Закреплено
Общаемся без мата
Культурное сообщество
375 постов
•
395 подписчиков
0 просмотренных постов скрыто
О происхождении наших имён
Как вас зовут? На этот вопрос ответить не трудно, каждый человек назовет свое имя: Андрей, Анна, Борис. А что они означают, эти имена? Откуда они взялись? Ответы на эти вопросы дает ономастика, специальная наука, изучающая собственные имена.
Наука эта говорит, что собственные имена образовались из нарицательных существительных. Надо было как-то различать людям друг друга, и они начали брать себе в качестве имен названия окружающих их предметов, и одушевленных, и неодушевленных.
Читая произведений Ф. Купера о жизни североамериканских индейцев, мы то и дело встречаем там такие имена, как Соколиный Глаз, Мудрый Змей, Лесной Цветок. Эти прозвища нам кажутся странными, ибо они ничуть не похожи на современные имена.
Представьте себе, наши предки, жители Древней Руси, тоже носили имена-клички, взятые от названий животных, птиц, деревьев и вещей. Сплошь и рядом встречались тогда люди с именами Волк, Ворон, Калина. Имена связывались с событиями из жизни и быта людей. Родился в семье сын-первенец, назвали его Перву́шей, третий сын по счету – Третьяк.
Если весной родилась девочка, ей давали имя Веснянка.
Некоторые имена указывали на занятия людей – Бондарь, Пасечник, Мельник. В старинных грамотах можно встретить и такие имена, как Несоленый, Прокислый.
Некоторые имена возникли от существительных, обозначающих отвлеченные понятия, таковы Вера, Надежда, Любовь.
После принятия в конце 10-го века христианства «языческие» имена стали вытесняться христианскими, но предки наши дорожили своими обычаями, и поэтому долго еще в быту рядом с христианским именем, данным человеку при крещении, употреблялось его языческое имя или прозвище.
В летописях читаем: «Посланник Иосиф, мирским же (именем) Остромир», или «Родился сын Федор, а прозван был Ярослав».
Надо сказать, что христианские имена – в основном греческого, латинского и древнееврейского происхождения – имели свое ясное, определенное значение, например, Анна по-древнееврейски значит «благодать», Афанасий (греч.) – «бессмертный».
Интересно, что самые распространенные в русском народе имена Иван и Мария являются по происхождению вовсе не русскими. Они попали к нам через греков, которые в свою очередь позаимствовали их у древних евреев.
Мы видим, что процесс образования собственных имен от нарицательных совершался у всех народов примерно одинаково.
Показать полностью
Влияние французского импрессионизма на живопись в России
Конечно, родоначальницей импрессионизма была Франция. В Париже в 1874 году прошла первая выставка представителей нового стиля. Живописцы проводили ее от имени Анонимного общества художников, но с легкой руки одного из критиков участников общества, среди которых были Клод Моне, Огюст Ренуар и Камиль Писсарро, закрепилось название «импрессионисты». Название это связано с одной из первых картин Клода Моне, носившей название «Впечатление. Восход солнца» (Impression, soleil levant).
Со временем новый стиль получил развитие во многих других странах и областях: Испании, Италии, Скандинавии, Америке, и даже в Японии. В каждом регионе общие принципы импрессионизма смешивались с местными особенностями, в результате чего возникали локальные версии стиля.
Французский импрессионизм не сразу повлиял на живопись в России. Действительно, в 1874 году, когда в Париже проходила первая выставка нового направления, во Франции находились два пенсионера (стипендиата) петербургской Академии художеств – Илья Репин и Василий Поленов.
Cовременная французская живопись была важна для художников, но кардинально не изменила их собственные творческие поиски. Тем не менее, влияние импрессионизма заметно, например, в картине «На дерновой скамье», написанной Репиным на даче под Петербургом после возвращения из Парижа.
Илья Репин. На дерновой скамье. 1876. Собрание Государственного Русского музея.
