RealDamyn

Эффекты — мощное оружие в руках опытного музыканта. Все потому, что они добавляют характера, глубины и полноты к треку (при правильном использовании).

Длительное время я использовал Crash и Riser, как единственные эффекты в своем продакшене и осознал, что есть еще что-то, что может помочь разнообразить музыку, которую я делаю.

Проанализировав тот материал, который меня окружает, а также подсмотрев немного у более опытных ребят, я мог выделить 4 типа эффектов, которые можно и нужно использовать, в зависимости от ситуации.

1 — Эффекты напряжения

Самыми яркими представителями таких эффектов могут быть Riser'ы, Crash'ы? Sweep'ы и подобные.

Обычно, такие эффекты используются для того, чтобы создать некое «напряжение» в треке, либо же его снять. В большинстве случаев их используют между частями трека, например при выходе из Buildup'а или наоборот, при входе в Breakdown.

Ты 100% слышал нарастание шума перед сменой Intro на Breakdown. И в момент начала новой части трека в сильную долю бьет Crash. Я уверен, ты делал так тысячу раз.

Они могут занимать разное положение в пространстве, но без них не обходится ни одни электронный танцевальный трек.

2 — Мелодические эффекты

Тут все не так очевидно. Они встречаются реже, но это не делает их менее важными в продакшене. Такие эффекты отлично подходят для треков с опорой на мелодику и гармонию.

Такие эффекты используют в ключевые моменты композиции, например вокальный Chop, обработанный реверберацией и дилеем, усиливающий эффект глубины трека, или же зацикленный loop пэдов, который проседает под основными элементами аранжировки, создавая «подушку» для главных инструментов. Зачастую хорошо работают с аккордами и басами.

3 — Ритмические эффекты

Недооцененный способ создать текстуру для грува. Отлично работает в связке с барабанными партиями.

Как правило, такие эффекты имеют несколько иное звучание, чем основные ударные инструменты, и находятся позади них, создавая еще один слой грува и пульсации.

Для его производства используют семплы, абсолютно любого содержания, главное, «нарезать» правильно, или же промодулировать партию синтезатора огибающими.

Это огромный простор для экспериментов.

Если не совсем понятно, о чем я говорю, то может быть аналогия с Ghost нотами будет понятней, однако, идея создания дополнительных ритмических партий — это следующий шаг в работе с этими «призрачными» нотами.

4 — Текстуры

В таких эффектах ритмика и гармоническая составляющая не играют важной роли, но важным является тембр и текстура.

(у человечества, на этих текстурах и тембрах вырос целый жанр — Dubstep — тот, который популяризировал длинноволосый невысокий паренек Skrillex)

Для таких эффектов используют «полевые записи», шумы, шипение винила или крики толпы людей, а еще шум воды или ветра, а еще звуки работающей техники или механизмов, а еще…. Да сотни их.

Использование подобных эффектов, подобно использованию чит-кодов, в каком нибудь GTA, но их использование позволяет влиять на ощущения на более низком уровне (это я про подсознание, если что).

Это серия из нескольких статей, так как, скорее всего, простыню текста читать будет не много человек.

Первая часть доступна тут.

Веселый енот знает все о творческом блоке.

3- Разделение сессии звукового дизайна и написания музыки.

Бывают такие моменты, когда от осознания того, что нужно написать песню целиком, становится не по себе.

Но выделяя сеансы саунд дизайна отдельно можно освободить голову от бесконечного потока мыслей, связанного с песней.

Целью такой сессии становится не работа, над конкретным произведением, но поиск классных звуков, не задаваясь вопросом о том, как они впишутся в трек. Просто накручиваешь звуки, которые бонусом еще и составят твою личную библиотеку (если, конечно ты будешь сохранять пресеты), и сформируют твой собственный звук.

Звуковой дизайн в Serum.

Эту технику здорово комбинировать с техникой номер 2 из предыдущей статьи (Исследование новых плагинов), особенно если работаешь с новым синтезатором.

