NSFW Познавательный

Единорог — зверь мифический, но искусство и литература за много веков сделали его почти реальным. Бесконечный парад средневековых гобеленов, древнегреческих текстов, картин эпохи Возрождения, печатей бронзового века и романов в стиле фэнтези прославил лошадеподобное животное с одним рогом, казалось, позволив ему появиться на свет, что усугубило непреходящую мистику этого существа. "Нет места таинственнее, — писал Питер Бигл в своей книге 1968 года "Последний единорог", — чем то, где был рожден единорог".

Хотя мифический зверь единорог — явление преимущественно западное, в Азии ему есть аналог — кирин, похожее существо (но часто с двумя рогами). Около 398 года до н. э. греческий врач Ктесий описал животное, чей единственный рог обладал целебными свойствами, а почти 500 лет спустя Плиний Старший написал о гибридном существе, которое пресекало все попытки поймать его (Некоторые более поздние ученые считали, что эти рассказы основаны на встречах европейцев с индийским носорогом).

Позже, в Средние века, единорог был известен в европейском фольклоре как миниатюрный, но свирепый зверь, который также был символом девственности и олицетворением Иисуса Христа, и которого могла приручить только женщина-девственница.

Хотя к концу XVI века существование единорогов было опровергнуто, это существо уже успело закрепиться в художественных изображениях, что используется в визуальной культуре по сей день.

Мы проследили путь животного в искусстве и отобрали самые знаковые работы.

Мартин Шонгауэр. Мистическая охота на единорога. 1489 г.

Картина известного немецкого художника Мартина Шонгауэра, написанная маслом в 1489 году, принадлежит к типу картин, посвященных сюжету Благовещения, на которых ангел Гавриил посещает Деву Марию и сообщает о беременности. Изменяя жанр, Шонгауэр ввел в христианскую сцену популярный в то время образ охоты на единорога, изобразив Гавриила в роли охотника, сопровождаемого гончими, которые символизируют христианские добродетели — справедливость, истину, милосердие и мир.

В роскошной работе Шонгауэра единорог послушно сидит на согнутом колене Марии, которая ласкает его шею, вызывая веру в то, что свирепое животное может быть усмирено только девственницей, которую охотники обычно использовали в качестве приманки. Соединение Шонгауэром этих двух жанров также работает на укрепление давней аллегорической ассоциации единорога с Христом. Эта символика возникла уже во II веке н. э. в средневековых бестиариях, таких как "Физиолог", где описания животных сопровождались библейскими цитатами и нравоучительными баснями.

Серия гобеленов “Дама с единорогом”. 1500 г.

Один из самых известных средневековых французских гобеленов — "Дама с единорогом" — включает в себя шесть произведений, которые впервые были обнаружены и представлены широкой публике в XIX веке. В современном контексте эта серия стала известна благодаря короткому, но заметному появлению в фильмах о Гарри Поттере. Единорог, изображенный в фильме "Леди и единорог", часто упоминается как геральдическое существо, представляющее собой животное, используемое в семейных генеалогиях для олицетворения добродетели, чистоты и силы.

Вы можете задаться вопросом, почему единорог был выбран для изображения рядом с "Дамой" в этой серии французских гобеленов — это не случайно. За редким исключением, с момента своего первого появления на публике единорог почти всегда изображался рядом с конвенционально красивой, девственной женщиной. Это визуальное представление закрепилось, когда сам единорог стал символом чистоты, исцеления и добродетели.

Серия гобеленов "Единорог". 1495-1505 гг.

Семь гобеленов "Единорог" (1495-1505 гг.) поражают своей красотой. Еще более манящим является тот факт, что многие детали их создания остаются загадкой, как например монограмма "AE", которая встречается на каждом гобелене, может быть ключом к их происхождению.

Композиции представляют собой разворачивающееся повествование, в котором группа дворян, охотников и собак преследует, ловит (с помощью девственницы) и убивает единорога в лесу. Возможно, эти сцены были задуманы как аллегория на сюжет распятия, но не исключено, что они относятся к браку. Последняя сцена, "Единорог в плену", намекает на последнее, поскольку единорог чудесным образом остается невредимым, мирно обнесенным забором и привязанным золотой цепью к гранатовому дереву, что наводит на мысль об атрибутах супружеской жизни. (Однако некоторые ученые считают, что этот гобелен был создан как самостоятельное произведение).

Каково бы ни было их происхождение, гобелены представляют собой потрясающий пример дизайна millefleurs ("тысяча цветов"), который процветал в Европе в XV и XVI веках. Еще один блестящий пример такого дизайна - "Дама с единорогом" (ок. 1500 г.), серия из шести гобеленов, которые были разработаны во Франции и выполнены во Фландрии. Эти гобелены, которые часто сравнивают с "Моной Лизой" Леонардо да Винчи (1503-06 гг.)