Знакомство с французскими мастерами имело большое значение для Константина Коровина. На родине импрессионизма художник впервые оказался в 1887 году, о чем позже вспоминал:
«Я был поражен Парижем, когда 26-ти лет приехал в первый раз сюда. Но словно – я уже видел его когда-то. Все было именно таким, как рассказывала мне бабушка. Помню и первое свое впечатление от французской живописи.
Так вот они, "французы". Светлые краски, вот это так…
Много и такого, что и у нас, но что-то есть еще и совсем другое. Пювис де Шаванн – как это красиво! И импрессионисты… – у них нашел я все то самое, за что так ругали меня дома, в Москве».
Константин Коровин. Парижский бульвар ночью. 1908. Собрание Рязанского государственного областного художественного музея им. И.П. Пожалостина.
Интересно, что картины французских импрессионистов повлияли не только на тех русских мастеров, кто подхватил и развивал этот стиль в России, но и на тех, кто пошел в своих художественных поисках дальше.
В 1896-1897 годах в Санкт-Петербурге и Москве прошла Французская художественная выставка. На ней – впервые в России – были представлены несколько произведений Моне, Ренуара, Дега и Сислея. Одним из посетителей той экспозиции был Василий Кандинский, на которого огромное впечатление произвела картина Клода Моне. Художник писал об этом:
«И вот сразу видел я в первый раз картину. Мне казалось, что без каталога не догадаться, что это – стог сена. Эта неясность была мне неприятна: мне казалось, что художник не вправе писать так неясно. <…> Но что мне стало совершенно ясно – это не подозревавшаяся мною прежде, скрытая от меня дотоле, превзошедшая все мои смелые мечты сила палитры. Живопись открывала сказочные силы и прелесть».
Впечатления от посещения выставки и знакомства с картиной Моне повлияли на решение Кандинского, имевшего юридическое образование, посвятить свою жизнь искусству.
Клод Моне. Стога сена под солнцем. 1891. Собрание музея Кунстхаус в Цюрихе.
А теперь о собственно русском импрессионизме.
Естественно, в России импрессионизм появился позже, чем во Франции. За год до того, как Валентин Серов написал «Девочку с персиками» (1887) – одну из первых русских картин в новом стиле, во Франции уже прошла очередная выставка импрессионистов.
Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887. Собрание Государственной Третьяковской галереи.
Отдельных выставок представителей нового стиля в России не было: они экспонировали свои картины совместно с художниками других направлений. Наиболее известные русские импрессионисты – Валентин Серов и Константин Коровин, однако многие другие мастера рубежа XIX-XX веков также работали в этом стиле, в том числе Игорь Грабарь, Сергей Виноградов и Станислав Жуковский.
Станислав Жуковский. Интерьер комнаты. 1910-1920-е годы. Собрание Музея русского импрессионизма.
Поскольку для импрессионистов было важно работать на пленэре, то есть на открытом воздухе, то в каждом регионе художники запечатлевали характерные для своей страны особенности, темы и сюжеты. Например, на картинах русских импрессионистов часто можно увидеть деревенские и усадебные виды, а также зимние снежные пейзажи, в то время как наиболее популярными мотивами во Франции были виды Парижа, его окрестностей, а также досуг горожан.
Игорь Грабарь. Зимнее утро. 1907. Собрание Севастопольского художественного музея им. М.П. Крошицкого.
Показать полностью
7
Царское село А.С. Пушкина
В памяти А.С. Пушкина одни из самых ярких воспоминаний были связаны с его учёбой в Царскосельском лицее.
Этой теме посвящено, как воспоминание, его знаменитое стихотворение "19 октября". В нём великий поэт вспоминает своих лицейских друзей (некоторых – поимённо).
Мне больше всего нравятся начальная и конечная строфы этого стихотворения:
Друзья мои, прекрасен наш союз!
Он, как душа, неразделим и вечен —
Неколебим, свободен и беспечен,
Срастался он под сенью дружных муз...