Также эта техника работает и с барабанами. Ты можешь создавать лупы, которые в дальнейшем сможешь использовать. А так, как ты сам занимался созданием и синтезом звука, то ты уже будешь понимать, как они сработают в той или иной ситуации.

4- Музыкальная теория.

Говорят, что необязательно знать теорию музыки для написания современных треков, однако, даже поверхностное понимание того, как устроены гаммы и аккорды, может помочь снять творческий блок и приступить к работе.

Если теория музыки тебе знакома хорошо, то просто начни с одного аккорда и попробуй поиграть его в разных обращениях, разложи его по нотам на разные инструменты, попробуй составить мелодию только из тех нот, которые есть в аккорде. Скорее всего тебе захочется выйти за эти рамки и твой творческий блок будет побежден.

Если же теория музыки тебе не знакома, то советую ее изучить. Не стоит браться и учить программу консерватории за 1 час, но понять основы будет не лишним. (в скором времени будут статьи и по теории музыки).

Страшный представитель теории музыки — Доминант септ аккорд и всякое страшное.

Также может помочь отход от привычного лада.

В современных DAW есть возможность использовать «музыкально-теоретические» подсказки. Я точно знаю, что такая возможность есть в Ableton Live и FL Studio (если ты пользуешься другой программой — почитай руководство, или поищи ответы на форумах, посвященным твоей программе).

Выбор лада в редакторе MIDI программы Ableton Live.

Подсвеченные фиолетовым (или это розовый) ноты составляют определенный лад (в моем случае это минорная пентатоника). Попробуй экспериментировать с расстановкой нот и их длительностей, опираясь на подсвеченные ноты. Это может дать толчок новым идеям, так как, скорее всего, звучание будет непривычным.

Попробуй составить аккорды из подсвеченных нот и добавлять дополнительные ноты. Пусть в твоих аккордах будет не 3 ноты, а 4, 5, 6 — никто не узнает о твоих экспериментах, пока ты не напишешь трек, так что можно пробовать абсолютно все. Возможно так ты найдешь новое звучание и новые идеи.

Больше чем 3 ноты для аккорда. Звучит пристойно.

Привет, друг.

Рад видеть тебя в уютненком.

Это серия из нескольких статей, так как, скорее всего, простыню текста читать будет не много человек.

Веселый енот знает все о творческом блоке.

Творческий блок — широко известное состояние о котором написано уже много. Это такое состояние, в котором автор не может создать новую работу или испытывает с этим сложности.

Чем дольше длится это состояние, тем неприятнее оно становится.

Наверняка ты слышал уже такое сравнение, как «просидел неделю перед чистым листом» — это и есть состояние творческого блока.

Кажется, что начиная новый проект ты можешь делать все, что хочешь, но часто, именно такая свобода, вводит в ступор и замешательство.

Для того, чтобы побороть страх «чистого листа» я подготовил несколько техник, которые помогут начать работу.

1- Копирование чужого.

Я не говорю, что нужно брать и повторять весь новый трек, какого нибудь известного музыканта, нота в ноту — это может привести к судебным тяжбам, но можно взять за основу, например, структуру или аранжировку трека.

Это даст возможность понять, когда вступает бас, и где должна быть «яма» или проигрыш.

Как это сделать?

Все очень просто:

— перетащи в DAW трек, который тебя вдохновляет или один из эталонных треков из твоей коллекции,

— установи темп проекта в соответствии с темпом референса, или подгони его под темп проекта,

— расставь маркеры для каждой части трека.

Структура аранжировки. Давать названия частям трека можешь как угодно, главное чтобы ты сам понимал, что они обозначают.

— разбив трек на части, стоит обратить внимание на то, какие инструменты играют в каждой из них (например: в intro только барабанный луп, с простой перкуссией и хай-хетами.)

2- Исследование новых плагинов.

Наверняка у тебя есть около 100500 плагинов, которые ты купил\скачал и установил в своей DAW.

