя столько лет помню словно это было вчера.
3) Физиология. Не скажу что у меня короткие пальцы, скорее средней длины (шутка про то, что девушкам хватает, фьють-ха!). Однако существует такой интервал как децима.
Звучит невероятно красиво, много где используется. Но мне не хватает длины пальцев/растяжки чтобы его взять. Поэтому вместо красивого интервала при игре получается клякса из раздельно взятых нижней и верхней ноты. Это стало последней каплей, склонившей меня к решению оставить занятия фортепиано Может быть сыграл перфекционизм, от которого никак не могу избавиться, но просто пришло понимание, что смысла продолжать заниматься нет, даже при всем желании я не отращу себе пальцы, а полумерное звучание на базовых интервалах мне не интересно.
В комментариях к оригинальному посту писали про доступность инструментов, с чем я полностью согласен. Причем помимо мобильности, большую роль играет и вопрос цены/качества. Изначально мне купили черную лакированную Элегию, но внешний вид, к сожалению, в звучании инструмента роли почти не играет. Классические инструменты требуют, во-первых, много места, во-вторых, постоянной настройки, поэтому после нескольких сломавшихся клавиш я подкопил на полноразмерную миди-клавиатуру m-audio (мне лет 15-16 тогда было наверное). Но выявилось 2 существенных минуса: клава была обычная синтезаторная (про деление клавиатур на синтезаторные, молоточковые и полувзвешенные я тогда не знал, да и молоточковая была бы не по карману), поэтому с учетом длины пальцев при игре октав и октавных аккордов было много грязи. Вторым минусом была необходимость иметь относительно мощный ПК. Мой же Пентиум4 тянул эту клаву очень слабо (запускал ее через какую-то версию FL-Studio), и приходилось настраивать баланс между нормальным звучанием и задержкой между нажатием клавиши и воспроизведением звука. В быстрых композициях первое время задержка сбивала с толку, но потом привык. Короче, с гитарами проще, да) И дешевле)
Нет, я не забыл этот навык как страшный сон. Если взять ноты знакомых произведений и посидеть над ними пару недель, повспоминать, я снова смогу сыграть то, что уже было "в руках". Возможно получится выучить что-то новое, но самое главное - уже нет желания. Хотя ту же "Я у твоих ног" в акустической версии Элины Чаги или, например, "Я буду тонкой нитью" Марии Чайковской я бы, пожалуй, сыграл. Нужна только вокалистка) Но искать её я конечно же не буду)
Преподаватель всегда высказывалась против каких-либо физ. нагрузок, забивающих руки - "Забьешь мышцы - пальцы не будут играть". Собственно, теперь я остался без того и без другого.
С другой стороны считаю что музыкалка привила вкус к хорошей музыке (который переродился в ненависть к 90% современной попсы), так что будем считать, что баланс сил соблюден)
Прикрепляю то, что когда-то играл. А какие фортепианные произведения нравятся вам?
Сможете найти на картинке цифру среди букв?
Справились? Тогда попробуйте пройти нашу новую игру на внимательность. Приз — награда в профиль на Пикабу: https://pikabu.ru/link/-oD8sjtmAi
Уильям Уолтон - Багатель №3 (Alla Cubana) | Исполняет Кириленко Виктория (гитара)
Сэр Уильям Тернер Уолтон (1902-1983) — английский композитор и дирижёр. С 1930-х годов получил широкое признание и впоследствии считался одним из ведущих британских композиторов наравне с Бенджамином Бриттеном.
В его творчестве присутствуют произведения для различных составов: для оркестра, для хора, объёмно представлена камерная, инструментальная музыка, а также музыка к кинофильмам и спектаклям. Его ранние сочинения, особенно поэма Façade принесли ему дурную славу, но впоследствии его оркестровые симфонические произведения и оратория «Пир Валтасара» имели мировой успех и известность.
Пять багателей (англ. Five Bagatelles) — произведение Уильяма Уолтона, первоначально написанное для гитары соло. Уолтон работал над этим циклом из пяти небольших пьес в 1971 г. по заказу выдающегося гитариста Джулиана Брима. Сочинение посвящено другу Уолтона, композитору Малкольму Арнольду.
Цикл состоит из следующих пьес:
I. Allegro assai
II. Lento sognando
III. Alla cubana
IV. Lento
V. Presto con slancio
В 1975-1976 гг. сам Уолтон переработал цикл для оркестра, озаглавив оркестровую редакцию «Разные каприсы» (итал. Varii capricci). Опираясь на эту редакцию, Патрик Расс создал редакцию для гитары с оркестром. По мнению гитариста Крейга Огдена, высказанному в комментариях к его записи Пяти багателей в оркестровке Расса, весь цикл стилистически очень характерен для Уолтона, но в разных отношениях: первая и последняя пьесы написаны в резкой, угловатой манере, свойственной ряду произведений Уолтона начиная с оратории «Пир Валтасара», а три другие так или иначе проявляют определённый средиземноморский колорит (Уолтон жил по большей части на итальянском острове Искья).