На протяжении всех времен в мире музыки EP редко рассматривались как произведения высокого качества по сравнению с альбомами, и во многих случаях это соответствовало действительности. Большинство музыкантов относились к EP как к формату для неосновных композиций или возможности экспериментировать с новым звучанием перед выпуском полноценного альбома.
Однако не всегда это так. Иногда музыка, представленная в формате EP, является просто великолепной. Иногда даже является лучшим творением исполнителя за всю его карьеру.
Журнал REVOLVER опросил своих читателей, чтобы выбрать самый выдающийся EP в истории музыки, и, конечно, пятерка лидеров оказалась из самых тяжелых жанров.
The Devil Wears Prada - Zombie EP
В начале 2010-х годов фанатизм по поводу зомби пережил свое второе рождение благодаря популярности сериалов, таких как "Ходячие мертвецы", и фильмов, например "Зомбилэнд". В этот период группа The Devil Wears Prada выпустила свой металкор-релиз под названием Zombie EP, который представляет собой концептуальную запись, посвященную зомби-апокалипсису и наполненную звучанием бензопил, кинематографичными фразами и мощными брейкдаунами.
Поднявшись над эпохой поп-культуры и электронной музыки, TDWP представили великолепное произведение, демонстрируя, что металкор может быть мощным, тематически насыщенным и очень интересным.
Metallica - $5.98 EP: Garage Days Re-Revisited
В 1987 году группа Metallica была на перепутье: после трагической гибели басиста Клиффа Бертона они стремились найти новый путь с приходом на его место басиста Джейсона Ньюстеда из группы Flotsam and Jetsam.
Неожиданно для многих, трэш-металлисты решили подойти к этому темному моменту с определенной легкостью и выпустили EP под названием "$5.98 EP: Garage Days Re-Revisited" . Этот релиз представлял из себя ансамбль кавер-версий песен, посвященных их ведущим вдохновителям, включая Misfits, Killing Joke, Diamond Head и других. Благодаря своему уникальному подходу, все каверы звучат по-настоящему зажигательно, сохраняя дух Metallica, и EP до сих пор остается востребованным на протяжении трех десятилетий.
TOOL - Opiate
Некоторым группам может понадобиться выпустить один или два EP (или даже один-два альбома), чтобы набраться сил, но TOOL с самого начала шагали в ногу со временем. Будущие звезды альтернативного металла с грохотом выходили на сцену с Opiate - скрежещущим, мрачным и блестящим EP 1992 года, который представил миру их первородную мощь.
Открывающие треки "Sweat" и "Hush" до сих пор остаются одними из самых внушительных в их репертуаре. И хотя у группы было еще много места для роста как в техническом, так и концептуальном плане, "Opiate" по-прежнему остается удачным первым опытом, словно написанным человеком, полным страсти и аутентичности.
Nine Inch Nails - Broken
В кратком формате "Broken" заключены более интенсивные эмоции, чем это было бы возможно в виде альбома. Весь неотфильтрованный гнев и сексуальность сосредоточены в лаконичном, убийственном треклисте, который заставляет слушателя вовлечено прослушивать альбом от начала и до конца.
Безусловно, выделяется композиция "Wish", однако взрывные "Last" и пламенная "Happiness in Slavery" также представляют собой исключительные показатели мастерства Трента Резнора в индустриальном металле, написанные человеком, пронизанным страстью и экспрессией
Alice in Chains - Jar of Flies
Jar of Flies в буквальном смысле слова стал рекордсменом, став первым EP, дебютировавшим на первом месте в Billboard 200. Однако это не только творческий, но и коммерческий триумф. Полуакустическое продолжение EP Sap 1992 года запечатлело эру Лэйна Стейли в AIC в полной мере. "Rotten Apple" могла бы стать самой красивой песней группы - если бы "Nutshell" не была еще красивее.
В мире музыки существуют инструменты, которые переносят нас в совершенно уникальные звуковые пространства. От экзотических до странных, от восхитительных до виртуозных - эти инструменты поражают нас своим разнообразием формы, звука и способов игры. В этом материале мы погрузимся в удивительный мир музыкальных инструментов, рассмотрим их историю, строение и узнаем о том, как они восхищают нас своими звуками.
Терменвокс: Электромеханический инструмент, который создает звуки с помощью электромагнитных колебаний. Он уникален своим способом игры без физического контакта с инструментом.
