«Венгерские рапсодии» — цикл из 19 произведений для фортепиано Ференца Листа, основанный на темах венгерского музыкального фольклора. Основной корпус рапсодий создан в 1846—1853 годах, а также в 1882 и 1885 годах. Лист объединил в своём цикле целый ряд музыкальных тем, характерных для родной ему западной Венгрии, которые было принято считать народными (при том, что на самом деле многие мелодии имели конкретных авторов; их часто исполняли цыганские музыканты.
В построении рапсодий ощущается заметное влияние оказал венгерский танец вербункош, в котором медленные части (lassan) традиционно чередуются с быстрыми (friska), имеющими в своей основе чардаш. В основу вербункоша лёг мужской танец «вербунк», а также возникший из него «чардаш». Типичный образец вербункоша — «Ракоци-марш». Несмотря на то, что мелодика вербункоша имеет очевидные корни в венгерском музыкальном фольклоре, этот жанр зачастую ассоциируют с цыганской музыкой. Это во многом связано с тем, что вербункош в исполнении цыганских музыкантов (в соответствующем характерном стиле) был исторически особенно популярен; в нём активно используется т.н. цыганский звукоряд.
Ча́рдаш — традиционный венгерский народный танец. Название происходит от венгерского слова чарда (венг. csárda) — «корчма», «трактир», «постоялый двор». Чардаш танцуют мужчины и женщины. Женщины облачены в традиционные широкие юбки, обычно ярко-красного цвета, которые во время кружения приобретают характерную форму. Появившись в Венгрии, чардаш был распространён цыганскими музыкальными ансамблями по Венгрии и близким к ней странам и регионам. Отличительным признаком чардаша является значительная вариация его темпа. Танец состоит из двух частей: медленной, патетической и быстрой, стремительной. Для чардаша характерны резкие синкопы. Музыкальный размер 2/4 или 4/4.
Цыганская гамма, также венгерская гамма — октавный звукоряд из интервального рода гемиолики, характерная черта которого – два полуторатоновых интервала (увеличенные секунды) между соседними ступенями. Этноним «цыганский» (или «венгерский») применяется условно (по образцу этнонимов так называемых «натуральных ладов»), поскольку описываемые звукоряды встречаются в музыке многих народов Европы и Азии.
Цыганская минорная гамма соответствует звукоряду арабского макама «нава атар» (вар. транскрипции: «нава асар») и, с точностью до микротоновых отличий — турецкого макама невесер.Цыганская мажорная гамма соответствует звукоряду арабского макама хиджаз кар и его транспонированных версий шадд арабан, шахназ и сузидиль, арабо-андалусского лада зидан, азербайджанского лада чаргях и, с точностью до микротоновых отличий — турецких макамов хиджазкар, зиргулели хиджаз, шедарабан и персидского дастгяха чахаргах. Также соответствует звукоряду раги бхайрав в индийской классической музыке в традиции хиндустани. Другие названия: доминантовый лад, андалусийский лад. В некоторых европейских традициях его именуют также «арабской гаммой».
Мака́м — в арабской и турецкой традиционной музыке многозначный термин, обозначающий ладовый звукоряд, модально-монодический лад в совокупности всех его категорий и функций, целостную текстомузыкальную композицию, включающую не только конкретные приёмы техники композиции (центонизацию, орнаментальное варьирование, импровизацию, ритмическое варьирование и т. д.), но также коннотации музыкального жанра.
Арабскому и турецкому макаму родственны азербайджанский мугам, таджикский и узбекский шашмаком, иранский дестгях, уйгурский мукам и т. д. Совокупность этих локально-исторических восточных музыкальных традиций — при всём различии частных и специфических особенностей каждой — обобщённо называют «макамо-мугамной традицией», или «макаматом» (maqamat). Как и в случае с европейскими монодическими ладами (например, древнегреческими «гармониями» Платона), отдельным макамам приписываются определённые этосы и аффекты (разные в разных локальных и исторических традициях), которые способен воспринять только слушатель, погружённый в контекст специфической культурной традиции.
Некоторые конститутивные музыкальные интервалы в ладах (ладовых звукорядах) макамо-мугамной традиции акустически отличаются от тонов, полутонов, терций и других интервалов, присущих западноевропейской диатонике и хроматике, что делает затруднительным их восприятие слушателем, воспитанным в традициях академической музыки «западного мира».
