С одной стороны, у Квентина Тарантино нет рамок в творчестве: в его фильмографии свободно уживаются картины о криминале, вестерны и грайндхаус. Однако особняком от остальных его работ стоит фильм «Джеки Браун», о котором обычно вспоминают в последнюю очередь.

Это странное произведение сочетает в себе узнаваемые черты творчества режиссёра — отличный подбор музыки и замечательную игру актеров, — но содержит странные моменты, которые позже у него не повторялись. Кинокритики до сих пор спорят, был этот фильм экспериментом для Тарантино или очевидной неудачей, о которой он предпочёл забыть.

Главная особенность фильма — в том, что он снят не по оригинальному сценарию постановщика, что в дальнейшем у Тарантино не повторялось. Режиссёр зачастую делает целенаправленные оммажи к своим любимым фильмам и может позволить себе напрямую цитировать некоторые сцены из них.

Однако «Джеки Браун» — это экранизация романа «Ромовый пунш» Элмора Леонарда, одного из любимых писателей Тарантино. Строго заданные рамки соответствия книжному оригиналу наложили негативный эффект на режиссуру: там, где сценарий мог дать неожиданный оборот или удивить напряжённым диалогом, не происходит ничего особенного. Фильм Тарантино, который не искрит блестяще написанными диалогами и не позволяет великолепным актерам раскрыться на полную, уже звучит фантастически и чужеродно.

Этому можно дать простое и логичное объяснение: после успеха «Криминального чтива», в одночасье ставшего народным хитом, режиссёр пытался найти новую формулу для своих фильмов и сделать что-то нетипичное — то, чего аудитория от него никогда бы не ожидала.

Это прослеживается даже в структуре картины: она хронологически линейна, в отличие от его предыдущих фильмов. Отсылки к культовым произведениям и фирменное внимание к мелочам не красят общую картину. Средние на фоне остальных фильмов режиссёра оценки от аудитории и неоднозначное отношение со стороны профессиональных кинокритиков подтверждают, что постановщику не следовало пытаться выйти из своего формата, в котором он был одним из лучших.

Благо, последовавшими фильмами Тарантино убедил своих поклонников в том, что он не растерял хватку. Сейчас он продолжает радовать зрителей новыми фильмами.

Стивен Спилберг и «1941»

«1941» Спилберга — необычный фильм сам по себе. Это сатирическая комедия о Второй мировой войне, где показывается паника в Лос-Анджелесе после нападения на Пёрл-Харбор. Смелая идея от прославленного режиссёра привлекла внимание зрителей и критиков ещё на стадии анонса. Но необычная концепция разваливается на части, и делу не помогают ни сам постановщик, ни сценарный дуэт Роберта Земекиса и Боба Гейла, позже подаривший миру трилогию «Назад в будущее».

Основная проблема фильма — неумелые потуги на шутки, которые смотрятся совершенно неуместно. Картина пытается рассмешить зрителя в каждой сцене, но делает это неуклюже и без капли обаяния. Всё происходящее в фильме настолько хаотично и сумасбродно, что зритель постепенно перестает понимать, в чём суть конкретных сцен и где ему надо смеяться. Комедия, в которой не работает юмор, всегда обречена на провал, что и произошло в конечном итоге с «1941».

Особенно странно этот фильм выглядит на фоне более поздних «Империи Солнца», «Списка Шиндлера» и «Спасти Рядового Райана», события которых тоже разворачивались во время Второй мировой войны. Спилберг не похож на большого любителя сатиры, многие его картины предельно серьёзны и драматичны. Чем он руководствовался, взявшись за эту тему, и почему вообще решился на создание этого фильма на фоне бешеной популярности «Челюстей» и «Близких контактов третьей степени» — неизвестно.

В мире, где существует «Доктор Стрейнджлав, или как я перестал бояться и полюбил атомную бомбу», «1941» выглядит нелепо. Пресса разгромила фильм, называя его полным разочарованием, а зрители и по сей день считают именно эту картину худшей в фильмографии прославленного режиссёра. Но эта неудача не помешала Спилбергу, и уже через два года он выпустил «Индиану Джонса: В поисках утраченного ковчега», а затем и «Инопланетянина».

Сейчас эту картину вспоминают лишь в контексте величины фигуры Спилберга. Многие поклонники мастера заблаговременно обходят этот фильм стороной, и даже сам Спилберг предпочитает не вспоминать о нём лишний раз.

Как и в случае с «Джеки Браун», «1941» оказался одноразовой попыткой сделать что-то новое. В дальнейшем Спилберг никогда не снимал чистокровные комедии и нашёл себя в приключенческом жанре и военных драмах.

Дэвид Финчер и «Загадочная история Бенджамина Баттона»

Дэвид Финчер считается настоящим мастером триллеров. Его работы, среди которых «Семь», «Бойцовский клуб» и «Исчезнувшая», регулярно попадают в списки лучших фильмов этого жанра. К тому же, картины Финчера отличаются мрачной атмосферой и напряжёнными историями, не втянуться в которые попросту невозможно. «Загадочная история Бенджамина Баттона» попросту не вписывается в его фильмографию, так как она сохранила в себе лишь малую толику узнаваемых черт творчества режиссёра.

Этот фильм вполне мог бы снять кто-нибудь другой без потери смысла и общей атмосферы. И это неудивительно — среди кандидатов на пост режиссёра студия рассматривала Стивена Спилберга и Рона Ховарда, которые знали толк в постановке подобных картин. Не совсем ясно, чем эта сентиментальная история привлекла Финчера, но студия явно не прогадала с выбором: большие кассовые сборы и 13 номинаций на «Оскар» позволяют назвать этот фильм крайне успешным.