На терменвоксе не требуется никакого физического воздействия на инструмент. Влияние на инструмент происходит путем движений рук в электромагнитном поле на некотором расстоянии от терменвокса. Эти движения немного напоминают движения дирижера перед оркестром.
Электромагнитное поле создают два генератора высокой частоты, которые встроены в инструмент. Один из генераторов имеет постоянную частоту, второй — переменную. Генератор с переменной частотой имеет антенну, которая реагирует на изменение расстояния между рукой музыканта и инструментом, и меняет частоту генератора. По итогу, из одной частоты вычитается вторая — и нашему слуху предстают чудесные звуки терменвокса.
Появился инструмент случайно — при исследовании области науки, которая к звуку и музыке отношения не имеет.
Лев Термен трудился в Петрограде, в физико-техническом институте. Занимался разработкой способов измерения диэлектрической постоянной газов при различных температурах и давлениях. Пытаясь увеличить чувствительность своей измерительной аппаратуры, Термен случайно обнаружил, что, когда разница между частотами двух генераторов попадает в звуковой диапазон — наблюдатель может услышать необычные звуки.
Инструмент оказался очень чувствительным и реагировал на малейшие колебания магнитного поля. Вдохновленный своим открытием, Термен сконструировал небольшой музыкальный инструмент и назвал его «Этерон» (ether — «эфир»). Но сообщество ученых, которым Термен представил свой инструмент, окрестило его в честь изобретателя — «терменвокс» (vox – «голос» на латыни).
Эрху: Традиционный китайский инструмент с двумя струнами, который играется с помощью смычка. Он имеет неповторимый звук и используется в классической и народной музыке.
Музыкальный инструмент эрху ( 二胡) впервые появился в эпоху династии Тан, более тысячи лет назад. Как полагают историки, он произошёл от хициня — инструмента среднеазиатского народа Хи.
Эрху является одним из главных инструментов Китая. Являясь разновидностью китайской скрипки, эрху обладает рядом уникальных особенностей.
Эрху держится вертикально и состоит он из длинного грифа твердых пород дерева на вершине, которого два больших колка; корпуса резонатора, покрытым в передней части кожей питона и струн, а играют на нем специальных смычком. Интересно, что смычок протягивается между двух, очень близко расположенных между собой, струн и составляет единое целое с инструментом.
Длина традиционного эрху составляет 81 см., длина его смычка также 81 см.
Гамелан: Индонезийский ансамбль ударных инструментов, включающий металлические лепестки и барабаны. Он создает уникальные мелодичные звуки и используется в традиционной индонезийской музыке.
Главная роль в гамелане принадлежит многочисленным ударным типа металлофонов и ксилофонов. Музыкант играет на них, ударяя по металлическим или деревянным пластинкам специальным молоточком с мягкими наконечниками. В крупных оркестрах главную тему ведет металлофонический сарон (saron). Ему аккомпанирует гамбанг (gambang). Хотя выглядит он просто – два десятка простых деревянных дощечек – звук при ударе получается ни с чем не сравнимый. В небольших оркестрах ведущую роль обычно играет гонговый бонанг (bonang), большой, средний или малый. Это примерно полтора десятка маленьких гонгов, подвешенных в два ряда над звучащим деревянным ящиком. Звук у них мягкий и певучий. Он долго длится и медленно угасает, завораживая слушателей.
Ондес Мартено: Электромеханический инструмент, который создает звуки с помощью ультразвуковых колебаний. Он часто использовался в классической музыке 20 века и имеет характерный футуристический звук.
Инструмент Волны Мартено был сконструирован в 1920-х годах во Франции Морисом Мартено.
В левой части инструмента расположена кнопка, играющая роль смычка. Для извлечения звука, музыканту необходимо нажать клавишу на клавиатуре, либо натянуть нить до соответствующей позиции и нажать левую кнопку. Сила нажатия на неё управляет атакой и громкостью. Рядом имеется переключатель режимов управления (при помощи клавиатуры либо нити) и переключатели тембра.
Ханг: Несколько голосов металлических тарелок, сложенных в форме обратной волны. Он создает мягкие, резонирующие звуки и используется для медитаций и релаксации.