Но сколькими ты пользуешься?

очень иного плагинов.

Пробовать новые плагины, которые используются редко или совсем никогда не использовались — это отличный способ зажечь новые творческие идеи.

Используя одни и те же инструменты с одними и теми же настройками можно получить только тот результат, который уже ранее был получен.

Смело начинай крутить то, что крутится и автоматизировать то, что можно автоматизировать, и в 100% случаев ты получишь новые творческие идеи.

Причем, если развить идею исследования, то исследовать можно и те плагины, которыми ты уже пользуешься.

— Попробуй использовать более агрессивные настройки

— Попробуй поставить 2, 3, 10 плагинов подряд и выкрутить ручки в противоположных направлениях

— Попробуй то, чего никогда не делал с этим плагином, и я уверен, ты получишь что-то особенное.

Привет, друг.

Рад видеть тебя в уютненьком.

Сегодня расскажу про 3 списка, которые должны быть у каждого музыканта.

Хочу поделиться с тобой полезным "лайфхаком", который я начал использовать не так давно. Особенно полезным будет для тех, кому не хватает организованности в творчестве.

В своей работе я использую несколько списков, которые позволяют мне работать немного быстрее.

Список 1 - идеи для названия песен\треков.

Этот список спасает меня в те моменты, когда я не могу придумать, как назвать готовый продукт.

Как это работает?

Очень просто!

Каждую идею, которая приходит ко мне в голову, я записываю в свой список идей. Не важно, в какой момент у меня родилась идея этого названия, я стараюсь сохранить ее.

Если это случается где-то в далеке от компьютера, то я записываю в "Заметки", а затем переношу в документ на компьютере.

Список 2 - попробовать позже.

Этот список позволяет добавить креативности в работы.

Как это работает?

Все также предельно просто!

Часто, идеи приходят в то время, когда ты не работаешь над проектом и эти идеи я сохраняю себе в список.

Я записываю такие вещи, как:

- Стоит использовать 5 ревербераторов на на этом звуке и посмотреть, что из этого выйдет.

- Что будет, если я возьму случайные последовательности аккордов и сложу их вместе?

- Что будет, если записать звук на микрофон и потом его обработать еще раз?

- А если я использую хвост звука, для второй партии?

Если я это записал, значит я уже не забуду о своих идеях и смогу попробовать их применить, когда вернусь к работе.

(круто будет использовать отдельные списки для каждого проекта).

Список 3 - Список эталонных треков (reference tracks).

Обращение к подобным трекам повзолит услышать то, чего раньше мог и не замечать в музыке, откроет возможность учиться у профессионалов или разобраться с тем, как и почему тебе нравится эта песня.

К тому же прослушивание уже выпущенных треков позволит узнать новые приемы, актуальные на сегодняшний день и позволит оставаться "в потоке" музыкальных течений.

Привет, друг.

Рад видеть тебя в уютненком.

FabFilter pro-Q долгое время был «рабочей лошадкой», как для тонкой коррекции тембров, так и для «широких мазков» по спектру аудиоматериала, и многие продюсеры пользуются им до сих пор.

Интерфейс программы FabFilter Pro-Q

Но данный инструмент не всегда «по карману» начинающему музыканту.

В поисках бесплатных альтернатив я перепробовал множество плагинов, с различным дизайном, звучанием и нагрузкой на процессор, и выбрал для себя несколько, с которыми работаю до сих пор.

Одним из таких эквалайзеров стал NOVA от Tokyo Dawn Records.

Интерфейс программы TDR Nova

На выходе из плагина получаем хороший звук и некоторые возможности, которых нет в в плагине из названия статьи, хотя одна копия эквалайзера ограничена 6 точками работы (но никто не мешает повесить 2 плагина подряд, если 6 полос не хватает).

TDR Nova сочетает в себе динамический и параметрический эквалайзер.

Динамический и параметрический эквалайзер TDR Nova

Все, что я привык использовать в FabFilter Pro-q я могу использовать и в TDR Nova (правда, не хватает возможности работать с mid\side составляющими отдельно, но для бесплатного плагина возможности огромны).

