Эмоциональные украшения: Тео Феннел
Сегодня мы расскажем об одном из самых эксцентричных ювелиров в истории, чьи творения отмечены причудливостью и изысканным очарованием, они отличаются как невероятной детализацией и изяществом линий, так и экстравагантностью, юмором и зачастую присутствием сюжетной линии.
В британской прессе его зачастую называют «король побрякушек», а его украшения можно увидеть на многих знаменитостях от Элтона Джона и Наоми Кэмпбэлл до Мадонны и Кортни Лав, что свидетельствует о красочном воображении и невероятно развитом интеллекте человека на ходу цитирующего Шекспира, или же Джона Мильтона.
Родился же Тео в Египте, где был расквартирован гарнизон его отца, и как любой ребенок военных провел первые годы своей жизни перемещаясь с родителями по всему миру. В отличии от старших сестер с ходу поступивших в Оксфорд, будущий гений ювелирного дела не подавал особых надежд на школьной скамье и был невероятно ленив, но его спас ярко выраженный художественный талант.
И пройдя обучение в Йоркском колледже искусств, а затем в независимой Школе искусств Бьяма Шоу, поступил на работу подмастерьем в созданную еще в 17-м веке мастерскую Эдварда Бэрнарда в Хаттон-Гардене. И как это зачастую бывает вдохновение пришло к нему абсолютно неожиданным образом.
Однажды предмет, привезенный для ремонта, поразил мое воображение. Это был бокал для шампанского из 18-каратного золота 20-х годов, на котором были выгравированы слова: «Доброе утро, Диана». Я сразу подумал: идея таких прихотей и причуд обязательно должна прийти и в наши дни.
И вот в 1982 году Тео открыл собственную мастерскую. Как раз в тот период времени в Лондоне произошел взрыв креативности, панк-культура разрушила устоявшиеся стили и направления, создавая ощущение невероятного количества свободного воздуха в искусстве и ускоряя нетрадиционные, не типичные ранее веяния в ювелирной моде. Это позволило Тео создавать свой неповторимый и очень узнаваемый стиль.
При этом мастер был и остается и по сегодняшний день сторонником сохранения старинных традиций в ювелирном деле, создания творений вручную, при этом умело использую инновационные технологии и различные современные техники. Дизайнер уделяет огромное внимание декору в виде различных мелких, искусно выполненных деталей, для него крайне важна цветовая гамма создаваемых украшений, зачастую проводятся эксперименты, соединяющие всевозможные оттенки и заставляющие оживать его изделия.
Я думаю люди повсюду возвращаются к правильным ценностям в ювелирных изделиях, а это отличный от общей массы и оригинальный дизайн в сочетании с прекрасно выполненной над украшением работой. Почему они должны платить целое состояние на рекламу произведенного серийно объекта, когда за эти же деньги они могут получить что-то личное и по-настоящему родное. Украшение, которое будет индивидуально многие поколения в семье. Это много больше, чем что-либо, что может сделать крупный бренд.
Несмотря на то, что воспитание Тео познакомило его со многими культурами, вдохновение он черпает в британской. Мюзик-холлы и мюзиклы, церкви, поп-арт и музыка, театр, литература, спорт и архитектура, ярмарочные площадки, елизаветинское искусство и поэзия — это те некоторые идеи, которые пронизывают временной нитью творчество мастера.
Мастер абсолютно уверен, что без интересных, веселых, сюжетных украшений жизнь станет серой и блеклой, и в свои 69 лет до сих пор полон энергии, имеет невероятное количество новых идей.
Украшения могут взволновать сердце, перенести нас в сказку и потрясти. Я не говорю, что Земля перестанет вращаться без них, но это одна из тех специй жизни, которые делают ее намного более интересной и приятной.
Спасибо за внимание!
Главное быть молодым душой
Ювелирные техники: Гильоше
Приветствую всех на нашем ювелирном канале.