Ударный музыкальный инструмент, металлофон. Состоит из двух соединенных между собой металлических тарелообразных частей — нижней GU и верхней DING. На верхней стороне по кругу расположены 7—8 зон ударов с различной высотой звучания. В центре этого круга, на вершине, находится шишкообразный выступ (как на яванских гонгах). В центре нижней стороны находится резонаторное отверстие диаметром 8—12 см, на котором можно играть как на уду или использовать для изменения звучания воспроизводимых тонов. Удары по хангу наносят кончиками пальцев, большими пальцами, основанием кисти. Играют сидя, располагая ханг на коленях.
В начале 1980-х годов синти-поп стал крупным феноменом в музыкальном мире. Он возник в результате слияния электронной и поп-музыки, приобретая уникальное звучание и узнаваемый стиль. Синтезаторы, ранее использовавшиеся главным образом в электронной музыке, стали центральным элементом синти-попа, добавляя в его звучание футуристическую эстетику и новаторство.
Одним из ведущих пионеров синти-попа была группа Kraftwerk. Их альбомы, такие как "Autobahn" (1974) и "Trans-Europe Express" (1977), сразу же стали вехами в истории синтезаторной музыки.
Композиции Kraftwerk, исполненные с использованием электронных инструментов и пронизанные техноидно-роботичным звучанием, положили основу для будущего развития жанра.
В первых нескольких абзацах мы рассмотрим поверхностную информацию. Поиграем локальную Википедию. А чуть дальше постараемся копнуть глубже и понять: почему когда мы слышим словосочетание синти-поп наши мозг не рисует нам образы попсовой сцены, а слышим мы что-то более глубокое, музыку которая смогла раздвинуть рамки эстрады того времени.
В середине 1970-х годов появление синтезатора Yamaha CS-80 привлекло внимание многих музыкантов. Этот инновационный инструмент разбудил фантазию музыкантов и позволил им создавать более сложные, многослойные аранжировки. Этот синтезатор использовали такие артисты, как David Bowie, Gary Numan и Ultravox, что помогло сформировать звучание раннего синти-попа.
Данный инструмент был основой всего. По этому стоит уделить немного внимания, то что помогало в развитию жанра.
Несколько известных моделей благодаря которым я сегодня могу писать этот текст.
Moog Minimoog: Это один из самых известных и влиятельных синтезаторов в истории. Его теплый и насыщенный звук сделал его популярным среди многих музыкантов, включая группы Depeche Mode и Kraftwerk.
Moog Minimoog: Это один из самых известных и влиятельных синтезаторов в истории. Его теплый и насыщенный звук сделал его популярным среди многих музыкантов, включая группы Depeche Mode и Kraftwerk.
Roland Jupiter-8: Этот синтезатор был широко использован в ранней синти-поп музыке благодаря своим мощным звуковым возможностям и способности создавать богатые аналоговые текстуры. Группа Duran Duran использовала его во многих своих хитах.
Yamaha DX7: Этот синтезатор был первым массовым цифровым синтезатором и стал особенно популярным в 80-х годах. Он имел яркий и четкий звук, который можно услышать в многих хитах того времени, включая песни A-ha и Whitney Houston.
Oberheim OB-X: Это еще один классический аналоговый синтезатор, который получил широкое признание в ранней синти-поп музыке. Его богатый и динамичный звук был популярным среди группы Pet Shop Boys и Howard Jones.
Korg Polysix: Этот синтезатор представлял собой полифонический аналоговый синтезатор с встроенным аналоговым секвенсором. Он был популярным среди многих синти-поп групп, включая Soft Cell и Devo.
Настоящий прорыв синти-попа произошел с появлением группы Depeche Mode. Их альбомы "Speak & Spell" (1981) и "A Broken Frame" (1982) принесли им мировую известность и установили новые стандарты в жанре. Сочетание синтезаторов, танцевальных ритмов и эмоциональных текстов песен стало их фирменным стилем и вдохновило множество групп, следующих за ними.
С интенсивным развитием технологий и доступностью синтезаторов, синти-поп распространился по всему миру, сформировав собственные сцены и поджанры. Группы, такие как Pet Shop Boys, New Order и Human League, продолжили развивать звучание синтетической поп-музыки, добавляя в него элементы индустриальной электроники, диско и постпанка.
Жанр привносил не только новое звучание на популярную сцену. Он развивал смысловую нагрузку песен. Темы затронутые артистами стали более глубокими, а те что касались извечных проблем в отношении и любви имели новый стилистический оттенок которые не был похож на то что мы слышали раньше.