По сути, «Загадочная история Бенджамина Баттона» — это фэнтези, что резко отличает его от всех остальных проектов Финчера, характерных своей приземлённостью и предельной реалистичностью.

Если в других своих работах режиссёр исследовал мрачные стороны человеческой души, то в этом фильме он неожиданно показывает любовь, триумф добра и надежды, светлые аспекты жизни, что совершенно для него нетипично. Общий мелодраматический тон настраивает на расслабленный и меланхоличный просмотр, и это резко контрастирует с фирменной чертой Финчера снимать происходящее динамично и напряжённо.

Нельзя сказать, что всё вышеперечисленное — неправильно для Финчера. Фильм сохранил за собой его фирменную постановку, в нём замечательная актёрская игра и отличный визуальный ряд. Не вызывает никаких нареканий и операторская работа — важный аспект каждого проекта постановщика. Однако светлая и немного приторная атмосфера не позволяют отнести эту работу режиссёра к пантеону его остальных прославленных фильмов, выделявшихся на фоне типичных голливудских картин.

С «Бенджамином Баттоном» Финчер рисковал выйти на скользкий путь «безопасных фильмов», которые бы обеспечили ему постоянное внимание со стороны академиков и массового зрителя. Но этого, к счастью, не случилось.

Поклонники режиссёра неоднозначно отнеслись к этой картине. Одни были рады тому, что он смог успешно выйти за рамки собственного стиля, другие же считали «Бенджамина Баттона» неумелой и постыдной попыткой Финчера снять массовый фильм, вписывающийся в рамки «Оскара» и других престижных наград. Как бы то ни было, эта картина помогла режиссёру достичь новых высот в своём творчестве и стала своеобразной отдушиной в рамках его угрюмой фильмографии.

Мартин Скорсезе и «Хранитель времени»

Мартина Скорсезе нельзя обвинить в однообразии творчества. За долгую карьеру он успел сделать спортивную драму, комедию, фильм об Иисусе Христе, любовную историю и даже мистический триллер. Можно было бы сказать, что у Скорсезе отсутствует общий стиль. Но среди его работ нашлась картина настолько нетипичная, что остаётся лишь удивляться.

«Хранитель времени» — проект удивительный. До него все фильмы Скорсезе предназначались исключительно для взрослой аудитории, способной принять местами жёсткие и хлесткие истории о социальных отщепенцах. Но большая армия поклонников маэстро была не готова к тому, что Скорсезе реализует самый неочевидный для него проект — без криминала, с кучей спецэффектов и даже без фирменных актёров в лице Ди Каприо и Де Ниро.

Скорсезе ясно объяснил причину существования данного фильма: он хотел хоть раз сделать картину, которую могли бы посмотреть его дети. Желание постановщика отдохнуть от мрачных проектов понятно, но это всё равно не объясняет столь сильной обособленности «Хранителя времени» от других его работ.

Это типичный детский фильм тех лет, который по своему тону мало отличается от какого-нибудь «Золотого компаса», вышедшего пятью годами ранее. Волшебную атмосферу создают перегруженные спецэффекты, в фильме полно клише и излишне восторженных моментов. Он настолько сахарно-приторный, что порой не верится. Чего стоит только рекламная кампания, которая продвигала фильм как отличный вариант для семейного похода в кино на День Благодарения.

Трудно поверить, что такой облагороженный и заштампованный проект мог снять прославленный Мартин Скорсезе. Об истинной натуре постановщика здесь напоминает лишь центральная тема — любовь к кинематографу, которой фильм пронизан с головы до пят. Но и это ситуацию не оправдывает в глазах многих поклонников режиссёра.

Тем не менее, фильм благосклонно приняли критики и обычные зрители, что обеспечило «Хранителю времени» аж 11 номинаций на «Оскар», из которых он выиграл в пяти — за «Лучшую операторскую работу», «Лучшие декорации», «Лучший звук», «Лучший монтаж звука», «Лучшие визуальные эффекты». Сейчас этот проект считается одним из самых успешных у Скорсезе, что немного странно, если посмотреть на его фильмографию целиком — «Хранитель времени» по сравнению с другими картинами выглядит попросту безликим и неполноценным.

Стэнли Кубрик и «Спартак»

Многие согласятся с тем, что у Стэнли Кубрика одна из самых необычных и лучших фильмографий в истории кино. Он снимал фильмы почти во всех жанрах — криминал, военная драма, политическая сатира, научная фантастика, хоррор и так далее. Но «Спартак» является самым нетипичным для Кубрика, даже с учётом разнообразия представленных жанров.

Стоит сказать о том, что этот фильм можно назвать не фильмом Кубрика, а продюсерским проектом, в котором Кубрик был лишь приглашённым постановщиком. Первые сцены снимались другим режиссером, Энтони Манном, но студию не устроил отснятый материал, и главный актёр фильма, Кирк Дуглас, решил пригласить для съёмок тогда ещё молодого и неопытного Стэнли Кубрика, с которым он сработался во время съёмок фильма «Тропы славы».

Также это один из двух фильмов Кубрика (вторым является «Лолита», в котором всё же виден авторский почерк режиссёра), к сценарию которого он не прикладывал руку. История, написанная Далтоном Трамбо («Римские каникулы», «Джонни взял ружьё»), исключительно классическая и лишена возможных неоднозначностей и спорных моментов, которые после были в каждом фильме Кубрика.