Маком — среднеазиатский вокально-инструментальный жанр с широким использованием импровизации и циклической структурой произведений. Исторически является разновидностью макама, разделяется на три основные традиции: бухарский шашмаком, хорезмский маком и ферганско-ташкентский маком.
Макам восходит к IV веку нашей эры, но история макома как отдельной среднеазиатской традиции начинается в XI—XII веках, когда сформировался местный цикл из 12 макомов. Развитием этого жанра занимались учёные, музыканты и философы: аль-Фараби, Ибн Сина, и многие другие. Среди религиозных направлений макому больше всего благоволили суфизм и иудаизм. Большу́ю роль в развитии макома, особенно в Бухаре, сыграли местные евреи, не находившиеся под влиянием негативного отношения ислама к музыке.
Двенадцать уйгурских мука́мов — это единый цикл или ряд протяженных музыкально-поэтических произведений, шедевр средневекового уйгурского музыкального искусства. Синтезируя в себе традиционную песенно-инструментальную музыку и танцы, изустно-профессиональную музыку и поэзию, уйгурские мукамы являются неотъемлемой частью искусства макамат.
Сведения о зарождении искусства макамат, особенностях стилистики, структуры и способах бытования встречаются в рукописях учёных Востока, начиная уже с IX века. Аль-Фараби создал теорию восточной музыки, а Ибн Сина (Авиценна) дал глубокое толкование вопросов музыкальной акустики, интервалов, ритмов.
Наиболее ранние сведения об уйгурской музыкальной культуре прошлых столетий содержатся в «Суйшу» — «Истории династии Суй», созданной в VII веке. Опираясь на данные музыкального раздела этой истории, уйгурский учёный Абдушукур Мухаммат Имин в книге «Песенно-танцевальное искусство Синьцзяна Танской Эпохи» пишет, что во второй половине VI века кучанский музыкант-певец и исполнитель на щипковом инструменте пипа — Суджуп разработал систему пяти таран и семиступенного звукоряда, которая получает широкое распространение в Китае. Этот период, вероятно, относится к начальному этапу формирования в Центральной Азии музыкальной теории, которая возникла на основе высокоразвитой музыкальной культуры раннего средневековья.
Из китайских литературных источников мы узнаем, что на музыкальную культуру Западного и Центрального Китая и даже Кореи оказала влияние музыка Кучи, известная в Китае с 242 года. Китайский путешественник Сюань-цзан (начало VII века) пишет, что «тамошние музыканты необыкновенно искусны в игре на флейте и на гитаре и превосходят в этом всех других стран». Любопытны сведения о церемониальной музыке Кучи в танское время (VII—X века). Здесь «исполнялась музыкальная композиция „Великое примирение“, которую также называли „Танцем львов пяти небесных направлений“». И далее «140 человек пели песню „Великое примирение“ и следовали за „львами“, прихлопывая в ладоши (по другому источнику щелкая пальцами), для того чтобы выдержать такт». Об уйгурских танцах, песнях и музыкальных инструментах есть упоминания знаменитого венецианского путешественника XIII века Марко Поло.
Макама — жанр арабской литературы, плутовские повести в рифмованной прозе со стихотворными вставками, повествующие о приключениях талантливых и образованных мошенников. Жанр впервые появляется у Бади аз-Замана, составившего около 1000 года сборник макам, и доведён до совершенства аль-Харири (1054—1122). Оказал влияние и на еврейскую поэзию.
Шах Сулейман (царь Соломон). Иллюстрация из издания «Шах-наме» XVI века. Британская библиотека, Лондон
Хурритские песни (они же хурритские гимны) — коллекция музыки, записанной клинописью на глиняных табличках, найденных при раскопках царского дворца в Угарите. Датируется приблизительно 1400—1200 годами до н. э. Одна из 36 табличек сохранилась почти полностью и содержит хурритский гимн Никкаль. Это древнейшая из известных на сегодняшний день почти полностью сохранившихся записей с музыкальной нотацией.