Технологии и будущее. Многие песни обращались к теме технологического прогресса и его влияния на общество. Они часто выражали футуристическую эстетику и идеи о возможностях, которые предлагают машины и компьютеры. Тексты часто звучали похоже на научно-фантастические рассказы, создавая ощущение новой эпохи и возможностей. Kraftwerk - "The Robots" ("Die Roboter") - эта песня рассказывает о том, как роботы могут заменить людей в различных сферах жизни и вызывает вопросы о будущем технологии и искусственного интеллекта.
Романтика и человеческие отношения. Вслед за технологической темой, синти-поп также перекликался с темой человеческих отношений. Песни погружались в тему любви, одиночества, общения и разочарования. Отношения между людьми и их эмоциональный мир оставались важными темами, несмотря на футуристические образы. The Human League - "Don't You Want Me": Эта песня повествует о разрушительном разводе между двумя людьми и неразделенной любви. Она поднимает тему сложности и несовместимости человеческих отношений.
Социальная критика. Некоторые тексты синти-попа коснулись социальных проблем и неравенства в обществе. The Human League, поднимали вопросы о стереотипах пола и ролей в отношениях, а также о манипуляции и контроле в обществе. Тексты часто вызывали размышления о повседневных проблемах и вызывали сочувствие к людям, столкнувшимся с ними. Depeche Mode - "Enjoy the Silence": Эта песня отражает желание уйти от шумного и беспокойного мира и найти уединение и покой. Она играет на теме одиночества и поиска внутреннего покоя.
Некоторые тексты были весьма абстрактными и экспериментальными. Они играли с языком и образами, создавая зыбкую, загадочную и многозначную атмосферу. Яркий пример Orchestral Manoeuvres in the Dark - "Enola Gay", песня, названная в честь бомбардировщика, проливает свет на историческую тему. Она критически относится к атомной бомбе и войне, вызывая рефлексию о последствиях человеческой технологии.
Ранний синти-поп часто описывают как "жуткий, безжизненный и слегка угрожающий" жанр, использующий застывшие электронные звуки с минимальными изменениями в интонациях. Распространенными темами в текстах песен были изоляция, урбанистическая аномия и ощущения эмоциональной холодности и пустоты.
В конце 1970-х и начале 1980-х годов в европейской роке и поп-музыке сформировалась преимущественно немецко-английская сеть музыкантов, представляющую собой воображаемый мир транснациональной музыкальной активности, основанный на исследовании новых электронных синтезированных звуков и возрождении гитарной англо-американской рок-музыки. Традиционные критерии музыкальности казались второстепенными в попытках переделать звучание рока. Эта музыка перешла границы и размыла линию между “отсталым” роком и модным попом и диско.
Становится все более ясным, что 1979-80 годы стали переломным моментом – временем, когда целый мир (социал-демократический и индустриальный) устарел, а очертания нового мира (неолиберального, потребительского, информационного) начали проявляться. Для людей того времени этот переход не казался столь ярко выраженным. Однако если мы сейчас начнем погружаться в историю того перехода, для нас это будет более выражено через призму времени.
Но есть конечно главный вопрос: как сама музыка претерпела трансформацию, и как стилистические изменения посредством использования художниками технологий были привнесены в жанр? Самое простое сравнение это наверное как кино переделало искусство в начале 20-го века, так “электронная музыка” трансформировала музыку 60-х.
Электронная музыка занимает сложное место в этом процессе формирования нового мира. Ее расширение за последние 50 лет является следствием компьютеризации и оцифровки нашего мира. Начиная с Sony Walkman и продолжаясь в облачном хранении мы стали свидетелями взрывного роста потребления и проникновения музыки во все более широкие сферы нашей жизни.
С другой стороны, электронная музыка всегда была связана с чем то таинственным и пугающим. В послевоенные годы электронные звуки использовались для изображения призраков или инопланетян (заметно во многих фильмах категории Б). Знаменитая музыка из сериала "Доктор Кто", написанная Делией Дербишир, стала вехой в развитии “пугающей электроники" и находит свое отражение в более поздних произведениях, таких как John Foxx "Burning car"
Ранний британский синти-поп процветал на этих противоречиях. С одной стороны, он использовал новейшие технологии и изобретал стиль, который уже к 1981 году стал очень модным. Это прокладывало путь для более легких форм электронной поп-музыки, которые стали основой для последующих 80-х годов. С другой стороны, они использовали звук этих новых инструментов, чтобы создать песни о чувстве угрозы и тревоги в обществе.