В этом проекте режиссёр не смог развернуться ни в творческом, ни в эстетическом плане из-за давления продюсеров и желания главных актёров соответствовать стандартам той эпохи Голливуда. «Спартак» в визуальном плане мало отличается от того же «Бена-Гура» или «Клеопатры», из-за чего теряется на общем фоне исторических картин того времени. Здесь вы не увидите ни выходящих за рамки актёрских работ, ни свойственного фильмам Кубрика перфекционистского внимания к техническим аспектам кино.

Но трудно сказать, что «Спартак» — плохой или даже средний фильм. Он внёс свой вклад в историю мирового кинематографа, заработал множество престижных наград и даже рассматривается некоторыми киноведами как фильм с лучшим актёрским составом в истории. Лишь соседство с более сильными и идеально отточенными работами Кубрика оттеняют «Спартака» на общем фоне, который по сравнению с ними выглядит и звучит как довольно обычный фильм.

Сам Кубрик позже уничижительно отзывался о своей работе, считая, что фильм мог стать лучше, будь он смелее и жёстче в некоторых аспектах. Позже режиссёр стал независимым от воли продюсеров и даже выпустил спустя 15 лет «Барри Линдона», правильный исторический фильм по версии подлинного Кубрика.

Дэвид Линч и «Простая история»

Обычно самым нетипичным фильмом Линча принято считать «Дюну». Большой бюджет, огромный размах и общая неудачность фильма действительно позволяют назвать эту картину самой нетипичной, но в его фильмографии нашелся даже более странный и таинственный проект.

«Простая история» — фильм действительно простой. В нём нет мистики и фирменного линчевского безумия. Нет тайн и обличающих человеческую душу моментов. Нет даже мрачной и сюрреалистичной атмосферы, в подаче которой Линч разбирается как никто другой. Это история о 73-летнем старике, который отправился в путешествие на газонокосилке, чтобы навестить своего больного брата.

И не только это позволяет назвать этот фильм самым нетипичным для Линча. К тому же, режиссёр тут даже не писал сценарий — впервые за его долгую карьеру. А главный аргумент — производство финансировалось компанией Disney. Более странного и невероятного сотрудничества в Голливуде придумать сложно.

Это добрый, поучительный фильм, который всё же нельзя назвать наивным и чересчур сентиментальным. Благодаря потрясающей режиссуре Линча, он смотрится с интересом и определённой меланхолией. Он не выбивается из фильмографии постановщика, потому что сам по себе является превосходной работой. Достаточно сказать, что Линчу удалось не только порадовать своих поклонников, но и заинтересовать массовую аудиторию, которой фильм пришелся по душе.

«Простая история» в равной степени может стать как фильмом Линча для тех, кто не принимает Линча, так и ещё одной великолепной работой признанного мастера. Помимо участия на престижных фестивалях, «Простая история» получила номинацию за «Лучшего актёра», сделав исполнителя главной роли Ричарда Фэрнсворта одним из самых пожилых номинантов в истории премии.

«Простая история» — нетипичный для Линча фильм, который был тепло принят публикой и прессой. Это позволило ему позже найти финансирование для следующих своих работ, вновь представлявших из себя сложные и сюрреалистичные произведения.

Кристофер Нолан и «Бессонница»

Сейчас ни у кого не возникает сомнений в том, что Кристофер Нолан — один из самых важных режиссёров современности. Выход каждого нового фильма постановщика становится настоящим событием в индустрии, так как он способен балансировать на грани между сложным кино и зрелищностью. Из фильмографии выбиваются лишь два произведения — «Преследование» и «Бессонница». Первый был просто пробой пера Нолана, не располагавшего достаточными финансами, а второй стал тем самым особым случаем

Фильм не следует оригинальной задумке режиссёра или его брата-сценариста. «Бессонница» — почти покадровый ремейк одноименного норвежского фильма, вышедшего в 1997 году. Следовательно, это одна из тех голливудских картин, в которых главное отличие от оригинала — смена места действия на США. Для потенциального увеличения кассовых сборов продюсеры прикрепляют к таким проектам маститых актёров. К сожалению, этот фильм не пошел по пути «Отступников», самодостаточного произведения и без оглядки на оригинал.

Кристофер Нолан согласился на съёмки этого фильма для укрепления своего положения в Голливуде. «Бессонница», без всякого сомнения, — полностью продюсерский проект, который состоялся бы и без назначения Нолана на пост режиссёра. Это подтверждает и тот факт, что картина является единственной в фильмографии Нолана, к сценарию которой он не приложил руку.

Голливудский лоск виден во многих сценах фильма, где была изменена или подправлена оригинальная задумка. В норвежском оригинале главный герой в исполнении Стеллана Скарсгарда мог вызывать противоречивые и даже негативные чувства из-за своих плохих поступков. Аль Пачино же играет персонажа, который во многом симпатичен зрителю, из-за чего теряется толика мрачной атмосферы норвежского фильма. Определённые сцены были смягчены, чтобы не смущать американского зрителя.

Впрочем, это не делает фильм сильно хуже. У него есть великолепный актёрский состав, и отличный визуальный ряд. Аль Пачино и Робин Уильямс смотрятся органично в своих ролях, и в целом «Бессонница» — зрелище интересное. Однако норвежский оригинал смотрится лучше из-за большей смелости авторов, чего голливудскому ремейку определённо не хватает. К тому же, это фильм Нолана, который спокойно мог быть снят и не им.

Выход картины помог постановщику найти связи с продюсерами, которые предложили ему снять «Бэтмена: Начало». Остальное уже является частью истории.