Куда бы нас ни бросила судьбина,
И счастие куда б ни повело,
Всё те же мы: нам целый мир чужбина;
Отечество нам Царское Село.
И Царское Село было для Пушкина действительно отечеством, где он всегда чувствовал себя, как дома.
Предлагаю читателям ещё один шедевр великого поэта: четверостишие, посвящённое одной из царскосельских скульптур, написанное в размере древнегреческого гекзаметра:
Царскосельской статуе
Урну с водой уронив, об утёс её дева разбила.
Дева печально сидит, праздный держа черепок.
Чудо! Не сякнет вода, изливаясь из урны разбитой,
Дева над вечной струёй вечно печальна сидит.
На это четверостишие команда поэтов под псевдонимом "Козьма Прутков" написала шуточный ответ, также гекзаметром:
Чуда не вижу я в том: генерал-лейтенант Захаржевский
Дно у сосуда пробив, воду пустил сквозь него.
Во времена установки статуи генерал-лейтенант Я.В. Захаржевский был управляющим Царскосельского, Петергофского и Гатчинского дворцовых управлений.
Показать полностью
1
О скульптуре «Пьета» Микеланджело Буонарроти
В период Высокого Возрождения (1490-1527) итальянские художники начали отвергать нереалистичные формы изобразительного средневекового искусства в пользу более реалистического подхода. В авангарде этой тенденции Микеланджело создавал скульптуры, в которых особое внимание уделялось балансу, деталям и реалистичному, хотя и идеализированному, подходу к изображению человека.
Скульптурная композиция Микеланджело "Пьета" (оплакивание) изначально создавалась для французского посла в Риме Жана Билэр де Лагрола, возможно, в качестве надгробия.
Но в конечном счете она очутилась в Соборе Святого Петра в Риме, причем не в качестве чьего-то надгробия, а как самодостаточная скульптурная композиция.
В сцене Пьеты изображена Дева Мария, держащая на коленях мертвое тело сына – Иисуса Христа после его распятия и снятия с креста, перед его захоронением.
Это одно из ключевых событий из жизни Девы, известное как Семь Скорбей Девы Марии, которое было предметом религиозных молитв католиков. Сюжет, вероятно, был известен многим, но в конце пятнадцатого века он чаще изображался в произведениях искусства во Франции и Германии, чем в Италии.
Микеланджело Буонарроти. Пьета
Это было особенное произведение искусства даже в эпоху Возрождения, потому что в то время многофигурные скульптурные композиции были редкостью.
Две фигуры Пьеты вырезаны таким образом, что они образуют единую композицию, которая образует форму пирамиды, что также одобряли другие художники эпохи Возрождения (например, Леонардо да Винчи).
Скульптурная группа вырезана из одного цельного блока мрамора.
Изучение каждой фигуры показывает, что их пропорции не совсем естественны по отношению друг к другу. Хотя их головы пропорциональны, тело Девы Марии больше тела Христа. Кажется, она такая большая, что, если встанет, то, скорее всего, будет возвышаться над своим сыном. Причина, по которой Микеланджело пошел на это, вероятно, заключалась в необходимости того, чтобы Дева могла поддерживать своего сына на коленях; будь ее тело меньше, ей было бы очень трудно или неловко держать взрослого мужчину так же грациозно.
И хотя большинство историков искусства считают, что диспропорция – вопрос перспективы, существует другая, более любопытная теория, которая восходит к традиции, в котором меньший масштаб Иисуса отражал писания немецких мистиков, которые считали, что Дева, в агонии своего горя, воображала, что она держит на коленях Христа – младенца.
В своей крайней печали и опустошении Мария, кажется, смирилась с тем, что произошло, и ее образ исполнен принятия этого факта. Талант Микеланджело здесь виден не только в тонко исполненной драпировке, но и в психологизме: скульптура сохраняет нежность, несмотря на очень трагический характер этой сцены.