Электронная музыка выросла за последние пять десятилетий. В начале 70-х она была маргинальной, в основном занимала определенные ниши, такие как музыкальные консерватории, радио, телевидение и кино. В поп-музыке она либо имела ценность новизны, либо использовалась для “украшения” музыки, которая основывалась на не электронных инструментах - как например использование Дэвидом Боуи меллотрона на песне "Space Oddity".
Поздние 70-е годы стали периодом популярного прорыва. В Европе, Японии и США новые группы начали производить популярную электронную музыку, где аналоговые синтезаторы и драм-машины были основой в создании целых композиций
В эпоху панка появилось ощущение того “монополия” рока пришла в тупик. Синтезатор представлял собой “новое”, и музыка, создаваемая на синтезаторах, выделяла кризис который начался в музыкальной среде повсюду. Проще говоря электронная музыка четко показала что “рок-н-ролл” действительно если не мертв, то остается на плаву из последних сил. Синтезатор был в роли оркестра в коробке, предоставляя возможность молодым музыкантам воплотить свои фантазии при этом обладая “ограниченным” ресурсом.
В США электронная музыка должна рассматриваться в контексте доминирующей формы популярной музыки над роком. Мы можем проследить таймлайн от раннего использования синтезаторов Стиви Уандером и Херби Хэнкоком до раннего электро-техно 80-х годов и затем хип-хопа. Музыканты в США также осознали потенциал сэмплирования раньше других стран и использовали его для развития электронного жанра в новый международный стиль - это видно в треке «Planet Rock» Afrika Bambaataa, в котором использовались сэмплы Крафтверк и влияние Гэри Ньюмана.
Синтезаторы также нашли применение в панк-сцене США с группами, такими как Suicide. В отличие от своих коллег из Великобритании, которые придерживались более традиционного музыкального состава, Suicide возникли в экспериментальной сцене Нью-Йорка, которая была более связана с визуальным искусством и видела «панк» свойства синтезаторов для создания их “шок” контента.
Немецкая электронная музыка возникла напрямую из контркультуры 60-х годов. Группы Kraftwerk и Tangerine Dream начинали свою карьеру в студенческих коммунах. Их музыка была важной частью молодежного движения. Их музыка была полным противопоставлением тому к чему привыкла Германия в военные и послевоенные годы. В результате к середине 70-х годов немецкие группы разработали основные стилистические особенности всей последующей электронной поп-музыки. Дюссельдорфе группы, такие как Neu!, La Düsseldorf и Kraftwerk, создали своеобразный синкопированный ритм, названный Motorik. Это основательныц ритм в соотношении 2:2, который исполняется на высокой скорости с некоторыми временными задержками, чтобы имитировать движение автомобилей, поездов и других механических транспортных средств.
Берлинская сцена пошла по другому пути, изобретая Космическую музыку. Альбом "Phaedra" (1974) группы Tangerine Dream, пожалуй, наиболее известный пример этого стиля, создавал длинные инструментальные композиции, которые подчеркивали окружающие и тембральные свойства электронного звука, а не его механические свойства.
Британский синти-поп был отличительным за счет сочетания механических ритмов и интереса к драм машинам вместе с использованием синтезаторов для создания атмосферных звуков.
Ситуация в Японии напоминала Германию. В 60-х годах наблюдался подъем молодежного активизма, направленного против схожих поствоенных отрицаний и культурной капитуляции перед США. Синтезаторы дали возможность группам, таким как Yellow Magic Orchestra (YMO), присоединиться к звучанию и идеям Kraftwerk в сопротивлении влиянию "штатов", но они охватили более широкий спектр, используя более яркую и эмоциональную мелодическую палитру. Главная ирония заключается в том, что расширение электронной музыки в значительной степени осуществлялось японскими корпорациями, такими как Yamaha, которые массово производили более доступные модули по сравнению с ранними американскими производителями синтезаторов, такими как Moog.
Одной из самых ярких особенностей британского синти-попа является его увлечение автомобильными авариями, бетонными структурами и общими фантазиями о нео-бруталистской архитектуре в период, когда послевоенный модернизм был в кризисе, а постмодернизм находился в подъеме.
Down in the park where the Machmen
meet the machines and play kill by numbers
down in the park with a friend called five.