Тим Бёртон и «Планета Обезьян»

Всю свою творческую карьеру Тим Бёртон снимал необычные фильмы, которые неизменно удивляли зрителей оригинальностью своей задумки. Но даже с учётом других необычных работ «Планета обезьян» — самый странный и неожиданный проект известного режиссёра.

Сложно объяснить причины существования этого фильма. Это не продюсерский проект, к которому прикрепили Бёртона, а, можно сказать, авторская задумка творца, пожелавшего снять свою версию одного из любимых фильмов. «Планета обезьян», по словам самого Бёртона, был не обычным голливудским ремейком, а скорее авторским переосмыслением нетленной классики.

Не только вторичность отличает этот фильм Бёртона от остальных. Это самый масштабный и дорогой проект режиссёра, на который возлагали огромные надежды. Маркетинговая кампания обещала зрителям незабываемое зрелище, интересную творческую задумку. Впрочем, они не обманули — зрелище действительно получилось незабываемым.

Фильм не выдерживает никакой критики по сравнению с оригиналом, и самодостаточным высказыванием, к сожалению, тоже не является. В сценарии полно сюжетных дыр и откровенно странных моментов вроде концовки, которая не делает общую картину яснее. Режиссёрский стиль Бертона скорее мешает фильму: воспринимать происходящее всерьёз очень трудно из-за странной актёрской игры, сюжет частенько скатывается в полный абсурд.

Болячки, обычно присущие ремейкам, отразились на фильме Бёртона в двойном размере. Фанаты получили откровенно слабое и ненужное переосмысление отличного оригинального фильма, а новые зрители оказались разочарованными из-за скомканного сценария и отталкивающей режиссуры. На сегодняшний день это самая низкооцененная картина в карьере постановщика.

Тим Бёртон в дальнейшем брался за большие блокбастеры, однако он сохранял в них уникальный режиссёрский стиль, выделявший его работы из прочих. Однажды постановщик даже признался, что скорее выбросится из окна, чем сделает сиквел «Планеты Обезьян». Оно и к лучшему.

Ларс Фон Триер и «Самый главный босс»

Этот датский режиссёр считается одним из лидеров современного авторского кино. Все его работы довольно провокационны и задевают за живое. Неподготовленный зритель после просмотра его фильмов зачастую остается в состоянии шока, и даже его признанные произведения раскалывают киноманов на ненавистников и защитников творчества Фон Триера.

«Самый главный босс» выбивается из общего ряда. Это единственная полноценная комедия в фильмографии режиссёра, несмотря на то, что во всех его работах присутствует своеобразный юмор. Также это одна из трёх работ Фон Триера (куда также входят сериал «Королевство» и фильм «Идиоты», сделанный по манифесту «Догма-95»), снятая на датском языке. А ещё «Самый главный босс» не входит ни в одну трилогию режиссёра и остаётся в своем особом пространстве.

Отличия на этом не заканчиваются. Если остальные фильмы Фон Триера ещё как-то пытаются работать с международной аудиторией, то тут, кажется, режиссёр снял фильм про Данию для датчан — затрагиваются вопросы отношений между датчанами и исландцами с важным историческим контекстом для обеих стран, присутствуют странные сцены, юмор которых понятен только жителям Скандинавии.

За присущую Фон Триеру оригинальность в исполнении отвечает инновационная система Automavision, в которой ракурсы камеры и её движения подбираются автоматически компьютером. Введение этой системы добавило фильму неуместного, но интересно реализованного абсурда. Искусственный интеллект подбирает самые нестандартные ракурсы, которые никогда бы не пришли в голову человеку.

Впрочем, нетипичность фильма не помогла режиссёру обрести новых поклонников или потерять старых. «Самый главный босс» был тепло принят критиками, которые увидели в картине смелый эксперимент режиссёра-новатора, а зрители, по старой традиции, либо проходили мимо, либо писали восторженные отзывы.

Самый нетипичный фильм для великого режиссёра-творца не стал откровением ни для самого Триера, ни для его почитателей. «Самый главный босс» несколько теряется на фоне поучительной «Трилогии золотого сердца» и шокирующей «Трилогии депрессии», но лишь из-за того, что не пытается излишне играть с аудиторией.

Акира Куросава и «Дерсу Узала»

Акира Куросава — самый известный японский режиссёр в мире. Многие его фильмы стали настоящей классикой и вошли в историю как одни из лучших представителей мирового кинематографа. Режиссёр свободно ориентировался в жанрах и мог снимать как настоящие блокбастеры, так и нетипичные авторские фильмы. Однако на родине его признавали не так, как на Западе.

Куросаву часто обвиняли в том, что он использовал самобытную японскую культуру для того, чтобы подать её в форме, понятной западным зрителям. Фильмы маэстро не пользовались большой популярностью в Японии, а кассовый провал картины «Под стук трамвайных колес» привёл к тому, что режиссёру перестали выделять финансирование на реализацию его задумок. Ситуацию спасло советское посольство в Японии, предложившее ему снять фильм в СССР на русском языке.

Такая ситуация удивительна лишь на первый взгляд. Советскому кинематографу требовались новые режиссёры и сценаристы, способные снимать проекты мирового уровня. Узнав о тяжёлой ситуации Куросавы, сотрудники посольства предложили постановщику поработать в новых для него условиях. Режиссёр согласился, и ему дали полную творческую свободу.