В 1950—1955 годах в течение 15-й и 17-й экспедиций в Угарит археологи раскопали фрагменты хурритских культовых песен. Среди находок было три фрагмента одной таблички с почти полным текстом. Запись переходит с лицевой стороны (аверс) таблички на обратную (реверс), пересекая правый край. Эта табличка — с гимном богине Никкаль (аналога шумерской Нингаль) — записана клинописью на угаритском диалекте хурритского языка.Запись состоит из трёх частей. Первая содержит слова песни — четыре строки на аверсе и реверсе таблички. Ниже прочерчены две параллельные линии. Ниже линий — вторая часть («партитура») состоит из 6 строк на лицевой стороне. Третья часть (колофон) находится на обратной стороне внизу. Первая часть — на хурритском языке. Вторая состоит из адаптированных к хурритскому языку аккадских терминов и следующих за ними значков цифр. Музыка исполнялась на 9-струнном саммуме (что-то вроде арфы или, скорее, лиры). Указана тональность, в которой исполняется мелодия (nid qibli).
Кле́змер, или клезмерская музыка — традиционная народная музыка восточноевропейских евреев и особенный стиль её исполнения. Краткая еврейская энциклопедия датирует появление названия «клезмер» (в это время относившегося к музыкантам, а не к исполняемой ими музыке) XIV—XV веками, а местом его возникновения называет еврейские общины Германии и соседних стран. Согласно американскому музыковеду Уолтеру Зеэву Фельдману, клезмерские традиции в еврейской этнической музыке начали формироваться в конце XVI — начале XVII веков, одновременно с созданием первых еврейских музыкантских гильдий. Этот процесс способствовал повышению социального статуса музыкантов, и понятие «клезмер» постепенно вытеснило из обихода более раннее и имевшее пренебрежительный оттенок слово «лец» («шут»), которым обозначались также шуты, уличные певцы и танцоры.
Термин «клезмер», по мнению Фельдмана, возник не в Германии, а в Богемии и Речи Посполитой, в германские княжества попав только в XVIII веке с притоком в эти страны еврейских музыкантов. Христианские музыканты оказывали сопротивление приглашению конкурентов-евреев ко двору и не принимали их в свои гильдии, но в регионах, где было относительно мало цыган, в особенности на территории Речи Посполитой, евреи-клезмеры стали большинством среди профессиональных музыкантов. Они концентрировались в городках во владениях отдельных представителей знати, а также в крупных городах, в первую очередь Вильне и Лемберге.
К XVIII веку клезмеры стали распространённым культурным явлением и в контролируемой турками Молдавии, прежде всего в её центральном городе Яссах. Клезмеры образовывали закрытые профессиональные касты со своим жаргоном, основанным на языке идиш, и профессия передавалась из поколения в поколение. Полностью профессиональными музыкантами обычно были только руководители ансамблей, тогда как остальные музыканты как правило имели и другие профессии; в частности, клезмеры фактически монополизировали профессию цирюльника, но часто занимались также шляпным производством и другими ремёслами.
"А между тем, когда один пьяный, которого неизвестно почему и куда провозили в это время по улице в огромной телеге, запряженной огромною ломовою лошадью, крикнул ему вдруг, проезжая: «Эй ты, немецкий шляпник!» — и заорал во всё горло, указывая на него рукой, — молодой человек вдруг остановился и судорожно схватился за свою шляпу. Шляпа эта была высокая, круглая, циммермановская, но вся уже изношенная, совсем рыжая, вся в дырах и пятнах, без полей и самым безобразнейшим углом заломившаяся на сторону. Но не стыд, а совсем другое чувство, похожее даже на испуг, охватило его".
Ф.М. Достоевский "Преступление и наказание".
"Люди пьют слишком много воды" - Граучо Маркс. "A Night At The Opera" 1935.
Взаимные соглашения между клезмерскими ансамблями («капеллами» или «компаниями») определяли границы территорий, на которых они играли, и права на репертуар. Услугами клезмеров охотно пользовалась шляхта Речи Посполитой, крупнейшие магнаты даже зазывали к себе евреев-музыкантов из других регионов. Покровительствовали развитию клезмерского искусства и некоторые хасидские дворы — так, в первой половине XIX века собственную «капеллу» содержал любавический ребе, собственный репертуар был у ансамблей, игравших при садигурском и бухушском дворах. Необходимость выступать как на еврейских, так и на нееврейских праздниках, а также в корчмах и тавернах, требовала владения широким репертуаром, включавшим лёгкую класику (Фельдман приводит в качестве примера исполнение полонеза Огинского в качестве аккомпанемента к «кошер-танцу» — традиционному танцу с невестой) и крестьянские танцевальные мелодии (коломыйка, казачок и т. д.), однако большинство клезмеров, как минимум в небольших местечках, не было знакомо с нотной грамотой до последних десятилетий XIX века. Их произведения по этой причине не записывались и в дальнейшем часто фольклоризировались.