I was in a car crash or was it the war
well I’ve never been quite the same.
Tubeway Army, Down in the Park (Replicas, 1979)
Автомобильная авария выступала в качестве символического знака глубокой личной связи с машинами в период, когда коллективное чувство надежды на машины и их способность преобразить жизнь было в кризисе.
К концу 1970-х годов эти беспокойства стали культурным парадигмой. В кинематографе научно-фантастические фильмы, такие как "Молчаливый бег", "THX 1138", "Бегущий по лезвию", "Роллербол" основывались на парадигме механизированного мира как тюрьмы, из которой человеку нужно сбежать, так как эта среда враждебна к нему.
В литературе книги Балларда и Филипа К. Дика освещают фантазии, желания и потребности, возникающие в результате интеграции машин в быт простых людей. Дик исследует границу между человеком и машиной. Главный вопрос: что остается человеческим, а что становится машиной ("Мечтают ли андроиды об электроовцах?"). В "Убике" мы получаем предчувствие цифровой тоталитарности, где машины захватывают наше жизненное пространство, например в виде говорящих дверей, которые требуют платежа перед открытием.
В "Бетонном острове" Балларда эта тревога человека, где главный герой оказывается запертым на острове, когда его автомобиль съезжает с бетонной эстакады, запертый между автострадами, он борется за свое освобождение .
Все эти страхи переживания быстро находят отклики в жанре. Даже изменения политики застроек и архитектуры находит отзыв в творчестве.
Вместо отвержения новых проектов, они заняли двусмысленную позицию. Футуристические цели современной архитектуры и строительства дорог были воплощены в музыку посредством усиления чувства изоляции.
John Foxx. Как студент дизайнер, он изучал передовые движения начала 20-го века, и мы можем видеть, как его альбом "Metamaric" является данью этим движениям. Тексты к открывающему треку "Plaza" создают связь между обещанием современного пространства и реальностью форм, дизайнерской катастрофы.
"Так вот мы идем в студию, чтобы записать наш дебютный альбом, и в углу комнаты стоял Minimoog. Я никогда раньше не видел такого. Я довольно увлечен техникой, поэтому меня завораживало это устройство. Я не знал, как его настроить, поэтому я просто нажал на клавишу, чтобы услышать его звук, который стал известным звуком Moog, этим глубоким рычанием, и комната задрожала. Это было самое мощное ощущение. Это было как землетрясение, и я просто полюбил его. И прежде чем группа даже успела закончить установку оборудования, я уже погрузился в работу над изменением наших песен в псевдо-электронные."
Одно из интервью Гэри Ньюмана.
1970-е и начало 1980-х годов ознаменовали переход от аналоговых к цифровым технологиям. В течение 1970-х годов возникло явление, связанное с миниатюризацией, вызванное конкуренцией между США, Германией и Японией. За очень короткий период новые технологии преобразили производство и потребление, техника стала более персонализирована: видеомагнитофоны, фотоаппараты Polaroid, плееры Walkman, радио магнитолы, персональные компьютеры, игровые автоматы и беспроводные телефоны. Все это перестало ассоциироваться с коммерческой техникой, а стало плотно проникать в наши дома и карманы. И все это толкало прогресс к следующему шагу: оцифровке. Главной революцией было уменьшение размеров магнитной ленты. Магнитные ленты, разработанные в середине 20-го века, требовали громоздкого оборудования. С ее уменьшением стало возможным уместить фильм на видеокассету и слушать музыку с помощью кассет, которые можно было поместить в карман.
Все это также начало отображаться на Британской синти-поп сцене. Камера Polaroid находила отражение в названиях альбомов и текстах японских групп, а также использовалась в качестве шаблона для оформления обложек (например, обложка альбома "Systems of Romance" группы Ultravox, 1978 года).
С 1980 года в британском синти-попе и смежных группах, таких как Visage, начали активно использовать видеоклипы для интеграции звука через изображения, в то время такие группы как например Human League, открыто выступали с магнитофонами, демонстрируя, что является живым исполнением, а что заранее записанным.
На обложке альбома "Art of Parties" группы Japan 1981 года Дэвид Сильвиан позирует с портативным плеером Sony Walkman, в то время как Heaven 17 (отделившись от Human League) используют беспроводные телефоны в своих вымышленных изображениях лондонской фондовой биржи на обложке альбома "Penthouse and Pavement" (1981).