Очень классная вещь — автоматическая компенсация изменения громкости, что позволяет слышать вносимые изменения, но не увеличение или уменьшение уровня сигнала.

Этот VST доступен бесплатно на сайте разработчика — ссылка. Распространяется как для Windows, так и для MAC пользователей.

Привет, друг.

Рад видеть тебя в уютненьком.

Многие музыканты, в работе с гитарным звуком, отдают предпочтение комбайну Guitar rig. Я и сам пользовался им в прошлом, однако, меня всегда напрягал его большой размер и сильная нагрузка на процессор. С современными компьютерными системами это не большая проблема, но если работать на старых компьютерах или ноутбуках, то обработка гитар начинает утомлять.

Интерфейс программы Guitar Rig. Используется для обработки гитар.

Плагин хорошо организован внутри, есть куча пресетов, которые позволяют перещелкиванием получать пригодный звук, но, часто такой огромный выбор запутывает. Да и используют его, зачастую, вместо реальных «железяк» начинающие гитаристы, которым разбираться со всеми возможностями плагина, может быть некогда.

В поисках альтернатив я наткнулся на плагин от Kuassa AmplifikationOne.

Интерфейс программы AmplifikationOne от Kuassa.

После загрузки его в хост, сразу бросается в глаза его компактность, удобное расположение обработок и привычное окно выбора пресетов.

Готовых пресетов ощутимо меньше, но, как по мне, они названы так, что сразу можно определить, какой нужен именно тебе, так как в названии отражено назначение гитары, а не перечисление моделей или музыкантов.

Такой подход позволяет, даже не разбирающемуся в различиях между стратокастером и телекастером выбрать подходящий звук, для своей музыкальной сессии, а при работе над проектом «накидать» примерный звук, который можно будет доработать более точными регулировками.

Выбор пресетов в программе AmplifikationOne.

Если же есть необходимость «зарыться» в настройки и создать свой уникальный звук, то для этого имеются все возможности.

Видео показывает назначение кнопок плагина, а также возможности по выбору кабинетов, усилителей и перегрузов.

Для обработки гитар я использую его гораздо чаще, чем Guitar Rig.

Аудио демонстрацию плагина можно послушать тут.

[UPD]

Скачать в ознакомительных целях можно тут.

Привет, друг.

Рад видеть в уютненьком.

Любое обучающее видео говорит об уникальности и оригинальности производимого музыкального контента.

Это ставится во главу любой работы - "Создай неповторимый продукт и завоюешь рынок"!

Безусловно, это имеет место, однако, ставить такой подход целью, на мой взгляд, перебор.

Для создания уникального, нужно научиться действовать "как все", что не менее трудное испытание.

Подражая другим артистам развиваешь сосредоточенность и терпение, осваиваешь навыки и методы, формирующие опыт и фундамент дальнейшего развития.

Я думаю, чем раньше сможешь производить качественный неоригинальный материал, тем быстрее придет понимание, как быть оригинальным.

Любой может не согласиться с этим и я готов выслушать тебя в комментариях, но позволю пояснить мысль.

Понять меня просто, достаточно посмотреть на другие области творчества, чтобы увидеть истину. Великое произведение создается после многих лет "одинаковости". Лучшие повара мира начинали с приготовления обычных блюд, таких же как делают остальные. Художники "рисуют одинаковые вазы", перед написанием своего первого шедевра. Великие фотографы и кинематографисты "вдохновляются" своими кумирами в начале совей карьеры.

И музыканты не исключение.

Все дело в последовательной работе над своим ремеслом. Каждый день. Только так можно развить индивидуальный вкус.

Важно забыть о попытках быть оригинальным. Лучше сосредоточиться на том, чтобы закончить трек, на совершенствовании мастерства и изучении новых навыков, на том, чтобы каждый раз становиться лучше.

Это путь к оригинальности.