«Дерсу Узала» — не только единственный фильм Куросавы, снятый не на японском языке, он также сильно отличается по темпу и тону от остальных его проектов. В этом фильме отсутствуют сцены масштабных баталий, нет городских пейзажей и даже не исследуются проблемы человеческого гуманизма.

Главной темой стала любовь человека к природе. Нанайский охотник Дерсу Узала всеми силами стремится к тому, чтобы люди вокруг не нарушали первобытной гармонии тайги. Дружба между ним и исследователем Владимиром Арсеньевым придаёт фильму необходимую искру, ставящую «Дерсу Узала» на одну ступень с лучшими работами Куросавы.

Зрители и критики по всему миру восторженно отнеслись к этому фильму. Премия «Оскар» в номинации «Лучший фильм на иностранном языке» и исключительно восторженные отзывы от фанатов японского режиссёра не позволяют сомневаться в том, что для Куросавы этот эксперимент оказался крайне удачным.

После выхода этой картины режиссёр вернулся в Японию, где благодаря американскому финансированию со стороны Фрэнсиса Форда Копполы и Джорджа Лукаса вновь поставил фильм на историческую тематику. «Кагэмуся: Тень воина» вернул Куросаву в прежний строй и позволил снять ещё несколько не менее шедевральных проектов.

Дэвид Кроненберг и «Порок на экспорт»

Дэвид Кроненберг в двадцать первом веке ударился в эксперименты. Мастер жанра «боди-хоррор» успел снять фильм по графической новелле, байопик о Фрейде и Юнге, странные экспериментальные фильмы с участием Роберта Паттинсона и Джуллианы Мур. Но самый необычный среди этих проектов — фильм о русской мафии в Лондоне.

Кроненберг никогда не отличался пристрастием к криминальному жанру. А потом не очень понятно, чем канадский постановщик заинтересовал студию и сценариста Стивена Найта. Однако именно режиссура отличает этот фильм от собратьев по жанру. «Порок на экспорт» предельно реалистичен и детален, может похвастать наличием неявных аллюзий и в целом — проект штучной работы.

Интересно, что именно этот фильм режиссёра наиболее популярен среди массовой аудитории. Кроненберг не ударяется в излишние эксперименты и снимает предельно простой, честный и искренний фильм с мрачной и пугающей атмосферой. Повествование здесь строго линейное, оно не буксует попусту и без лишних прикрас показывает подноготную преступной жизни в Англии.

Кроненберг, снимавший до этого в основном сюрреалистичные и пространные фильмы, уделяет деталям большое внимание: татуировки у героев здесь наносились в соответствии с сакральными законами российских тюрем, актёры предельно чётко говорят по-русски, соблюдаются даже малопонятные для западного зрителя понятия, вроде «воровского закона» и «ходки на зоне». Исполнитель главной роли Вигго Мортенсен даже совершил одиночное путешествие по России, чтобы проникнуться духом родины своего персонажа.

Режиссёр для съемок этого фильма отправился в Англию, хотя раньше снимал свои проекты только в Канаде. Пристрастие Кроненберга к своему творению, которое так резко выделяется на фоне его предыдущих работ, удивляет своей необычной природой. Можно сказать и о том, что в этом фильме он достиг новых высот в постановке: сцена драки в бане регулярно всплывает в списках лучших экшен-сцен в истории кино.

«Порок на экспорт» — самодостаточное творение, утвердившее режиссёра в качестве одного из важнейших в современном авторском кино. Однако последовавшие за ним фильмы не достигли высокой планки, заданной самим Кроненбергом в 2007 году.

Гай Ричи и «Унесённые»

Все фильмы Гая Ричи так или иначе затрагивают тему криминала — либо сюжет полностью сосредоточен на нем, либо преступниками являются главные герои. В фильмографии режиссёра есть всё: комедии, драмы, шпионский фильм, фэнтези. Единственное позорное пятно на его репутации — мелодрама, которую смотрят исключительно из-за того, что её снял тот самый Гай Ричи.

«Унесённые» не просто плохой фильм, но и плохой ремейк итальянского фильма «Отнесённые необыкновенной судьбой в лазурное море в августе». Режиссёр оригинала Лина Вертмюллер настолько возмутилась фактом существования «Унесённых», что вышла после предпоказа в слезах и с криками «Что они сделали с моим фильмом?!».

Её легко понять — эта картина выглядит скорее как телефильм B-класса из 70-х, который крутят по ночам. Ужасный сценарий, позорные шутки и плохая игра актёров никак не соответствуют таланту Гая Ричи, одного из самых креативных и талантливых режиссёров нашего времени. Не помогает делу и тот факт, что на главную роль Ричи взял Мадонну, которая на тот момент была его женой. Из-за этого кажется, будто «Унесённые» — это всего лишь извращенское видео для домашнего просмотра.

При этом нельзя сказать, что Ричи снял этот фильм не по своей воле. Он сам написал сценарий и с большим энтузиазмом принялся за проект, которым надеялся начать новый этап в карьере и дать понять, что он способен снимать не только криминальные фильмы.

Попытка получилась настолько провальной, насколько возможно — «Унесённые» с треском провалились в США, из-за чего в Великобритании фильм выпустили сразу на DVD. Сам Ричи о картине старается не вспоминать, а фанаты режиссёра стараются игнорировать сам факт существования этого проекта.

В дальнейшем Гай Ричи больше не пытался так радикально менять жанр своих проектов. И даже экранизация «Аладдина» с живыми актёрами выглядит и звучит не настолько чужеродно, как «Унесённые», которые нанесли репутации постановщика большой урон.