Рафаэль. Дама с единорогом. Ок. 1505 г.

Неоднозначное выражение лица и спокойствие натурщицы позволяют догадаться, почему некоторые искусствоведы считают, что этот портрет итальянского мастера эпохи Возрождения Рафаэля был вдохновлен Моной Лизой. Как и в случае с произведением Леонардо, личность пленительной светловолосой голубоглазой дамы Рафаэля точно не установлена, но, скорее всего, картина была заказана для свадьбы; в конце 1950-х годов рентгеновские снимки показали, что на месте, где сейчас сидит единорог, первоначально была нарисована собака. Если собака на коленях была символом верности, обычно ассоциирующимся с браком, то единорог олицетворял девственность или целомудрие. Ученые расходятся во мнении, указывает ли замена Рафаэля на то, что помолвка распалась, или просто сообщает о чистоте молодой женщины. Единорог также может указывать на способности женщины к обольщению, ведь только девственница могла заманить животное в ловушку.

Альбрехт Дюрер. Похищение Прозерпины (Персефоны) на единороге. 1516 г.

Альбрехт Дюрер, известный прежде всего своими ксилографиями и гравюрами, также создал шесть офортов, экспериментируя с железными пластинами вместо традиционных медных. “Похищение Прозерпины (Персефоны) на единороге” — одна из этих полудюжин работ, иллюстрирующая мастерство Дюрера. Мужская и женская фигуры — он с впечатляюще детально проработанной мускулатурой и она, сладострастная противоположность, — драматически разделены на переднем плане, в то время как задний план демонстрирует контролируемое использование Дюрером линейной перспективы.

Сцена, вероятно, является отсылкой к греческому мифу, в котором Плутон (Аид), бог подземного мира, похищает богиню Прозерпину (Персефону), чтобы сделать ее своей невестой. Хотя в мифе традиционно фигурирует колесница, запряженная лошадьми, Дюрер представил себе единорога в качестве коня Плутона. Здесь единорог изображен не как символ женской чистоты, а как безумный зверь, подобно самому Плутону. В этом воплощении единорог напоминает ранние описания Плиния Старшего, который писал о могучем животном, сочетающем в себе физические черты лошади, слона и дикого кабана.

Гюстав Моро. Единороги. Ок. 1887 г.

"Заколдованный остров, на котором женщины разводят единорогов", —так описал свою картину Гюстав Моро. Хотя легенд и мифов, подтверждающих это утверждение, не существует, в его символистском мире девственницы воспитывают единорогов. Картина Моро написана маслом по мотивам вышеупомянутой серии гобеленов "Дама и единорог". Один из коллекционеров сказал о ней: "Я увидел одну из самых прекрасных вещей, которые я когда-либо видел в своей жизни!" Картина настолько понравилась даже Моро, что он отказался ее продавать. Видимо, единороги настолько очаровали Моро, что это была не единственная картина, где он их изобразил. Они присутствуют на многих его рисунках, акварелях и гуашевых картинах.

Изображая библейские и мифологические сюжеты в роскошных декорациях, Гюстав Моро создавал богатые работы, которые служат примером интереса символизма к повествованиям, вызывающим такие эмоции, как страх или желание. На картине "Единороги" (ок. 1887 г.) Моро представляет сцену, в которой три единорога гнездятся вокруг принцесс, которые, кажется, приручили их. Лилия, которую держит одна из женщин, символизирует чистоту, а спокойное поведение единорогов говорит о том, что они поддались власти дев.

Драгоценности женщин, бархатные драпировки и струящиеся платья в оттенках золота, красного и серебра — распространяется и на шейные платки единорогов, а сама сцена напоминает королевский портрет, где единороги выступают в роли придворных питомцев.

Сальвадор Дали. Агония любви. 1977 г.

Сюрреалистический мир Сальвадора Дали был бы неполным без единорогов. Единороги были частой темой в его творчестве. Он выпустил серию литографий, изображающих леди Годиву верхом на этом волшебном существе. Одна из них, "Агония любви" (из серии "Ретроспектива"), была воссоздана в виде бронзовой скульптуры. Эта работа олицетворяет его любовь к жене Гале (которая в его автобиографии скачет на единороге), поскольку именно она была его вдохновением для создания этого произведения искусства.

Дэмиен Херст. Мечта. 2008 г.

“Детские сны более фантастичны, чем сны взрослых, и, как говорил скульптор Константин Бранкузи, когда мы перестаем быть детьми, мы уже мертвы” — сказал Дэмиен Херст в 2009 году.