Это момент, когда Дева Мария сталкивается с реальностью смерти своего сына.
В своей крайней печали и опустошении она, кажется, смирилась с тем, что произошло, и мы ощущаем ее принятие случившегося. Христос тоже изображен почти так, как будто он мирно спит.
В целом эти две фигуры прекрасны, несмотря на свои страдания. пусть они и идеализированы.
Великий шедевр Микеланджело отражает веру Высокого Возрождения в неоплатонические идеалы, что красота на земле отражает красоту Бога, поэтому эти красивые фигуры повторяли красоту божественного.
Когда произведение было завершено в 1499 году, оно было встречено в подавляющем большинстве хвалебными отзывами. Скульптура стала настолько знаменита, что Микеланджело, который известен тем, что никогда не подписывал свои работы, для подтверждения авторства написал на ней свое имя.
По словам известного искусствоведа Вазари, художник услышал, как зрители ошибочно приписывают произведение другому художнику. Поэтому «однажды ночью он заперся там [в соборе Святого Петра], принес немного света и свои доло́та, и вырезал на ней свое имя».
В заключение можно еще раз отметить, что скульптурная группа "Пьета" является одним из величайших произведений изобразительного искусства, когда-либо созданных человеком.
Показать полностью
1
О маньеризме и маньеристах
Многие из нас считают, что Ренессанс в европейском искусстве сменило Барокко. На самом деле это не так.
Направление в западноевропейском искусстве XVI века, сменившее Ренессанс и явившееся предшественником Барокко называется Маньери́змом.
Его основная особенность – спиритуализм, экзальтированность. Это выражается в причудливых очертаниях фигур, измененных пропорциях, сложно-изогнутых силуэтах.
В живописи маньеризма внешняя эффектность и красота формы была важнее духовного содержания. Искусство стало элитарным, и картины были насыщенны дополнительными символами и аллегориями, разгадать которые могли только очень образованные люди.
Художественные особенности Маньеризма:
1) Измененные пропорции
2) Аффективные, театральные жесты
3)Вычурные позы
4) Яркие краски
5) Отсутствие гармонии (это отличает маньеризм от Ренессанса)
6) Перенасыщенная композиция
Основные представители течения маньеризма:
Бронзи́но
Анджело Бронзино. Аллегория счастья.
Ора́цио Джентиле́ски
Орацио Джентилески. "Увенчание" Христа Терновым венком
Артеми́зия Джентилески
Артемизия Джентилески. Темная тайна Юдифи (Обезглавливание Олоферна)
Франческо Пармиджани́но
Франческо Пармиджанино. Портрет дамы в турецком костюме.
Кроме того, черты маньеризма можно найти у Тинторетто, Веронезе, Микеланджело и Эль Греко, хотя назвать их маньеристами невозможно.
Показать полностью
4
О происхождении китча
Весь 19-й век Парижский Салон был законодателем мод на живопись и скульптуру в Европе. Ценилась, прежде всего, реалистичность и качество живописи, тщательное прописывание даже мелких деталей и естественная природная колористика. Салон проводился один раз в году и выставлялись в нём до 500-600 художников (!).
Во второй половине 19-го века Промышленная Революция привела к появлению класса очень богатых буржуа. Этот класс разбогател необыкновенно и кинулся приобретать предметы роскоши. Представители этого класса стали покупать дорогие дома, виллы и даже замки, а пустые стены в этих жилищах нужно было тоже чем-то заполнять. Спрос на картины вырос многократно. Но новейшая живопись Сезанна, Ван Гога или Модильяни не воспринималась категорически, больше всего ценились художники, выставлявшиеся в Парижском Салоне и писавшие в академическом стиле.
Для художников, выставлявшихся в Салоне, участие в нем было своеобразным знаком качества, поэтому их живопись была очень дорогой.