Нетипичные фильмы — это палка о двух концах для каждого режиссёра. Эксперимент может получиться удачным, что даст возможность в дальнейшем маневрировать между любыми жанрами, но иногда затея может обернуться полнейшим провалом.

От риска не застрахован ни один, даже самый маститый и уважаемый постановщик. Однако именно желание создать что-то новое и неожиданное позволяет искусству и творцу в частности развиваться дальше и достигать новых, доселе невиданных высот.

Пост написан участником Сообщества Независимых Авторов DTF

Автор: Егор Аргунов

Источник: https://dtf.ru/cinema/41694-belye-vorony-netipichnye-kartiny...

На немноголюдных задворках современного Токио в приземистом деревянном домике живет бедная семья. Ее безалаберный глава Осаму, возраст которого замер у полувековой отметки, работает на стройке, а его молодая жена Нобуё трудится прачкой. Несмотря на наличие сносной работы, они с трудом сводят концы с концами. Лишь бабушкина пенсия и мелкие кражи в супермаркетах позволяют им держаться на плаву.

По большей части воровство лежит на плечах Осаму и его юного сына Сёта — пока отец смотрит по сторонам, паренек набивает рюкзак лапшой быстрого приготовления, средствами личной гигиены и прочей всячиной, которую семья не может себе позволить. Мало того, что данный процесс отточен до мелочей и походит на тайный ритуал, он также олицетворяет протест сытому и более благополучному обществу — в конце концов, жадные сетевые магазины не обнищают от пары мелких краж, способных уберечь несколько человек от голода.

В марте этого года на Bloomberg была опубликована статья, которая изобличила крайне серьезную и меж тем необычную проблему — воровство среди японских пенсионеров. На сегодняшний день Япония является самой возрастной страной в мире, четверть ее населения старше 65 лет. С одной стороны высокая продолжительность жизни — это великолепный статистический показатель, с другой — многие японские старики живут в полном одиночестве на сущие гроши.

Из-за своеобразных норм поведения и фанатичного отношения к работе многие граждане Страны восходящего солнца банально не успевают обзавестись семьей и поэтому встречают старость в одиночестве. А часть тех, кому все же удается найти пару, по разным причинам отмахиваются от престарелых родителей. В итоге некоторые пенсионеры, лишенные финансовой и эмоциональной поддержки, проводят десятилетия в ожидании заплутавшей смерти. В 80-ых годах прошлого века даже родился термин kodokushi, подразумевающий под собой одинокую смерть, о которой окружающие узнают спустя длительное время — неделю, месяц, а то и два.

В последние годы пенсионеры, желающие избежать подобной участи и незавидного пути к ней, совершают мелкие кражи в надежде, что их поймают и отправят в тюрьму. Помимо того, что в заключении старикам не приходится голодать, они получают доступ к работе и желанному общению. Иными словами, в современной Японии тюрьмы стали альтернативой дорогостоящим домам престарелых для бедных и одиноких пенсионеров. Именно финансовая неустроенность и повсеместное одиночество выступают главной движущей силой в «Магазинных воришках».

В иных реалиях бабуля, содержащая семью, давно бы ограничила домочадцам доступ к собственной пенсии, тем самым подтолкнув их хоть к каким-то переменам. Но бойкую героиню фильма сложившаяся ситуация вполне устраивает. Пусть ей и приходится помогать детям, зато они всегда находятся под боком. «Вы — моя страховка от одиночества», — произносит она в один из вечеров.

Эта безобидная фраза, брошенная сквозь хитрую улыбку, вздымает в воздух ворох проблем, которым оброс семейный институт в современной Японии. Жизнь в Стране восходящего солнца до такой степени стремительна и своеобразна, а боязнь одиночества столь велика, что более-менее состоятельные пенсионеры готовы жертвовать комфортом и платить собственным детям, чтобы они просто были рядом.

Вопреки корысти, прослеживающейся в отношениях главных героев, теплота их общения изрядно удивляет. Живя впятером в крохотном деревянном домике, со всех сторон окруженном современными многоэтажками, они не жалуются ни на тесноту, ни на излишнюю нужду. Непростая жизнь в качестве отщепенцев многомиллионного мегаполиса не сумела сломить их, они по-прежнему находят поводы для радости — в ворованных сладостях; шуме салюта, скрытого за соседними новостройками; или крокетах, купленных на последние деньги.

Одна из ключевых особенностей творчества Хирокадзу Корээды состоит в том, что он освещает крайне болезненные недуги современного общества, но без излишнего надрыва. Даже в самые горькие моменты его картины не погружаются в меланхолию и остаются преисполнены оптимизма. После знакомства с ними возникает желание не отмахнуться от человечества, а сообща ответить на заданные режиссером вопросы. Или хотя бы перестать отрицать их существование.

Основное действие в фильме начинается после того, как Осаму и Сёта, возвращаясь из обедневшего на пару упаковок лапши супермаркета, встречают совсем маленькую девочку. Герои быстро смекают, что малышка по имени Юри, в одиночестве сидящая на балконе, не только продрогла, но и изрядно проголодалась. Поэтому они берут ее с собой, чтобы накормить и обогреть, а на следующий день в целости и сохранности вернуть родителям. Возможно, даже удастся преподнести им урок.

Но когда герои, наконец, приводят Юри домой, то ненароком выясняют, что родителям нет до нее дела. Более того, они рады ее пропаже. В этот миг тема старческого одиночества делает резкий поворот и заявляет, что никто в современном мире не защищен от наплевательского отношения — ни добродушные старики, ни милые дети. Даже наличие кровных, и, что наиболее важно, живых родственников не способно уберечь от одиночества. Так что герои решаются на новую, более противоречивую форму воровства и оставляют девочку у себя.