Творчество клезмеров на протяжении своей истории испытывало влияние не только еврейской литургической традиции, но и музыкального фольклора окружающих народов, прежде всего (по мнению исследователя клезмерской музыки М. Гольдина), молдавско-румынского и западно-украинского; согласно Еврейской энциклопедии — немецкого, польского, украинского, румынского. З. Фельдман выделяет пять «музыкальных детерминант», вокруг которых формировался клезмерский стиль и репертуар. Из них только одна, третья, является действительно национальной (а не производной от танцевальных традиций других народов), а две последних — хронологически более поздними: «общеевропейская» (так у автора классификации) добарочная танцевальная музыка; западноевропейская танцевальная музыка эпохи барокко; ашкеназская литургическая традиция; «греко-турецкая» музыкальная традиция; молдавская (народная) инструментальная музыка.
Адам Лист рано начал учить сына музыке (по некоторым сведениям 1817 год — начало обучения игре на фортепиано под руководством отца), сам давал ему уроки. В церкви мальчика учили пению, а местный органист — игре на органе. После трёхлетних занятий Ференц в возрасте восьми лет впервые выступил в публичном концерте. Отец возил его в дома знатных вельмож, где мальчик играл на рояле, и сумел вызвать среди них благожелательное отношение. Понимая, что сыну нужна серьёзная школа, отец везёт его в Вену.
С 1821 года Лист занимался в Вене игрой на фортепиано у Карла Черни, который согласился учить мальчика безвозмездно. Великому педагогу мальчик поначалу не понравился, так как был тщедушным и слабым физически. Школа Черни дала Листу универсальность его фортепианного искусства. Теорией Лист, также безвозмездно, занимался у Антонио Сальери.
В возрасте 19 лет Рахманинов с большой золотой медалью окончил консерваторию как пианист и как композитор. Уже в консерватории он получил известность среди московской публики. Во время обучения в консерватории им уже были написаны Первый фортепианный концерт, ряд романсов и пьесы для фортепиано, в том числе Прелюдия до-диез минор (op.3 № 2) из цикла Пьесы-фантазии для фортепиано (фр. Morceaux de fantaisie), которая позднее стала одним из наиболее известных произведений Рахманинова. Дипломной работой стала первая опера Рахманинова — «Алеко», написанная по произведению А. С. Пушкина «Цыганы».
Александр Зилоти родился 27 сентября (9 октября) 1863 в имении родителей в Старобельском уезде Харьковской губернии. Отец — бессарабский дворянин Илья Матвеевич Зилоти (1830—1895), мать — Юлия Аркадьевна Зилоти (в девичестве Рахманинова, 1835—1925). По материнской линии — двоюродный брат С. В. Рахманинова, а также его преподаватель в Московской консерватории.
В возрасте восьми лет Александр Зилоти поступил в Московскую консерваторию, где учился в классе Н. С. Зверева по фортепиано, затем перешёл в класс директора консерватории — Н. Г. Рубинштейна. Одновременно изучал теорию музыки у П. И. Чайковского, став впоследствии его другом. После окончания консерватории брал частные уроки у Ференца Листа.
Отец композитора, Василий Аркадьевич (1842―1916), происходил из дворян Тамбовской губернии. Семейное предание ведёт происхождение рода Рахманиновых от «внука молдавского господаря Стефана Великого» Василия, прозванного Рахманиным.
Саар — река во Франции и Германии, правый приток Мозеля. По ней названа немецкая земля Саар. Длина 246 км, из них 126 км приходится на Францию, 120 км — на Германию. Река берёт начало в горной системе Вогезов, при слиянии двух рек — Белого Саара и Красного Саара. Течёт через Саарский угольный бассейн, Впадает в Мозель выше г. Трир.
Трирский собор Святого Петра.
Ма́ртин Лю́тер (10 ноября 1483, Айслебен, Саксония — 18 февраля 1546, там же) — немецкий христианский богослов, инициатор Реформации, ведущий переводчик Библии на немецкий язык.