Естественно сразу же возник чёрный рынок, где продавалась примерно такая же живопись, но значительно дешевле. И качество этой живописи соответствовало их цене. Больше всего ценились античные или библейские сюжеты с большим количеством обнажённых женских тел, танцующие Саломе́и, умирающие Клеопа́тры и окровавленные гладиаторы в двусмысленных позах.
Эти «художники» уверяли своих покупателей, что они постоянно выставляются в Салоне, а их живопись не имеет себе равных во всей Европе.
Постепенно эта второсортная живопись вытеснила с рынка первосортную.
Слово "салонный" приобрело свой уничижительный смысл, а бездарные художники продолжали пополнять свои банковские счета.
Вот так БЕЗВКУСИЦА стала полноправным игроком на европейском, а затем и на мировом, арт-рынке.
Само слово "китч" пришло к нам из США в 20-м веке и стало означать безвкусие и пошлость.
Но истоки этого явления лежат во Франции конца 19-го века.
Показать полностью
Коротко о Ренессансе, его зарождении, пике развития и угасании
Ренессанс прорастал из Высокого Средневековья. Его корни – в XIII веке, когда экономический рост, интенсификация торговли, хозяйственный и политический расцвет городов породили новое мироощущение, характеризующееся ростом индивидуального самосознания человека и пробуждением у него доверия и пытливого интереса к материальному миру. Эпоха изобилия и благополучия (относительного, но несомненного, в сравнении с суровым и скудным Ранним Средневековьем) высвободила творческие силы и предоставила материальные ресурсы, чтобы это новое мироощущение реализовать в культурных и художественных инновациях.
Альбом французского художника и архитектора Виллара де Онекура, например, наряду с орнаментальными мотивами и архитектурными планами, содержит штудии, в которых художник пытается отобразить строение человеческого тела и рисунок естественно лежащих складок ткани. Проще говоря, средневековый художник впервые начал целенаправленно изучать натуру.
Подобные творческие поиски происходили во всей Европе, но итальянские художники оказались в более выигрышном положении, поскольку имели перед глазами образцы античного искусства и могли учиться на них. В этом секрет удивительных творческих прорывов мастеров проторенессанса, таких как Николо Пизано, Чимабуэ, Джотто.
Античность стала школой не только для живописцев, скульпторов, архитекторов, но и для поэтов, писателей, философов.
При этом важно помнить, что в эпоху Ренессанса открытие мира и человека происходило, хоть и с опорой на античное наследие, но в рамках средневековых социальных структур, форм социальной и религиозной жизни. Авторитет Церкви и ее учение, не ставился под сомнение ни Марсилио Фичино, ни Пико делла Мирандола, ни другими ренессансными гуманистами и интеллектуалами. Мысль, хоть и обогатившись античной премудростью, оставалась религиозной на средневековый манер, подобно тому, как картина, на протяжении всего Ренессанса, оставалась, по сути, алтарным образом, несмотря на все успехи в передаче перспективы и объёма на плоскости.
Таким образом, эпоху Ренессанса имеет смысл рассматривать, как заключительную стадию Средневековья, когда, обогатившись античным наследием, средневековые формы мышления, культуры и искусства достигли пика своего развития и, одновременно, исчерпали свой потенциал.
Микеланджело. Пьета. Ренессанс.
Ренессанс ещё выплеснулся в первую треть XVI столетия, но этот переломный для европейской истории век принёс Реформацию, религиозные войны, а значит –религиозный скептицизм, агностицизм, начатки научного и атеистического мировоззрения.
Ушли в прошлое средневековые города-коммуны, средневековые формы социальной и политической жизни, средневековые формы мышления, культуры, искусства.
Новое время покончило со Средневековьем, а значит и с Ренессансом, который прорастал из Средневековья и не смог оторваться от своих корней.
На смену Ренессанса ненадолго явился Маньеризм (от итальянского maniera – «манера», «стиль») – течение в западноевропейском искусстве 1520–1590-х годов. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком.
А в дальнейшем, сменяя друг друга, в Европе возникали и исчезали Баро́кко, Рококо́, Неоклассицизм, Ампир, Модерн, Арт-нуво, Ар-деко и т.д.