Автор этого произведения, Дэмиен Херст, известен своими скульптурами, представляющими животных, подвешенных в формальдегиде. Работы Херста часто концентрируются на мотиве смерти. Так случилось и на этот раз — очередная работа, изображающая единорога — The Broken Dream, показывает нам голову этого существа в резервуаре с формальдегидом.

Послесловие

Многие социальные ожидания в отношении женщин подкреплялись в искусстве образами единорогов. Эти идеалы довольно противоречивы — женщины должны быть невинны (только к ним подойдет единорог), но манящими (по сюжету девы часто пленяют единорогов и помогают загнать его в ловушку), милыми, но опытными, и при этом не слишком распущенными.

Хотя многие эти ожидания постоянно подкреплялись визуальными образами в искусстве, с течением времени вместе с ними развивались и мнения, основанные на культурных нормах. В связи с этим произошел очевидный сдвиг в символизме, окружающем женщин и единорогов в искусстве. Хотя связь между женщинами и единорогами может существовать и сейчас, кажется, что более современный контекст предлагает более широкий спектр тем, включая женскую силу и стойкость.

Связь между женщинами, женственностью и единорогом — захватывающий пример того, как художественные символы развиваются и меняются с течением времени.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды

Их творчество включало в себя живопись, перформансы и хэппенинги — во многом схожие с авангардным искусством в Европе — но во второй половине XX века они остались практически неизвестными на Западе.

Под руководством художника и миллионера Дзиро Йосихары, специализирующегося на пищевых маслах, в 1954 году в потрясенной войной Японии, стремившейся восстановить свою культуру, была основана Художественная ассоциация Гутай (Gutai Bijutsu Kyokai). Стремясь вырваться из оков мейнстрима и традиционных стилей искусства в погоне за подлинной оригинальностью, распространяющейся по всему миру, группа начала свой путь с собственного названия: соединив слова "гу", означающее "инструмент", и "тай", означающее "тело". Название четко отражало целеустремленные отношения двадцати художников между телом и материей, где тело использовалось как средство, а материя представляла собой художественный материал. Группа Гутай сделала ставку на свободу самовыражения, создавая искусство, какого еще никогда не было, соединяя весь мир в едином "коллективном духе индивидуальности", где принципы общественного сознания имели решающее значение, но при этом поощрялись и уступали место индивидуальным путям. Вдохновением для этого послужил девиз Дзиро Йосихары — "Никогда не подражайте другим: создавайте то, чего никогда не существовало прежде".

В группу “Гутай” изначально входило около 20 молодых художников, которых собрал в городке Ашия, недалеко от Осаки, Дзиро Йосихара. Они стремились заполнить культурную пустоту, образовавшуюся в результате жестокостей Второй мировой войны и последствий взрыва атомной бомбы.

Благодаря тому, что Япония получила возможность общаться и обмениваться культурой со своими новыми союзниками в Америке и Европе, группа Гутай нашла возможность выйти на более широкую аудиторию. В 1958 году в Нью-Йорке галерея Марты Джексон провела выставку, посвященную их искусству, в которой приняли участие некоторые из величайших художников движения. Возможно, самым известным среди них был Кадзуо Сирага, чьи "картины ногами" и культовый перформанс 1955 года "Вызов грязи" (в котором художник полуголый боролся в бассейне с грязью, цементом, глиной, гравием, а затем подвесил себя на веревке над холстом, чтобы рисовать ногами) являются одними из самых известных среди художников Гутай. Они считали процесс создания столь же важным, как и сам результат, а своей целью ставили слияние человеческих качеств и свойств материала в единственном в своем роде взаимодействии. Поэтому группа Гутай экспериментировала со многими средствами, включая краски, кино, перформансы, звук, свет, а также использовала нетрадиционные материалы, такие как бумага, которую можно увидеть в работах Сабуро Мураками, или сигнальные колокольчики и лампочки, представленные, например, Ацуко Танака.

В конце 1950-х годов Йосихара решил сместить фокус внимания группы на Art Informel, высокожестикулятивный стиль импровизированного абстрактного экспрессионизма, который отстаивал французский критик и один из сторонников Гутай Мишель Тапие.

В период с 1962 по 1972 год численность группы выросла до 50 человек, а в Осаке было основано помещение, посвященное их творчеству, под названием "Пинакотека Гутаи" ("Gutai pinacoteca"). Помимо выставок группы Гутай, в галерее проходили выставки таких международных художников, как Лючио Фонтана, Джузеппе Капогросси и Сэм Фрэнсис. Ее также посещали художники Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, музыкант Джон Кейдж и другие известные личности.