Гильоше — это орнамент в виде густой сети волнистых фигурных линий, переплетающихся между собой. Такая декоративная отделка украшения мало кого оставит равнодушным.
Густые узоры придают поверхности особую красоту, а игра света делает изделия с гильошем и вовсе удивительными.
Искусство гильошировки прошло долгий путь, но пользуется популярностью и в наши дни. Изделия, расчерченные оригинальными гравированными штрихами, притягивают и простых ценителей прекрасного, и опытных коллекционеров.
Искусство, проверенное веками
Гильоширование зародилось в Средние века. Именно тогда мастера с помощью гравировального станка стали наносить на вращающуюся или плоскую заготовку узоры из волнообразных линий, расположенных в определенной геометрической последовательности. Медленно, линия за линией, создавались тончайшие кружевные переплетения штрихов.
Искусство гильоше достигло пика популярности в XVII-XVIII веках, когда созданием узоров на металле увлекались даже королевские особы.
Ведущий вклад в развитие токарно-копировальных станков на Руси внёс русский самородок, личный токарь Петра Первого, Андрей Нартов. Его станки остались в политехническом музее в Москве и их принципы работы практически не изменились за прошедшее время.
Каждая эпоха добавляла в технологию что-то новое. Совершенствовался не только станок для гравировки, но и тонкости нанесения узора.
В XIX веке интерес к гильошировке вырос с новой силой. Это произошло благодаря революционному на тот момент открытию Карла Фаберже — нанесению эмали на гильошированный фон.
Обучаясь в Европе, маэстро Фаберже очень заинтересовался гильошировочными станкам и привез себе такой же. В работе на нем он достиг величайшего мастерства и поражал современников разнообразием рисунков и оттенков эмали.
Фирма Фаберже выполняла свыше 200 вариантов гильоша, используя более 150 оттенков цветов, тогда как другие ювелиры могли украсить свои творения лишь несколькими, самыми простыми, цветами. Знаменитые пасхальные яйца и рамки для фотографий Фаберже до сих пор поражают тончайшей игрой оттенков, совершенством мельчайших деталей.
Узоры гильошировки настолько сложны и неповторимы, что исторически используются как один из видов защиты денежных купюр. Что, к сожалению, в советское время привело к полному запрету его использования в других отраслях и эти станки разрабатывались только мастерами-самородками.
К концу века стремительное развитие технологий и конвейерное производство стало вытеснять ручные ремесла. Это коснулось и техники гильоше.
Интересным фактом является то, что к концу XVII века станки для нанесения узоров гильоше были практически у всех обеспеченных людей. В высшем свете считалось достаточно модным украшать шкатулки уникальными узорами самостоятельно. Занимались таким искусством не только мужчины, но и женщины. Сама королева Виктория считала достойным делом скоротать вечер за токарным станком и собственноручно украсить компас или зеркальце.
Радуга ювелирной эмали
Эмаль — это разноцветное легкоплавкое стекло, которое мастера наносят на поверхность металла. А гиольшированная поверхность в сочетании с цветной эмалью придают изделию особенную выразительность.
Еще со времен Фаберже эмалирование не теряет своей популярности. Сегодня эмаль, нанесенная поверх гильоше, ценится очень высоко: такие изделия красивы и долговечны.
Состав стеклянного сплава зависит от его цвета. В основу из кремнеземов добавляют окислы кобальта, никеля, калия и прочих красящих металлов. Сложный состав эмали необходим еще и для того, чтобы стекловидная масса прочно сплавилась с металлом.
Эмали бывают прозрачные и непрозрачные, а также опалесцирующие, т.е. изменяющие степень прозрачности в зависимости от освещения. Обычно для гильоша используют лишь прозрачные и опаловые эмали, чтобы было хорошо видно красоту узора.
Наложение эмали происходит обжигом в печах при температурах около 800 градусов Цельсия. Горячая эмаль — самая трудоемкая, но именно этот способ используют с древних времен великие ювелиры. Процесс обработки такой эмали очень сложен. Необходимо следить, чтобы в эмалевой массе не было пузырьков воздуха, чтобы масса легла ровно, контролировать температуру обжига. Ведь цвет эмали зависит не только от ее состава, но и от температурного воздействия.
После застывания эмали изделие шлифуют и повторно обжигают, чтобы достичь идеальной гладкости. Изделия со сложной композицией обжигаются от 10 до 100 раз, пока не обретут желанную безупречность.
Современный холодный способ эмалирования намного проще. Холодные эмали могут застывать при комнатной температуре, при небольшом нагревании либо под воздействием ультрафиолета. Но оно не является таким долговечным и уникальным.
Гильоше в современном ювелирном деле
Сегодня для гильошировки ювелирные дома и частные мастера часто используют станочную резьбу. Тонкие параллельные или пересекающиеся, ровные или дугообразные линии ложатся на гладкий металл, создавая сложный объемный узор.
Гильоширование с помощью станка чпу позволяет добиться достаточно высокого качества изделий. Со станком возможно воспроизводить узоры любой сложности, но все же настоящим искусством является ручная работа на станке, так как красота эмали выявляется только после ручной работы.
Немногие ювелирные бренды в наши дни работают в технике гильоше, а мастера ручной гравировки — большая редкость.
Не теряет популярности и использование разноцветных эмалей. Современные украшения покрывают и нежной вязью пастельных оттенков, и броскими узорами ярких цветов, и полупрозрачной эмалью, что позволяет подобрать аксессуар к любому образу.
Особое место искусство гильоше занимает в часовом производстве. Золотые или серебряные циферблаты, покрытые тонким узором, выглядят еще более благородно. Лаконичный классический дизайн, дополненный гильошированием, подчеркивает высокий статус и хороший вкус своего владельца.
Гильоше можно встретить не только в ювелирных изделиях. Он украшает usb-носители, разнообразные подставки для гаджетов, шариковые ручки, расчески, зеркала и другие предметы. Любое изделие может быть украшено гранями гильоше, тем более, что интересный узор сможет подарить вторую жизнь даже не новым аксессуарам.
Знаменитые мастера
Уникальные «лучи», «ячменные колосья», «зигзаги» и «муаровые переливы» гильошировки создаются благодаря особому чутью мастера. В отличие от обычной гравировки, где рука ювелира ведет резец по поверхности изделия, гильоше требует перемещения и самой детали относительно резца — мастер делает это движением большого пальца.
Безусловно, достичь совершенства в подобной технике удавалось немногим. До великого Фаберже в России технику гильоширования освоила ювелирная фирма «Карл Эдуард Болин», с 1916 года работающая в Стокгольме как официальный поставщик драгоценностей Его Королевского Величества.
Выдающимся гильошировщиком был Михаил Евлампиевич Перхин. Его мастерство тем более удивительно, что Михаил Евлампиевич был крестьянином и самоучкой. Именно Михаилу Перхину мы обязаны непревзойденными Императорскими Пасхальными яйцами: он отвечал за их создание вплоть до своей смерти, на каждом стоит клеймо мастера «М.П.».
Йохан Бенцингер — знаменитый мастер из Пфорцхайма (Германия), городка, ставшего мировым центром гильоширного промысла. Его называют живой иконой гильоширования. Он обучался у лучших мастеров гравировки, а ручное мастерство гильоше освоил самостоятельно. Йохан — декоратор часового ателье Grieb & Benzinger, выпускающего уникальную продукцию для коллекционеров. Он работает на старинных гильошировочных машинах, самая новая из которых выпущена в 50-е годы XX века, сам их чинит и реставрирует.
Сергей Иванович Квашнин — полный кавалер ордена Карла Фаберже, заместитель председателя наградного комитета Международного Мемориального фонда Карла Фаберже и, среди прочего, выдающийся мастер гильошировки.
Сергей Иванович — автор оригинальных граверных и гильошировочных станков, запатентованных в Роспатенте. Его станки позволяют делать более 100 000 узоров гильоша — в несколько тысяч раз больше, чем у великого Фаберже.
Всем спасибо за внимание!
Рене Лалик - гений ювелирного дела, ставший стеклодувом
Добрый день, всем отличного настроения дорогие подписчики и гости канала.
Лето 1872 года, тихая улочка в предместье Парижа. Мальчик сидит на ступенях дома. На коленях он держит альбом, в руке – карандаш. Мир вокруг полон жизни, и в его альбоме – необычайно талантливые наброски цветов, деревьев, птиц… Но он упорно стремится нарисовать кое-что другое, и это кое-что никак не выходит. Он думает об этом день и ночь, но все попытки тщетны. Ему двенадцать лет, его зовут Рене Лалик, и однажды он станет великим.
В тот год он получил свою первую награду за успехи в рисовании, а уже в шестнадцать лет окунулся в мир искусства с головой – поступил подмастерьем к известному ювелиру, посещал школу декоративного искусства, затем совершенствовал навыки в Лондоне и Париже.
Сперва он работал простым чертежником в ювелирных фирмах, но затем его эскизы начали активно использовать, поначалу скрывая имя автора. Такая ситуация категорически не устраивала Рене, и, поднакопив денег, он открыл собственное дело. На пороге двадцатипятилетия он принял участие в ювелирной выставке в Лувре.
ЭскизыЕго ждала карьера респектабельного ювелира, создающего украшения по известным образцам и лишь иногда позволяющего себе вольности, человека почтенного и уважаемого. Но Рене был не просто талантливым юношей с прекрасным образованием, он был гением.
Традиционное ювелирное дело – драгоценные металлы, баснословно дорогие камни, геометрические формы – быстро наскучило Рене с его живым воображением и беспокойным характером. Он твердил, что намерен «пробовать что-то новое и возмутительное» - и эти слова стали лейтмотивом его творчества.
Рене Лалик использовал необычные мотивы и материалы.
Именно в те годы зарождался модерн, которому суждено было просуществовать недолго, но перевернуть с ног на голову культурную жизнь всей Европы. Рене Лалик не просто подхватил модное веяние - он стал одним из основателей стиля.
Владельцы ювелирных салонов смеялись ему в лицо: «Разве станет почтенная мать семейства носить брошь в виде каких-то ласточек? А эти плебейские колосья, что за ерунду вы выдумываете, месье Лалик!».
Но стоило Рене воплотить свои идеи в материале, как они, завороженные, выплачивали ему любую сумму и просили повторить в нескольких экземплярах.
На выставке в Парижском салоне дю Шан-де-Марс, Лалик совершил настоящую революцию. Критики были возмущены – сочетать драгоценные металлы с черепаховым панцирем и слоновой костью? А тот кошмарный клубок змей полагается крепить на корсаж? Да что себе позволяет этот выскочка?! Зрители же – в основном зрительницы – пришли в восторг. У молодого ювелира появились свои поклонницы.
Одной из них была великая актриса Сара Бернар. Неординарный характер и необычная внешность этой женщины завораживали Лалика. На долгие годы она стала для него музой и покровительницей. Бернар обожали, Бернар подражали – и спрос на украшения Лалика только рос.
Эскизы украшений для сценических костюмов Сары Бернар.
Он был настоящим возмутителем спокойствия. Именно он ввел в моду украшения с женскими образами – по тем временам это было просто неприлично.
В 1900-м году женская одежда была весьма консервативна – закрытые темные платья, чопорность и благопристойность. Крупные, смелые украшения Рене Лалика (и в стиле Лалика, ведь подражание его работам стало сродни массовому помешательству среди ювелиров) требовали обнаженного тела. И светские львицы решительно облачились в платья с глубокими вырезами и открытыми плечами.
Русская императрица Александра Федоровна тоже не осталась равнодушной к мастерству французского гения – заказы от императорской семьи поступали ему неоднократно.
Лалик-ювелир был феноменально популярен и успешен, но однажды все изменилось. Бесконечный поиск новых материалов отбросил Рене на много лет назад, туда, в предместье Парижа, в начало 1870-х, туда, где маленький мальчик рыдал и рвал на клочья свои рисунки, потому что не мог изобразить… облака.
Сейчас, уже состоявшимся пятидесятилетним мужчиной, бешено знаменитым ювелиром, счастливым мужем и отцом, он нашел ответ. Карандаш не сохранит изменчивой легкости облаков – но стекло с этой задачей справится.
Так ювелир Рене Лалик стал стеклодувом. Во многом этому поспособствовала и встреча со знаменитым парфюмером Франсуа Коти. Он тоже был известным скандалистом: однажды, получив отказ в продаже духов, Коти разбил флакон прямо в бутике. Посетители, околдованные незнакомым и странным ароматом, стали наперебой требовать продать им этот парфюм. Существовавший тогда дизайн флаконов ему совершенно не нравился – Коти считал, что флакон должен соответствовать аромату, отражать его дух, его идею. Однажды, прогуливаясь без особой цели по улицам Парижа, он увидел витрину ювелирного магазина Рене Лалика и понял: вот оно.
Флакон для духов, дизайн Рене Лалика
Флакон для духов, дизайн Рене Лалика
Поначалу Рене предстояло лишь рисовать эскизы, доверяя воплощение стеклодувом завода «Баккара», но результат ему не понравился. Лалик был человеком эпохи Возрождения, чудесным образом заброшенным в индустриальный XX век. Если материалы и технологии не позволяют воплотить его идеи – что ж, он сам изобретет что-то новое!
Рене Лалик экспериментировал с формами и материалами
За свою жизнь Рене Лалик получил шестнадцать патентов на технологии изготовления стекла. Цветное стекло, градиентная окраска, стекло с патиной – все это воплощение изобратательского таланта Лалика. Рецепт изготовления опалесцентного (переливающегося) стекла не разглашается компанией Lalique до сих пор.
Он создавал потрясающей красоты флаконы для духов – таких же новаторских, как и его изделия, вазы для современных интерьеров и светильники, словно украденные из сновидений.
А в последние годы жизни увлекся оформлением интерьеров – и, разумеется, преуспел.
Интерьер с использованием стеклянных изделий Рене Лалика.
Основанную им компанию унаследовал сын, затем – внучка, а в 2008 году владельцем Lalique стал Сильвио Денц – преданный поклонник и коллекционер изделий Рене Лалика.
Сегодня Lalique выпускает предметы декора, ювелирные изделия и собственные духи, сотрудничает с современными гениями дизайна и остается верным идеям своего основателя и его неустанному стремлению к ускользающей красоте.
Флаконы, созданные Рене Лаликом.
Всем спасибо за внимание!
Икона стиля
Консоли PS4 и Xbox в отделке "под дерево"
Сможете найти на картинке цифру среди букв?
Справились? Тогда попробуйте пройти нашу новую игру на внимательность. Приз — награда в профиль на Пикабу: https://pikabu.ru/link/-oD8sjtmAi
Эмоциональные украшения: Севан Бычакчы
Назвать Севана Бычакчы просто ювелиром, сродни тому, что присвоить Микеланджело профессию простого резчика. Будучи турком армянского происхождения, он вырос и много лет трудится в прекрасном Стамбуле, городе, который долгое время процветал как мост между культурой Востока и Запада, в какой-то степени как центр мира.
Всюду прекрасные памятники и здания, полные таинственности, являющиеся богатым историческим и культурным наследием.
Я нахожусь возле Большого базара, Голубой мечети, дворца Топкапы, турецкой бани Чемберлиташ. Проживание моей жизни среди всех этих памятников вдохновило меня на создание особого стиля, который во многом связан с наложением слоев друг на друга, во многом как многослойная история самой Святой Софии, византийской церкви, превращенной в мечеть и в музей. Вход в любой из них, особенно прогулка по улицам Гранд-базара, заставляет меня чувствовать, что я будто путешествую на машине времени. Вот так я и пришел к размышлению о том, что я делаю сейчас. Возможно, я прошел тысячи километров как молодой ювелир.
В школе будущий гениальный мастер был весьма слабым учеником, но всегда проявлял склонность к искусству. И вот в возрасте 12 лет отец привел его постигать секреты ювелирного мастерства в мастерскую известного ювелира Овсепе Чатака, расположенную в золотых рядах Большого базара.
В течении четырех лет, которые Севан провел под руководством Чатака, самое главное, чему его научили помимо основных приемов ремесла – это манере вести себя в профессиональной среде ювелиров, умению найти свой собственный путь и стиль, и вдохновению творить.
Технике ювелирного ремесла можно научить, но вдохновение творить – является основным ингредиентом, и оно либо есть, либо его нет.
Через шесть лет после начала обучения учитель скончался, поэтому Севан организовал собственную мастерскую. Много лет он работал на основе субподряда, и сильно устал от такой деятельности. В 29 лет он даже вынужден был признать себя банкротом.
Но… Затем он решился выпустить собственную коллекцию, и темой первой, выпущенной в 2002 году был его родной Гранд-базар. Коллекция создавалась в течении года и Севан заставил весь мир говорить о себе, как о мастере, владеющем оригинальной техникой работы с камнем и металлом. Этими украшениями он сумел сломить возникшее в последние годы недоверие к турецким драгоценностям, возродив и приумножив в своих шедеврах богатейшие традиции золотых дел мастеров Востока.
Захватывающие дух творения Севана Бычакчы говорят сами за себя, не зря его называют иконой современного ювелирного мира. Хетты, шумеры, фригийцы, лидийцы, персы, греки, римляне, османы и многие другие цивилизации, существовавшие на территории современной Турции, вносили свой вклад в развитие ювелирного искусства, оставляя после себя бесценное наследие, из которого и черпает вдохновение для своих работ мастер.
В своих искусных творениях Севан использует множество различных техник, у него работают 95 ювелиров, обладающих выдающимися знаниями и навыками в определенной области ювелирного искусства. Но особенно примечательна уникальная разновидность техники инталия, которая представляет собой нечто подобное гравировке, благодаря которой, создается эффект объемной картинки внутри драгоценного камня.
О технике инталия вы можете прочитать в материале нашего канала: «Инталия – резьба по камню».
«Копаться в драгоценных камнях с их задней стороны делает нашу работу невероятно сложной, потому что трудно контролировать качество исполнения. В конце дня многие камни трескаются, или художественное качество окончательного исполнения не удовлетворяет нас. И они уходят в мусорное ведро», - говорит Эмре Дилавер, креативный директор Севана.
В 2009 году мастер стал одним из девяти художников, и собственно единственным ювелиром, получившим награду лондонского музея Виктории и Альберта, художникам и дизайнерам, работающим в мусульманской традиции.
Что самое удивительное, его мастерская выпускает не больше 500 украшений в год, поскольку все работы выполняются вручную. И мастер не работает на заказ, а создает только те украшения, дизайн которых приходит ему как вдохновение.
Как подтверждение этого тезиза в 2019 году была выпущена коллекция часов, состоящая из 85 позиций. А работа над ней началась в далеком 2007 году, после посещения мастером выставки османских часов 18-19 веков. В те времена мастера могли работать над одними часами на протяжении нескольких лет, а порой и всей жизни.
«Они не спешили. Это именно то, чего я хотел достичь с помощью своих часов. Пусть умы зрителей переместятся из сознания времени в новый способ наслаждения моментом».
Спасибо за внимание!