Зимний дворец в С.-Пб. Барокко
Михайловский дворец в С.Пб. Ампир
Дом Зингера в С.-Пб. Модерн
Показать полностью
5
Венера Милосская. История обнаружения
Статуе Венеры Милосской было суждено стать одним из самых популярных и всемирно известных культурных символов. Официальных, абсолютно достоверных версий ее обретения почти не существует
Венеру обнаружили в апреле 1820-го года на острове Милосе – одном из островов архипелага Киклады Эгейского моря, находившемся тогда под властью Османской империи. А вот кто именно это сделал, до конца неясно. По наиболее достоверной версии её обнаружил грек Йоргос Кентротас, когда возделывал свой участок поля недалеко от античного амфитеатра, руины которого находились примерно в километре по склону горы. При этом то ли присутствовал, то ли оказался поблизости француз Оливье Вутье, французский морской офицер и писатель, любитель древностей.
На небольшую крипту наткнулись случайно, а в ней обнаружили статую, состоявшую из двух частей (ее верх и низ были созданы из отдельных мраморных блоков).
Там же лежало две гермы – столбика с резными головами бога Гермеса. Их древние греки ставили в различных местах, связанных с важными событиями. Это чем-то напоминает обычай славян после принятия христианства устанавливать памятные кресты.
Вутье в дальнейшем утверждал, что именно он нашел статую, а хозяин участка только помог извлечь ее из земли. Он сделал рисунки – отдельно верхняя, без рук, и нижняя части торса, а также две гермы с надписями на постаментах.
По поводу того, почему Венера Милосская оказалась без рук, существует другая версия. О ней ниже
Греки хорошо знали, что предметы древности можно выгодно продать европейским коллекционерам. Как раз это и провернул Кентротас.
Так совпало, что в это время на Милос по счастливому стечению обстоятельств прибыл Жюль Дюмон-Дюрвиль – знаменитый мореплаватель и ученый-энциклопедист. Но грек выставил большую цену, которую Дюмон-Дюрвиль не смог выплатить. Он написал послу Франции при Османской империи о находке и предложил купить её за государственный счет. Посол сомневался, но деньги все же выделил.
За это время Венеру чуть было не перехватили турки – дело дошло до драк между матросами французских и турецких судов. Затем последовали долгие переговоры и торг.
В итоге французы заплатили 836 турецких пиастров (курс тех времен был плавающий, но все равно сумма выходила приличная) и подняли на борт корабля «Эстафетт» верхнюю и нижнюю части статуи, а также осколки, отколовшиеся при неудачной транспортировке. Уже позже выяснили, что рук недосчитались.
Вторая версия отсутствия у статуи рук связана именно с этим инцидентом.
Про то, в каком положении находились руки, неизвестно. По основной версии в одной руке Венера держала яблоко, которое ей вручил Пари́с, как самой прекрасной из всех богинь и женщин мира.
Согласно другой версии, на скульптуре Венера одной рукой прикрывала грудь, а другой – пах.
До настоящего времени точно неизвестно, кто из скульпторов Древней Греции создал скульптуру. В разное время авторство приписывали то Пракси́телю, то Агеса́ндру Родосскому – создателю «Лаокоона с сыновьями», скульптуры, хранящейся в Ватикане.
Сейчас одним из предполагаемых авторов статуи считается Александр Антиохийский, поскольку на постаменте высечена надпись «Андрос, сын Менида, из города Антиохии Меандра сделал». И все же официально Венера числится за неизвестным скульптором.
Сегодня скульптура Венеры Милосской так же широко известна в мире, как картина Леонардо да Винчи Джоконда. И та, и другая хранятся в парижском Лувре.
Хочется подчеркнуть, что в мировой культуре утвердилось название «Венера Милосская». Но в действительности скульптор изобразил древнегреческую богиню любви Афродиту.
Показать полностью