Нигде влияние технологий не было столь значительным как в музыке, синтезатор превратил музыку в продукт прогресса, стерев связи между звуком и инструментами.
До появления электроники, музыка ассоциировалась с акустическими инструментами, звуки рождались из материала и конструкции или способах игры на инструменте. Духовые и струнные инструменты были визитной карточкой классического оркестра, а различие между щипковым и смычковым звуком показывало, как звук зависит от способа его извлечения. Электронная музыка разрушила эти взаимосвязи.
В послевоенный период были попытки создания электронной музыки, в основном через манипуляцию магнитными лентами. Эта музыка оставалась маргинальной так как технологии того времени не позволяли извлечь широкий спектр звуков. Эту проблему решил в 1960-х годах Роберту Мугу, который связал звуковой процессор с клавиатурой. Таким образом, он создал возможность исполнять синтетический звук с использованием темперированной системы. К концу 1970-х годов появились первые относительно дешевые модели синтезаторов.
В то время, когда молодые артисты открыли для себя синтезаторы, знакомство с новым способом создания звука полностью отличным от привычного, придало музыке ощущение "футуризма", аналогичное футуризму раннего 20-го века. Звук первых аналоговых синтезаторов нельзя спутать не с чем, характерные тембры, глухой барабанный стук, изящное струнное звучание - все это теперь стало символом той эпохи. Они звучали чуждо для обычного слушателя, особенно для тех у кого музицирование было связано с акустическими инструментами. Технология в то время была "грубой", и именно эти качества выделяют раннюю британскую синти-поп сцену.
Для своего первого преимущественно электронного альбома "The Pleasure Principle" (1979) Гэри Ньюман разработал сильно ограниченную палитру звуков. Это был глубокий гудящий базовый звук. Он использовал этот звук в начале песен "Films" и "Cars", где он плавно входит, создавая зловещую атмосферу. Во-вторых, это были его характерные струнные звуки, которым он использовал для создания разреженных и торжественных мелодий. В "Cars" он поддерживает этот звук на одной ноте до 20 секунд, а в "Films" использует его сильный эффект. Это был максимально минималистичный звук! Далее перкуссии - резкий и неустойчивый звук и с медленным затуханием и быстрым окончанием. Как будто кто-то бросил штангу на пол в пустом зале.
Опять же, это широко использовалось Джоном Фоксом в "Metamatic" и позднее сэмплировалось Depeche Mode в их период 1983-1987 и с тех пор стало неотъемлемым для индастриал-музыки и электронной танцевальной музыки.
Human League имели более широкую звуковую палитру. В их ранних демо-записях (неопубликованных до 2002 года) и первых двух альбомах они концентрировались на создании звуков, которые жужжат и отличаются особой грубостью. "A Bird and Baby", звук грубый, но при этом полон электричества. В большой степени ударные инструменты исполняются на синтезаторах, а не на драм машине (это изменится кардинально в их альбоме 1981 года "Dare"). Это придает перкуссии более широкое звуковое разнообразие, чем обычно бывает у электронной барабанной партии.
Звуковая палитра в альбоме "Metamatic" Джона Фокса представляла собой следующую стадию сложности. Он использовал те же базовые звуки, что и Гэри Ньюман, но с большей тонкостью и изменениями между треками. что было показателем более глубокой работы с синтезатором. Он также использовал подобное разнообразие перкуссионных звуков, производимых на синтезаторах, как Human League, но дополнительно он черпал вдохновение из эмбиента созданного Tangerine Dream и Brian Eno. Знаковым отличием был созданным Фоксом “длинный волновидный звук, производимый синусоидой с низкой атакой, но очень высоким поддержанием”. Он играл его на одну октаву ниже звука струн Ньюмана. В отличие от последнего, у него есть более успокаивающее и релаксирующее качество, которое он использовал с большим эффектом в "Touch and Go", дополняя его утопическими модернистскими текстами дополняя тем самым основу ритм-секции Motorik.
Синтезаторы могут создавать звуковые атмосферы, которые внушают ощущение ужаса . Их способность производить неестественные, мистические и пронзительные звуки может вызывать чувство неприятной реальности. Звуки, особенно те, которые приподнимаются с низов или имеют необычный тембр, могут создавать ощущение загадочности и запутанности.