С появлением новой героини история не теряет первоначальной легкости и делает акцент на быте героев — слегка трагичном, но пропитанном верой в будущее. Корээда невзначай указывает на мелочи, из которых состоит жизнь персонажей, пережеванных безразличным постиндустриальных обществом. Тем самым он не спеша создает многогранную и поистине правдоподобную ячейку общества — лишь для того, чтобы одним ударом сокрушить ее.

Драматизма происходящему добавляют и главные действующие лица — у каждого персонажа имеется солидный объем и фактура, благодаря которым они легко запоминаются. На общем фоне особенно выделяется беззубая бабуля, которая, вопреки лишениям, не растеряла любви к близким и сохранила колоритный лисий прищур.

Отдельной строкой через весь фильм тянется тема ответственности. Если поначалу главные герои воруют исключительно у безликих владельцев супермаркетов, которые едва ли заметят мелкую пропажу, то в дальнейшем Осаму залезает в чужую машину, а юный Сёта начинает таскать сладости из магазинчика, расположившегося по-соседству с их домом.

В этот момент суть попавшего в заголовок воровства меняется — оно перетекает из вынужденной формы протеста в подлость, обращенную на вполне конкретных людей. К тому же присвоение чужого указывает на ответственность родителей перед детьми. Раз уж взрослые передают собственным чадам лишь самое лучшее, то чего стоит отец, не способный научить детей ничему кроме воровства?

Прежде всего «Магазинные воришки» подкупают своей непринужденностью и едва уловимой комичностью, а уже потом величиной и многообразием поднятых тем. Корээда, кажется, заглянул во все уголки семейной жизни, даже в те, о которых не принято говорить. Но поскольку он не боится общаться со зрителем на равных, последняя треть фильма оборачивается неожиданной исповедью, переворачивающей с ног на голову все прошлые события и противопоставляющей силу кровных уз осознанному и вымученному выбору.

Источник: https://dtf.ru/cinema/32229-magazinnye-vorishki-fotografiya-...

21 сентября на Netflix состоялся релиз первого сезона «Хильды» — анимационного шоу про приключения маленькой девочки в волшебном скандинавском краю. Сериал основан на комиксе Hildafolk за авторством британского иллюстратора Люка Пирсона, который также является главным художником мультипликационной адаптации.

Также Люк работал над сюжетом некоторых эпизодов Adventure Time

Маленькая девочка по имени Хильда живёт беззаботной жизнью вместе с мамой и ручным лисоленем (помесь лисы и оленя) Твигом в одиноком доме на краю цивилизации. Свободное время она тратит на рисование, прогулки на природе и общение с различными волшебными существами: троллями, великанами, эльфами, домовыми и лесными духами.

Все чудеса в местном сеттинге считаются чем-то естественным и обыденным: вряд ли случайный прохожий будет расценивать как нечто необычное древесного человечка или пролетающий в небе кусок шерсти с глазами. Лишь самые редкие представители местной фауны могут вызвать у людей удивление. Этим интересна вселенная «Хильды» — волшебное здесь соседствует с обыденным, создавая атмосферу мира, где всё вроде бы и знакомо, но при этом такое новое и неизвестное.

История о девочке из глуши

Сюжет сериала рассказывает о переломном моменте в жизни Хильды. Беззаботные будни девочки прервались несчастьем — из-за нелепой случайности её семья лишилась дома. Матери героини не остаётся ничего, кроме переезда в Тролльберг — большой и людный город вдали от волшебных лугов и лесов.

Смена жилья становится для Хильды настоящим испытанием: просторные равнины, загадочные леса и невероятные звери сменились душными улицами, каменными домами и людьми, с которыми Хильда не умеет общаться — как-никак, всю свою жизнь девочка была сама по себе. А теперь ей предстоит столкнуться со школой, уроками поведения и выходом в цивилизованный мир.

Авторы выбрали очень удачный период для выпуска «Хильды»: осенняя прохлада и жёлтая листва за окном прекрасно гармонируют с общим настроением сериала

Однако хоть Хильда и покинула чудную глушь, в которой выросла, приключения и волшебство из её жизни никуда не делись. Тут и там её поджидают новые авантюры, неприятности и необычные существа, справляться с которыми девочке помогают друзья, храбрость и добрый нрав.

«Хильда» интересна тем, что у её сюжета, как и в оригинальном комиксе, нет чёткого начала или предыстории. Волшебный, но всё же такой похожий на наш мир, просто существует, и все многочисленные чудеса в нём просто есть. Прошлое Хильды также осталось за кадром, а сам сюжет начинается без всяких вступлений — посреди очередного приключения девочки.

Такое художественное решение не только снимает ограничения с фантазии авторов, но и придаёт мультику нужную лёгкость. Сериал очень простой: в нём нет грозного злодея, великой тайны или двойного дна. Тут нет места тяжёлой драме или по-настоящему сложным конфликтам. «Хильда» — это добрая и милая детская сказка, способная увлечь даже взрослого.

Красоты северных пейзажей

Благодаря участию самого Люка Пирсона мультсериал невозможно отличить от оригинала. Точнее, от его последних томов, ведь именно с них взяты основные элементы стилистики. Отсутствие острых углов, пренебрежение пропорциями и тёплая, мягкая палитра придают «Хильде» особенный шарм, вызывая стойкое желание укутаться в плед и сварить себе чашку горячего какао.