В рамках богослужебной реформы ввёл общинное пение строфических песен на немецком языке, позже названных обобщённо протестантским хоралом. Всего Лютеру приписывают сочинение около 30 хоралов. Стремясь к простоте и доступности богослужения, Лютер установил новое общинное пение строго диатоническим, с минимальным распевом (использовал преимущественно силлабику) — в противовес григорианскому хоралу, в котором много пышной мелизматики, требующей профессионализма певчих. Месса и службы оффиция (прежде всего вечерня с магнификатом), унаследованные от католиков, распевались как на стандартные латинские тексты, так и по-немецки. При этом заупокойную мессу и другие пышные ритуалы, которые практиковались католиками в богослужении об умерших, Лютер упразднил.
Ганс Сакс (Ганс Закс; нем. Hans Sachs; 5 ноября 1494, Нюрнберг — 19 января 1576, Нюрнберг) — немецкий поэт, мейстерзингер и драматург. Сторонник и популяризатор идей Реформации.
Гансу Саксу приписывают авторство тринадцати сохранившихся мелодий-моделей, или «образцовых тонов» (нем. Meistertöne), на которые распевали (по принципу контрафактуры) стихи не только Сакса, но и многих других мейстерзингеров.
Малага была основана финикийцами в VIII веке до н. э., что делает её одним из древнейших городов Европы.Часто как этимон указывается финикийское слово, обозначающее «соль» (сравн. ивр. mélaḥ, араб. milḥ). Лингвистически наиболее приемлема теория, которая отмечает форму семитского корня *m-l-k. Баал-Хаммон — божество западносемитской мифологии, один из главных богов карфагенского пантеона.Божество сиро-финикийского происхождения, возможно, почитавшееся уже в Угарите, а позднее в Пальмире, где его имя засвидетельствовано надписями по меньшей мере с I века до н. э.
В Карфаген культ Баал-Хаммона был привезен новой волной переселенцев из Тира в VII—VI веках до н. э. Бетели с его именем встречаются с VI века до н. э., вскоре появляются изображения бога в типичном переднеазиатском стиле — мощного бородатого старца в длинной, часто плиссированной одежде, восседающего на троне, обычно украшенном керубами. На голове божества высокая коническая тиара с пелериной, либо корона из перьев, правую руку оно поднимает в благословляющем жесте, в левой держит посох с навершием в виде шишки сосны, либо одного или трех хлебных колосьев. Рядом с головой часто помещается солнечный диск, иногда с крыльями, как на египетских барельефах.
Статуя Баал-Хаммона. Музей Бардо, Тунис.
Баал-Хаммон почитался и в других финикийских и карфагенских колониях на западе Средиземноморья. Страбон упоминает храм Крона в Гадесе, вероятно, такой храм был и в Малаке, на монетах которой над изображением храма стоит надпись šmš («шамаш»).
«Комические и шутовские типажи, т.е. Арлекин и другие, должны быть с вычурными манерами представлены в танцах и в особо фальшивых и смешных позах. Не подобает, например, чтобы Скарамучча, Арлекин, Скапен или Пульчинелла танцевали менуэт, сарабанду, куранту или же интродукцию; каждый из них обладает своей комической или шутовской манерой; так, например, Скарамучча ходит, делая большие смешные шаги, которым было бы трудно подражать...» (G. Lambranzi: Scuola de baut teatrali.) Миклашевский К. "La commedia dell'arte".
Малагенья (исп. Malagueña) — один из традиционных стилей фламенко, вышедший из раннего фанданго района Малага, песня имеет восточные (арабские и африканские) корни. Народная по происхождению, малагенья стала стилем фламенко в XIX веке. Песенная мелодия обычно не используется для танцев в связи с тем, что не имеет чёткого постоянного ритмического рисунка, её относят к типу «свободных песен» (cante libre). Однако малагенья славится богатой мелодией с использованием микротонов.
Возникший в районе испанского порта Малага (Андалусия, Испания), вердиалес за свою основу взял испанский народный танец — фанданго (поэтому его иногда называют также Малагское фанданго). Крестьянское происхождение данного стиля значительным образом повлияло на манеру его исполнения. Исполняемый в основном в Ми-мажоре (реже в Ля-миноре), вердиалес имеет 12-дольный ритмический рисунок, схожий с солеаресом и булериасом. Инструментальная группа традиционно состояла из скрипки, тамбурина, 2—4 гитар, как минимум, 2-х тарелок, кастаньет, иногда присоединялась и мандолина. По мнению специалистов фламенко, вердилес — наиболее ранняя форма фанданго в Малаге, а возможно, и всего фанданго Андалусии. Существует мнение о том, что «Малагское фанданго — самое древнее фанданго в истории Испании».