Ужас неотделим от ощущения внешнего - то, что выходит за границы привычного и знакомого. Такие пространства, где человеческое присутствие отсутствует частично или полностью.
“Ужас в основном связано с внешней средой... Чувство ужасного редко охватывает закрытые и заселенные домашние пространства: мы чаще встречаем его в пейзажах, частично освобожденных от присутствия людей. Что произошло, чтобы привести к этим руинам, этому исчезновению? Какая сущность была вовлечена? Какое это было создание, издавшее такой ужасный крик?... Ужасное неразрывно связано с вопросами субъектности... Они также применимы к силам, управляющим капиталистическим обществом.”
Марк Фишер (2016)
“Когда я впервые приехал в Лондон, он казался очень похожим на Ланкашир, откуда я приехал. Но Ланкашир уже был разорен. Заводы закрылись, экономика начала сдавать позиции. Мы чувствовали себя словно инки после прохода испанцев. Беззащитными, дикарями, бродящими по руинам.
Я вырос, играя в пустых фабриках, в огромных местах, поглощенных растительностью. Я помню деревья, вырастающие из зданий, я помню смотря на все это и задавался вопросом, каким это было, когда все работало. Вся моя семья работала на фабриках и в шахтах. И все это медленно уходило в небытие, исчезало.”
Марк Фишер (2014)
Listening to the music that the night makes,
I felt the floor change into an ocean
We’ll never leave here never
We’ll stay in here forever
And when the streets are quiet
We’ll walk out in the silence.
Ultravox, Just for a Moment (Systems of Romance, 1978)
Для ранних британских исполнителей синти-попа ужас стал выражением их отчужденности от Великобритании. Эти музыканты не чувствуют себя как дома у себя родине. Часто они сосредотачиваются на внешних пространствах - городах, автомагистралях, зданиях. Когда они оказываются внутри зданий, часто они изображают себя в одиночестве, стоя в пустой комнате или смотрящими на экран, словно их преследует что-то снаружи и что-то что мы не можем увидеть.
Было много постов, что вот, слушал я песни, а вырос и узнал язык, понял что поют всякую чушь. Вот мне интересно, это что за песни. Какие группы их поют? Я знаю английски. И, по крайней мере, те группы (The beatles, pink floyd, dire straits, the doors, uriah heep, deep purple, abba), которые я слушаю не пели всякую чушь несусветную. Да, то что ранние битлы писали тексты в стиле руки вверх, согласен, мрак.
Приветствую, любители хорошей музыки. Год занимаюсь гитарой и вчера выпустил свой первый гитарный кавер. Это мой первый опыт в сведении звука, так что надеюсь, вам понравится!
Я люблю концептуальные альбомы. Приятно, когда музыканты не просто сочиняют музыку, а продумывают смыслы или даже сюжеты для своих песен. В случае с этой группой, мы имеем дело с концептуальным творчеством, затрагивающим всю (почти) дискографию команды.
На этой пластинке можно найти как мимолётные отсылки, так и прямые упоминания на предыдущие альбомы. Таким образом, можно попробовать выстроить цельную картину происходящих событий. Именно попробовать, ведь противоречивые персонажи постоянно морочат голову и слушателю, и главному герою. Сюжет с одной стороны прост, но может трактоваться по разному. Авторами поднимаются темы безумия, самокопания, разбитые мечты, надежды и многое другое.
Музыканты описывают своё звучание как смесь русского рока, хип-хопа и цифровой электронной музыки. Точнее и не скажешь. Казалось бы, такое соседство может только навредить, но нет, такая комбинация отлично работает. Каждый компонент дополняет друг друга. Получается приятная музыка, которую можно слушать в любой ситуации, под любое настроение. Неважно как слушать альбом: целиком или отдельные песни — в отрыве от пластинки композиции не теряют смысла.
Всем любителям красивой музыки и философских сюжетов к прослушиванию рекомендуется.
Любимые треки
Часть 1:
Лекарство от безумия
Бей беги
Часть 2:
Разлом
Поздно
P. S. Текст взят из моего телеграм-канала. Если вам понравилась эта запись, то приглашаю вас присоединиться — здесь вас ждет увлекательное путешествие в мир книг, кино, музыки и просто интересных мыслей! Обзоры на фильмы, рецензии на книги, музыкальные новинки и многое другое ждут вас на канале — https://t.me/broadcasting_p. Залетайте, Камрады, будет интересно!