Всё действие «Хильды» происходит на фоне живописных скандинавских пейзажей: девочку постоянно окружают фьорды, хвойные леса и скалистые морские берега. Дух норвежских краёв подкрепляет музыка, состоящая как из классических инструментов и вокала, так и из вполне уместной электроники.

Однако главным достоинством саундтрека «Хильды» является опенинг, задающий правильный тон всему сериалу

Отдельной похвалы заслуживает анимация. Движения в «Хильде» невероятно плавные — сказываются преимущества компьютерной графики. Однако ощущения «искусственности» происходящего не возникает: картинка прекрасно стилизована под ручной рисунок за счёт небрежных и «шершавых» линий обводки.

Забавный факт: машины в комиксах и сериале выглядят странно, потому что автор «Хильды» никогда не любил и толком не умел их рисовать

Магические существа и необычные животные вдохновлены скандинавскими и частично английскими легендами. Но при этом преобладающая часть местных причуд оригинальная — фольклор взят лишь в качестве основы. Поэтому образы фэнтезийных обитателей Тролльберга хоть и узнаются, но имеют свои интересные особенности. Например, эльфы во вселенной «Хильды» — это карлики в забавных шляпках, помешанные на бюрократии и традициях.

Мэр города эльфов

Мир чудной, но жители чуднее

Витра, человек-луковица

Тролльберг населён множеством интересных жителей со своими взглядами и характерами. В целом, все образы, от главных до второстепенных героев, довольно обычные и простые и редко какой-либо персонаж выходит за рамки классического мультипликационного архетипа.

Нашлось место и подружке-отличнице, и строгим учителям, и скучным взрослым, не замечающим всей магии окружающего мира. Но простота не делает персонажей банальными, каждый из них очарователен по-своему.

Хильда и её друзья: Дэвид и Фрида

Главная героиня, Хильда — отважная девочка-приключенец, готовая на всё ради друзей и новых впечатлений. По заявлениям Люка Пирсона, в ней он хотел отразить свою полную противоположность: сам автор «Хильды» предпочитает особо не рисковать и сидеть дома. Возможно, его образ жизни нашёл отражение в лице Дэвида — пугливого и неуверенного в себе мальчугана и друга Хильды. Самой порядочной и собранной из троицы героев является Фрида — отличница, примерный бойскаут и человек, живущий по строгому расписанию.

Мать Хильды — это образ прогрессивного, мудрого родителя. Она почти никогда не повышает голос на дочь, помогает и поддерживает её во всех начинаниях. В конфликтных ситуациях она принимает сложные решения и ведёт себя как сильная, независимая личность.

В интервью Люк Пирсон рассказывал, что мама героини выступает в «Хильде» голосом рассудка, персонажем, который оберегает Хильду и наставляет на правильный путь.

Деревянный человек (Woodman)

Остальные персонажи-люди так же хороши, однако, рассказать об их образах толком нечего, ведь по большей части это самые стандартные архетипы второстепенных героев.

Куда занимательнее волшебные существа, окружающие Хильду. Например, порядочный эльф Альфо, сопровождающий девочку и документирующий её жизнь в отчётах для своего народа. Ведь эльфам по душе слушать о приключениях Хильды не меньше, чем зрителю.

Крысиный Король

Лисолень Твиг с маленькими рожками и белой шерстью, загадочный и саркастичный Деревянный Человек, волшебный чёрный Ворон — в «Хильде» сложно отметить откровенно скучное и заурядное существо, о котором не хотелось бы узнать побольше.

Скандинавский говорок

Атмосферу скандинавского сеттинга отлично поддерживает озвучка: все жители Тролльберга говорят с приятным норвежским акцентом. Для людей, которые интересуются иностранной речью и диалектами, просмотр «Хильды» станет познавательным времяпрепровождением.

Хотя и на русском мультсериал смотрится неплохо: «Хильда» вышла на Netflix не только с русскими субтитрами, но и с полноценным дубляжом. Актёры озвучки хорошо отыгрывают свои роли и вполне попадают в образ, однако скандинавский акцент в переводе утерян — передать его на русском языке просто невозможно.

Несмотря на проделанную работу, промахи иногда встречаются: например, переводчики упустили отличную игру слов с «Квошками» (Nittens), помесью котов и вшей, назвав их просто «котовшами»

«Хильда» — настоящее открытие 2018 года по многим причинам. Во-первых, мультсериал получился образцовой адаптацией — он буквально покадрово повторяет изначальный сюжет и полностью выполнен в стиле оригинала.

Во-вторых, он уникальный: «Хильда» прекрасно справляется без уже ставшего обязательным большого секрета, тянущегося отдельным подсюжетом через весь сериал, не скатываясь в дешёвое субботнее шоу. Благодаря своей лёгкости и беззаботности, мультсериал, как и комикс, даёт примерно те же ощущения, что и произведения Астрид Линдрген — например, «Пеппи Длинныйчулок».

У «Хильды» есть все шансы стать одной из главных жемчужин мультипликационного блока Netflix — у комикса уже есть узнаваемое имя и популярность, а с приходом адаптации приключения озорной девочки-художника станут лишь известнее.

К счастью, у шоу есть потенциал: первый сезон покрыл лишь первые четыре тома комикса, расширив оригинальный сюжет собственными историями. Так что у мультсериальной «Хильды» впереди ещё множество ярких и незабываемых приключений, как знакомых, так и абсолютно новых.

Источник: https://dtf.ru/cinema/28134-skandinavskaya-fantaziya-v-chem-...