В течение этого десятилетия внимание группы Гутай также вновь сместилось, на этот раз в сторону мультимедийного искусства. Они коллективно установили торговый автомат в одном из универмагов Осаки, где посетители могли приобрести произведения искусства, созданные художником, сидящим внутри этой конструкции, тем самым превращая пассивный акт просмотра искусства во взаимодействие.

Но главное достижение группы произошло в 1970 году, когда их попросили принять участие в японской Всемирной выставке в Осаке. Там они поставили хореографическую церемонию, включавшую в себя людей, левитирующих на огромных воздушных шарах, и пожарную машину, пускающую мыльные пузыри. Однако выставка предрешила гибель группы. Многие из ее основных деятелей вскоре ушли из группы, а некоторые молодые художники разочаровались в ее практике. В конце концов, движение прекратило свое существование в 1972 году после смерти Йошихары.

Несмотря на то, что члены группы Гутай создавали смелые работы, создающие мосты между искусством, телом, пространством и временем, их творчество оставалось в безвестности за пределами Японии в течение 40 лет.

Благодаря новой волне ученых и кураторов они теперь признаны как создатели долговременного наследия, которое на первом этапе предвосхитило Арте Повера и Флюксус, а на втором — концептуальное искусство, разделяющее стремление Гутаи трансформировать и переосмыслить искусство.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды

Ее работы вызывают многочисленные дискуссии и споры, но никто не может отрицать ее влияние на современное искусство. В этой статье мы расскажем об одной из самых известных и влиятельных фотохудожниц нашего времени - Синди Шерман.

Синди Шерман (род. 1954) — американская художница, прославившаяся своими фотографическими автопортретами, изображающими ее саму в различных ситуациях и в виде различных воображаемых персонажей.

Ее самой знаменитой работой часто считаются «Кадры из фильмов без названия» — серия из 69 черно-белых фотографий, на которых она изображает типичные женские роли в средствах массовой информации (особенно в артхаусных фильмах и популярных второсортных фильмах).

В каждом из шестидесяти девяти безымянных кинокадров Шерман изображает героиню из фильма, который, как нам кажется, мы должны были видеть. Мы видим то молодую карьеристку в новом костюме в свой первый день в большом городе, то роскошную библиотекаршу, или шикарную старлетку в своем приморском убежище. Среди других героинь можно выделить молодую девушку, отправляющаяся в жизненный путь, и жесткую, но ранимая звезда фильмов нуар. Для создания картин Шерман сама сыграла все роли или, точнее, сыграла всех актрис, играющих все роли. Другими словами, эта серия — вымысел о вымысле, искусное воплощение образа женственности, который через кино завладел коллективным воображением послевоенной Америки— периода молодости Шерман и зари нашей современной культуры.

На самом деле, лишь немногие из «Кадров из фильмов без названия» созданы непосредственно на основе конкретных ролей в реальных фильмах, не говоря уже об отдельных кадрах, которые студии распространяют для рекламы своих фильмов. Все остальные — это изобретательные аллюзии на общие типы, и тем более показательно наше уверенное (и ложное) чувство узнавания. Оно говорит нам о том, что, осознанно или нет, мы впитали в себя кинокультуру, которую Шерман предлагает нам изучить, как мощную силу в нашей жизни.

Современные портреты Синди Шерман странные и очень откровенные

Кого Шерман пытается изобразить в серии 2023 года, не совсем ясно. Но, как и в старых работах, в этих новых снимках тоже есть элемент автопортрета. Сколько бы сложных переодеваний ни использовала Шерман, она в какой-то степени всегда фотографирует себя.

Но даже в этом случае завеса перформанса здесь особенно тонка. Никто не примет многочисленные франкенштейновские лица художницы за ее собственные, но те части Шерман, которые мы видим во фрагментах, нежны и уязвимы. На виду, наглядно и в богатых цифровых деталях — стареющая кожа 70-летней художницы, ее поры, ее складки.

"Я не собираюсь молча или с радостью вступать в процесс старения", — сказала она в интервью New York Times, опубликованном на этой неделе. "Я чувствую, что готовлюсь к нему... Это то, что вы получите, так что привыкайте к этому. Это грядет. Это висит над всеми нашими головами".

Грим и коллажи превращают объекты новых портретов Шерман в карикатуры. Чувствуется намек, что время тоже способно это сделать со всеми нами, превратить нас в искаженные, изломанные отражения наших прошлых "я". Возможно, Шерман больше не похожа на красотку с кинокадров, но она в полной мере остается художником, каким стала почти 50 лет назад.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды