nika.nikiforova

Одним из ключевых событий, ознаменовавших рождение минимализма, стала выставка «Первоначальные структуры» в 1966 году в Еврейском музее Нью-Йорка. Эта выставка представила работы Дэна Флавина, Сола ЛеВитта, Роберта Морриса, Карла Андре и Дональда Джадда. Геометрические и формально редуктивные произведения произвели фурор и получили широкое признание критиков.

К концу 1970-х годов минимализм достиг признания не только в Америке, но и в Европе. Этому способствовали музейные кураторы, арт-дилеры, публикации, а также новые системы государственной и частной поддержки искусства. Минимализм стал символом стремления к чистоте формы и идеи.

В чем особенность минималистского искусства?

Минимализм в искусстве представляет собой отход от традиционных представлений о том, что произведение должно нести что-то большее, чем само по себе. Зрителям предлагается видеть работу такой, какая она есть, и наблюдать, как она занимает пространство. Картины минималистов часто создаются с использованием простых форм и линий, сводя произведение к его основным качествам.

Это направление отдает предпочтение холодной сдержанности вместо драматизма. Художники использовали промышленные материалы для создания скульптур, подчеркивая анонимность и уходя от экспрессивной избыточности абстрактного экспрессионизма.

Художники и скульпторы избегали явного символизма и эмоционального содержания. Вместо этого они фокусировались на материальности своих работ. В центре этого движения лежит отказ от орнамента и репрезентации, оставляя зрителям минималистичные формы, которые отвергают идеалы модернизма и отстаивают простоту.

Характерные черты минимализма

Минимализм легко распознать по ряду отличительных черт:

- Упрощенные формы: Использование гладких, элементарных геометрических фигур. Отказываясь от биографических отсылок и метафор, минималисты стремились создать произведения, свободные от личного самовыражения, фокусируясь на чистом визуальном опыте.

- Монохромность: Приверженность однотонным и базовым цветовым палитрам придает работам нейтральность. Цвет служит для усиления воздействия произведения, а не для передачи эмоций или смыслов.

- Влияние конструктивизма: Интерес к русскому конструктивизму вдохновил минималистов на использование модульных конструкций и промышленных материалов, противопоставляя их традиционным ремесленным техникам. Редимейды Марселя Дюшана также подтолкнули художников к экспериментам со сборными материалами, размывая границы между искусством и промышленным производством.

- Применение промышленных материалов, а также акцент на физическом присутствии произведения заставляют зрителя взаимодействовать с работой на ином уровне. Масштаб, вес, гравитация и даже свет становятся средствами, через которые искусство общается со зрителем, вызывая физическую и визуальную реакцию.

Самые известные художники-минималисты

Стремясь освободиться от излишней эмоциональности и символизма, художники-минималисты создавали произведения, которые обращались лишь к самим себе. Они верили, что искусство не должно отсылать ни к чему, кроме своей собственной формы и присутствия. К началу 1960-х годов многие из них полностью отказались от традиционной живописи, обращаясь к объектам, которые не вписывались в общепринятые категории живописи или скульптуры.

Фрэнк Стелла

Фрэнк Стелла, переехав в Нью-Йорк в 1958 году, оказался под влиянием абстрактных экспрессионистов, таких как Джаспер Джонс и Барнетт Ньюман. Однако в его абстрактных работах отсутствовал метафорический и метафизический подтекст, характерный для их творчества. Стелла стремился к чистоте формы и цвета.

Его знаменитая серия «Черные картины» (1958–1960) произвела настоящий фурор в мире искусства. Концентрические полосы на холстах, натянутых на толстый деревянный каркас, агрессивно отделяли работы от стены, подчеркивая их материальность. Отсутствие следов кисти и абсолютная плоскостность стали эталоном для других художников. Стелла расширил границы живописи, превратив свои работы в объекты с характеристиками архитектуры и скульптуры, бросая вызов традиционным представлениям об искусстве.

Дональд Джадд

Дональд Джадд — один из главных теоретиков минимализма и новаторов в области галерейного пространства. Он выступал за оживление выставок путем нетрадиционного размещения объектов, в том числе вертикального подвешивания произведений на стенах.

В течение 1960–1970-х годов Джадд создавал многочисленные версии своих безымянных работ, всегда сохраняя единый масштаб, но экспериментируя с цветами и материалами. Его цель состояла в том, чтобы произведения существовали в реальном трехмерном пространстве, а не изображали иллюзорную глубину или сюжет, как это было в традиционной живописи и скульптуре. Джадд стремился к чистоте формы, где объект является самим собой без дополнительных интерпретаций.

Роберт Моррис

Роберт Моррис исследовал простые геометрические формы в своих крупных скульптурах — кубах, параллелепипедах и других многогранниках. Его работы приглашали зрителя стать частью художественного процесса, взаимодействуя с произведением путем перемещения вокруг него.

В 1966 году Моррис опубликовал эссе «Заметки о скульптуре», где рассматривал процесс восприятия и взаимодействия с конструкцией. Он подчеркивал, как зритель интуитивно интерпретирует форму и пространство, делая акцент на личном опыте каждого человека при встрече с искусством.

Постминимализм

Постминимализм — художественное движение, которое возникло в конце 1960-х — начале 1970-х годов и стало ответом на строгие каноны минимализма. Термин был введен искусствоведом и критиком Робертом Пинкус-Виттеном, чтобы описать новое направление, которое сочетало в себе элементы минимализма и стремилось расширить его границы.

После периода доминирования минимализма, характеризовавшегося простотой форм и беспристрастностью, художники стали искать новые способы выразить себя. Постминимализм позволил им вернуть в искусство эмоции и индивидуальность, не отказываясь при этом от достижений предыдущего движения.

Творцы этого периода создавали разнообразные произведения искусства. Некоторые из них акцентировали внимание на традиционных, выразительных аспектах — цвете, текстуре, символизме. Другие же, напротив, исследовали безличные и материальные представления, используя нестандартные материалы и техники. Ключевую роль в развитии постминимализма сыграли такие художники, как Ричард Серра и Тони Смит.

Заключительные мысли

Закат минималистического движения в конце 1960-х годов не означал крах его идей. Напротив, это стало началом новой эпохи. Многие художники выбрали свой собственный путь, отказавшись от строгих рамок и правил. Постминимализм, с его разнообразием и свободой самовыражения, стал трамплином для множества последующих направлений в искусстве.

Близка ли вам эстетика минимализма? Делитесь в комментариях!

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Итак, начнем!

Буйабес по рецепту Пабло Пикассо

Буйабес — традиционный провансальский рыбный суп, который был любим многими художниками, включая Пабло Пикассо, проводившего много времени на юге Франции.

Ингредиенты:

Рыба и морепродукты:

- 1 кг разнообразной морской рыбы (морской окунь, скорпена, треска)

- 500 г морепродуктов (мидии, креветки, кальмары)

Овощи и приправы:

- 2 большие луковицы, мелко нарезанные

- 4 помидора, ошпаренные и очищенные от кожицы

- 3 зубчика чеснока, измельченные

- 1 лук-порей, нарезанный

- 1 фенхель, нарезанный

- Щепотка шафрана

- 1 лавровый лист

- Веточка тимьяна

- Петрушка для подачи

Дополнительно:

- 100 мл оливкового масла

- Соль и перец по вкусу

- 1,5 л рыбного или овощного бульона

Приготовление:

1. В большой кастрюле нагрейте оливковое масло. Добавьте лук, лук-порей, фенхель и чеснок. Тушите на среднем огне до мягкости.

2. Добавьте нарезанные помидоры, лавровый лист, тимьян и шафран. Тушите еще 5 минут.

3. Влейте бульон, доведите до кипения. Добавьте рыбу и морепродукты. Варите на среднем огне около 15 минут.

4. Приправьте солью и перцем по вкусу. Подавайте горячим, посыпав свежей петрушкой и с ломтиками поджаренного багета.

Яблочный тарт Татен от Клода Моне

Яблочные десерты были любимыми у Клода Моне. Он выращивал в своем саду яблоки, а также груши и несколько сортов персиков, слив и вишен.

Моне нарисовал соблазнительную версию этого яблочного пирога на знаменитом полотне под названием «Пироги» (Les Galettes). Приготовленный из слоеного теста и карамелизированных яблок (иногда с капелькой кальвадоса), этот десерт является идеальным завершением любой трапезы.

В доме художника в Живерни часто готовили яблочный тарт Татен — перевернутый пирог с карамелизованными яблоками.

Ингредиенты:

- Кислые яблоки — 6-8 шт.

- Сахар — 150 г

- Масло сливочное — 100 г

- Тесто слоеное — 500 г (магазинное или приготовленное дома)

- Корица — по желанию

Приготовление:

1. Яблоки очистите от кожицы и сердцевины, разрежьте на четвертинки.

2. В огнеупорной сковороде или форме для выпечки растопите сахар на среднем огне до образования карамели светло-коричневого цвета.

3. Добавьте сливочное масло, перемешайте до однородности.

4. Выложите яблоки в карамель плотно друг к другу, присыпьте корицей по желанию.

5. Раскатайте тесто и накройте им яблоки, подвернув края внутрь формы.

6. Сделайте несколько проколов вилкой в тесте для выхода пара.

7. Запекайте в разогретой до 190°C духовке около 30-35 минут, пока тесто не станет золотистым.

8. Достаньте пирог из духовки, дайте постоять 5 минут. Затем аккуратно переверните его на блюдо так, чтобы яблоки оказались сверху.

Каталонская курица в вине от Сальвадора Дали

Сальвадор Дали ценил изысканные и необычные блюда. Каталонская курица в вине сочетает в себе богатые вкусы его родной Каталонии.

Ингредиенты:

Основные:

- 1 курица, разделанная на части

- 200 г чернослива без косточек

- 100 г кедровых орехов

- 2 луковицы, мелко нарезанные

- 3 зубчика чеснока, измельченные

Маринад:

- 300 мл красного вина

- 50 мл бренди или коньяка

- 2 лавровых листа

- Веточка розмарина

- Соль и перец по вкусу

Дополнительно:

- Оливковое масло для жарки

- Петрушка для украшения

Приготовление:

1. Маринад:

- В большой миске смешайте красное вино, бренди, лавровые листья, розмарин, соль и перец.

- Поместите кусочки курицы в маринад и оставьте на 2-3 часа (лучше на ночь в холодильнике).

2. Обжарка:

- Достаньте курицу из маринада и обсушите. Маринад сохраните.

- В глубокой сковороде разогрейте оливковое масло. Обжарьте курицу до золотистой корочки со всех сторон. Выложите на тарелку.

- В той же сковороде обжарьте лук и чеснок до мягкости.

- Верните курицу в сковороду, добавьте маринад, доведите до кипения.

Как вам рубрика и представленные блюда? Делитесь впечатлениями в комментариях!

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Пишут мне в личку: как художнику начать продавать свои работы и зарабатывать на этом деньги? Это действительно важный вопрос для многих творческих людей. И хотя у каждого из нас свой путь, хочу обратить внимание на одну ключевую мысль.

Многие современные художники получают свой основной и стабильный заработок не столько от продажи своих работ частным лицам, сколько от сотрудничества с юридическими лицами, музеями и крупными компаниями. Эти организации регулярно предлагают гранты, конкурсы и стипендии с привлекательными денежными вознаграждениями. Такая поддержка стала уже нормой в мире искусства.

Например, получение стипендии от фонда искусств или участие в арт-резиденции может обеспечить художнику непрерывный доход и новые возможности для развития. Продажа искусства частным лицам часто бывает непредсказуемой и ситуативной, поэтому полагаться только на нее может быть рискованно.

Более того, многие художники совмещают творчество с преподавательской или прикладной работой (реставрация, работа с интерьерами и т.д.). Это не только гарантирует стабильный денежный поток, но и обогащает их профессиональный опыт.

Поэтому, если вы стремитесь сделать искусство своим основным источником дохода, рассмотрите различные варианты: участвуйте в грантах и конкурсах, сотрудничайте с музеями и фондами, исследуйте возможности преподавания. Продажа своих работ частным коллекционерам может стать приятным бонусом, но не обязательно единственным путем к финансовой стабильности.

И помните, что исключения всегда существуют, но они лишь подтверждают правило: в современном мире художнику (и не только ему😅) важно быть гибким и открытым к разным возможностям. Ваш путь в искусстве уникален, и чем больше дверей вы откроете, тем больше шансов найти свою нишу и добиться успеха.

Почему люди вообще покупают искусство?

Я не претендую на абсолютную истину, но хочу поделиться своим взглядом на основные причины, расположенные в порядке приоритетности и бюджета.

1. Статус и престиж

Владение определенными произведениями искусства подчеркивает статус человека. Коллекционеры гордятся тем, что в их коллекции есть уникальные работы, и это часто открывает двери в определенные сообщества и круги. Искусство становится символом успеха и принадлежности к высшему обществу.

2. Поддержка искусства и благотворительность

Многие люди стремятся поддержать развитие искусства. Это может проявляться через прямую покупку работ или посредством субсидирования искусств через фонды и гранты. Благотворительные приобретения искусства не только способствуют развитию культуры, но и укрепляют социальный статус благодетеля, отражая его ценности и социальную ответственность.

3. Особенный подарок

Искусство часто выбирают в качестве уникального и запоминающегося подарка, будь то для близкого человека или делового партнера. Такой подарок демонстрирует оригинальность и вдумчивость, а иногда и престиж. Бюджеты на такие подарки могут варьироваться от умеренных до весьма значительных, особенно в деловой сфере.

4. Украшение интерьера

Желание сделать свой дом или офис особенным — еще одна весомая причина для покупки искусства. Картины, скульптуры и графика придают пространству индивидуальность и создают атмосферу. Примечательно, что сегодня приобрести произведение искусства можно по цене ужина в ресторане, что делает его доступным для широкой аудитории.

5. Ситуативная покупка

Иногда искусство покупают импульсивно. Человек может не планировать приобретение, но, увидев работу, испытывает сильный эмоциональный отклик и принимает решение сразу же. Такие спонтанные покупки могут быть как недорогими, так и весьма затратными, но практически всегда основываются на личном впечатлении и моменте.

«А искусство как инвестиция?» — спросите вы. Инвестиционная составляющая редко является единственной причиной для покупки искусства. Хотя все пункты могут подразумевать инвестиционный интерес, я лично никогда не встречала коллекционера, который покупал бы произведения только ради вложения/приумножения средств.

Прибыльное искусство: какое оно?

Итак, после того как мы разобрали причины, по которым люди приобретают искусство, давайте рассмотрим, какими должны быть предметы искусства, помогающие достигать представленных в другом посте целей?

Представьте себе ситуацию: человек сообщает своим близким или светским знакомым, что приобрел работу известного автора. Все одобрительно кивают, ведь имя этого мастера на слуху, о нем пишут в уважаемых изданиях, и все понимают ценность такой покупки. Здесь ключевую роль играет именно символический капитал — авторитет и признание художника.

Но вот неприятная истина: если имя художника не находится в поисковиках, его статус в мире искусства близок к нулю. Это может быть болезненно, но сегодня присутствие в информационном пространстве крайне важно. Конечно, бывают исключения — например, малоизвестные советские художники, ценимые узким кругом коллекционеров, и т.д. Однако для современных, ныне живущих художников правило «гуглится — значит существует» является непреложным.

С другой стороны, если говорить о покупках по причинам из пунктов 4 и 5 — украшение интерьера или ситуативная покупка — здесь символический капитал автора отходит на второй план. Покупатель руководствуется эмоциональным откликом: работа понравилась, соответствует его представлениям о прекрасном — и этого достаточно для принятия решения. Обычно такие приобретения в большинстве своем менее затратны, чем статусные покупки, хотя, конечно, бывают и исключения.

О перенасыщенности рынка

Важно понимать, что мы живём в эпоху глобального перепроизводства, в том числе и в сфере искусства. Художников сегодня больше, чем потребность в их работах. Рынок перенасыщен, конкуренция высока, а текущая ситуация, когда мы во многом ограничены рамками России и стран СНГ, только усиливает этот эффект.

Галереи способны «взять опеку» лишь над ограниченным числом художников. Вполне нормально, когда художник участвует в ярмарке и не продает ни одной работы. Это случается часто и не означает, что художник «не такой» или «не такая». Просто начинать с нуля без поддержки институций, грантов, пиар-менеджеров и арт-менеджеров — это очень сложный путь. Но я не хочу сказать, что это невозможно, просто важно соизмерять свои силы и ожидания от процесса.

В комментариях делитесь, какое искусство украшает ваши дома, или — что вы бы хотели иметь в своей коллекции?)

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

▎Миф 2: Дадаисты были противниками искусства и стремились его уничтожить

Существует мнение, что дадаисты хотели разрушить искусство. Однако это далеко от истины. Они стремились радикально переосмыслить и расширить понятие искусства. Бросая вызов традиционным канонам, дадаисты вводили инновационные формы и методы: коллажи, фотомонтажи, редимейды (readymade). Вспомните Марселя Дюшана и его знаменитый «Фонтан» (1917) — обыкновенный писсуар, выставленный как произведение искусства. Это был не акт уничтожения, а провокация, заставляющая задуматься о том, что вообще можно считать искусством. Дадаисты трансформировали художественный мир, заложив основы современного и концептуального искусства.

▎Миф 3: Дадаизм был единым и однородным движением

Многие представляют дадаизм как единое движение с общими идеями и целями. Но на самом деле, дадаизм был разнородным и децентрализованным. Различные группы в Цюрихе, Берлине, Париже и Нью-Йорке имели свои уникальные особенности и акценты. Например, цюрихская группа, основанная Хуго Баллем и Эмми Хеннингс, фокусировалась на перформансах и звуковой поэзии. В то же время берлинские дадаисты, такие как Рихард Хюльзенбек и Ханна Хёх, уделяли больше внимания политическому активизму и социальной критике. Объединяла их общая оппозиция к традиционным ценностям и желание радикальных перемен, но их методы и направления часто сильно различались.

▎Миф 4. Дадаизм был кратким явлением и не оставил следа

Думаете, дадаизм промелькнул и исчез, не оставив следа в искусстве? Ничего подобного! Дадаизм стал искрой, зажегшей пламя многих последующих движений. Его влияние ощущается в сюрреализме, где абсурд и иррациональность получили новое звучание. Без дадаизма не было бы ни дерзкого поп-арта, ни концептуального искусства, которые переосмыслили саму природу творчества. Принципы случайности и отрицания традиционных форм, заложенные дадаистами, продолжают вдохновлять художников и сегодня.

▎Миф 5. Дадаисты стояли в стороне от политики

Считаете, что дадаисты были далеки от социальных проблем и политики? Наоборот, они были активистами своего времени! Искусство для них было не просто развлечением, а мощным инструментом протеста. Берлинские дадаисты сражались с милитаризмом и социальным неравенством, используя сатиру и гротеск. Георг Гросс и Джон Хартфилд своими острыми фотомонтажами обличали режим и призывали к переменам.

▎Миф 6. Дадаизм – исключительно мужское движение

Это большое заблуждение! Женщины сыграли ключевую роль в развитии дадаизма. Ханна Хёх, Софи Тойбер-Арп и Баронесса Эльза фон Фрейтаг-Лорингховен не только участвовали в дадаистских мероприятиях, но и были пионерами в своих областях. Ханна Хёх стала одной из основательниц фотомонтажа, использовав его для критики гендерных стереотипов. Эти выдающиеся женщины расширили границы искусства и заложили основы феминистской теории. Их наследие живет в каждом, кто стремится к равенству и свободе самовыражения.

▎Миф 7. Дадаисты были дилетантами без образования

Многие из них дадистов высокообразованными художниками, поэтами и писателями. Ханс Арп учился искусству в Страсбурге и Париже, а Тристан Тцара был известным литератором своего времени. Их осознанный отказ от академических норм был не из-за незнания, а как протест против устаревших ценностей. Как говорил Рихард Хюльзенбек: «Дада желает установить связь между искусством и жизнью». Они не просто разрушали старое – они строили новый мир искусства.

▎Миф 8: Дадаизм был исключительно европейским феноменом

Многие уверены, что дадаизм был исключительно европейским явлением, возникшим в Цюрихе в 1916 году и не вышедшим за пределы континента. Но это далеко от истины! Знаете ли вы, что дадаизм быстро пересек океаны и повлиял на мировую культуру?

В Нью-Йорке сформировалась своя группа дадаистов, где такие выдающиеся личности, как Марсель Дюшан и Ман Рэй, стали ключевыми фигурами американского движения. Дюшан, переехавший в США в 1915 году, представил там свои знаменитые редимейды, бросив вызов традиционному пониманию искусства. Благодаря глобализации и развитию международных коммуникаций, идеи дадаизма — абсурда и отрицания традиций — нашли отклик у художников и интеллектуалов по всему миру, от Латинской Америки до Японии.

▎Миф 9: Дадаизм — всего лишь предшественник сюрреализма

Часто дадаизм рассматривается исключительно как предшественник сюрреализма, без признания его самостоятельной ценности в истории искусства. Однако дадаизм обладал уникальными целями и методологиями, которые существенно отличались от последующих художественных движений. В то время как сюрреалисты стремились исследовать подсознательное и сферу сновидений, опираясь на идеи психоанализа Фрейда, дадаисты фокусировались на радикальной критике социальных и культурных институтов, используя абсурд и иронию как инструменты подрыва традиционных ценностей. Их подход был не столько эстетическим, сколько философским и политическим.

▎Миф 10: Дадаизм повлиял только на изобразительное искусство и больше ни на что

Существует мнение, что дадаизм затронул лишь изобразительное искусство. Но на самом деле его влияние гораздо шире! В литературе дадаисты экспериментировали с формой и языком, создавая "звуковые поэмы" и практикуя автоматическое письмо. В театре они внедрили элементы перформанса и спонтанности, предвосхищая появление экспериментального и театра абсурда.

А как насчёт музыки? Курт Швиттерс и другие дадаисты создавали композиции, основанные на случайности и неожиданных звуках. Философские идеи дадаизма, связанные с нигилизмом и критикой рационализма, повлияли на такие направления, как постмодернизм и деконструктивизм.

Заблуждения и мифы, окружающие дадаизм, часто возникают из-за недостаточного понимания его глубинной сущности и сложного исторического контекста, в котором это движение зародилось и развивалось. Дадаизм был не просто реакцией на ужасы Первой мировой войны, но и революционным подходом к переосмыслению роли искусства и художника в обществе. Разрушая стереотипы и обращаясь к первоисточникам, мы можем более полно оценить значимость дадаизма как радикального движения, которое не только отразило кризис своего времени, но и заложило основы для многих инноваций в искусстве и культуре. Его принципы случайности, абсурда и отрицания традиционных ценностей продолжают вдохновлять художников и мыслителей в XXI веке, подчеркивая непреходящую актуальность дадаизма в современном мире.

Переосмысление и развенчание этих мифов позволяет глубже понять дадаизм как многогранное и инновационное явление, оказавшее длительное влияние на искусство и культуру. Дадаисты не только бросили вызов существующим нормам, но и заложили основу для многих современных художественных практик. Их стремление к радикальным изменениям, критика общества и экспериментальный подход продолжают вдохновлять художников и мыслителей по всему миру, подтверждая актуальность и значимость дадаизма в контексте культурной и исторической эволюции.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

В 2010 году исследователь культуры Тимотеус Вермюлен и профессор философии Робин ван ден Аккер опубликовали в журнале Journal of Aesthetics & Culture эссе под названием «Заметки о метамодернизме». В нем они задали смелый вопрос: не находится ли постмодернизм на закате, уступая место новой культурной эпохе? Они утверждали, что начиная с рубежа тысячелетий, постмодернизм постепенно сменяется новым направлением— метамодернизмом.

Метамодернизм, по их мнению, — это движение, которое колеблется между аспектами модернизма и постмодернизма. Это своего рода маятник, качающийся между полярностями: энтузиазм и ирония, надежда и меланхолия, наивность и знание, сочувствие и апатия, единство и множественность, цельность и фрагментация, чистота и неоднозначность. Такие колебания отражаются в произведениях искусства и культурных артефактах нового времени.

После публикации эссе Вермюлен и ван ден Аккер создали постоянную веб-платформу с тем же названием — «Заметки о метамодернизме». Они объединились со многими другими исследователями, работающими на различных интернет-площадках и в научных изданиях, и запустили проект по картированию культуры, стремясь выявить и изучить разнообразные примеры метамодернизма.

Примеры культурных продуктов метамодернизма

Полный список культурных продуктов, которые это широкое сообщество исследователей уже изучило или готово изучить, невероятно обширен. Но прежде чем углубиться в теорию, давайте рассмотрим некоторые из них, чтобы ярче представить себе эстетику метамодернизма.

В кино: фильмы Уэса Андерсона, такие как «Академия Рашмор», «Вечное сияние чистого разума» Мишеля Гондри и «Кролик Джоджо» Тайки Вайтити — все они сочетают в себе искренность и иронию, создавая уникальный эмоциональный отклик.

На телевидении: сериалы «Баффи — истребительница вампиров», «Конь БоДжек» и «Атланта» исследуют глубину человеческих переживаний, используя смесь юмора и драматизма.

В литературной фантастике: «Жизнь Пи» Янна Мартела погружает нас в философские размышления через призму необычных обстоятельств, «Милые кости» Элис Сиболд объединяет трагедию с красотой повествования, а «Время смеется последним» Дженнифер Иган и «Идиот» Элиф Батуман предлагают свежий взгляд на современную жизнь.

В поп-музыке: творчество Суфьяна Стивенса, Дженни Льюис и Childish Gambino отражает метамодернистскую тенденцию сочетания разных жанров и эмоций, создавая глубокие и многогранные произведения.

Этот список — лишь вершина айсберга метамодернистских культурных продуктов, привлекших внимание публики за последние два десятилетия. Все они вызывают сложные чувства, сплетая игривую иронию с искренним восхищением тонкостями человеческого бытия. Это ощущение рождается из постоянных колебаний между полярностями модернизма и постмодернизма — общей закономерностью в культуре начала XXI века, которую отметили Вермюлен и ван ден Аккер.

До метамодернизма

Что объединяет наскальные рисунки древних людей, симфонии Брамса и картины Энди Уорхола? Все они являются отражением определенных культурных эпох и нашего отношения к знаниям и творчеству. Чтобы понять, что такое метамодернизм и почему о нем сегодня так много говорят, давайте пройдемся по основным этапам культурного развития: от традиции до постмодернизма.

Традиция

Традиционная культура посвящена сохранению и уважению знаний прошлого. Художники и творцы стремились к совершенству, опираясь на устоявшиеся стандарты и техники. Представьте себе мастеров, которые поколение за поколением передавали секреты своего ремесла — от наскальной живописи до величественных полотен голландских мастеров, от народных песен до классических композиций Брамса. Прогресс здесь происходил постепенно и органично: люди осваивали проверенные временем методы и соблюдали существующие нормы, добавляя в них частичку своего видения.

Модернизм

С течением времени возникло стремление освободиться от оков прошлого. Культура модернизма была увлечена новациями, открытиями и поиском универсальных истин, способных заменить привычные истории и традиции. В Северной Америке и Европе модернизмом называют период с конца XIX до середины XX века. Художники, такие как Пабло Пикассо, ломали каноны изобразительного искусства. Композиторы, например Арнольд Шёнберг, экспериментировали со звуком и формой. Писатели, подобные Вирджинии Вулф, искали новые способы выражения мыслей и чувств. Философы и ученые — Ницше, Маркс, Фрейд, Эйнштейн — переворачивали представления о мире, заглядывая за фасады привычных понятий. Общество верило в прогресс и неограниченные возможности технологий.

Постмодернизм

Однако после бурного периода модернизма пришло осознание: можно ли доверять универсальным истинам и идеалам прогресса? Постмодернизм возник из этого сомнения. Культура постмодернизма фокусируется на контексте, парадоксах и ограничениях рациональности. Вторая половина XX века— особенно 80-е и 90-е годы — стали временем расцвета постмодернизма в Северной Америке и Европе. Энди Уорхол с его серией «Банок супа Кэмпбелл», Джон Кейдж с бесконечно экспериментальной музыкой, панк-рок с его протестом против системы — все это примеры постмодернистского мышления. Философы Жак Деррида и Жан Бодрийяр ставили под вопрос саму природу реальности и истины. Общество наслаждалось иронией, сарказмом, игрой смыслами и стало ценить неоднозначность и множественность интерпретаций.

Эпистема и взгляд на знание

Для описания подобных культурных периодов используются различные термины: «дух времени» (zeitgeist), «парадигма», «структура чувств». Мне нравится использовать понятие «эпистема» — термин, введенный Мишелем Фуко. Эпистема связана с эпистемологией и подразумевает характерное отношение общества к знанию и тому, как мы его получаем. Интересно, что Фуко разработал свою концепцию эпистемы, отчасти опираясь на идеи Гастона Башляра об «эпистемологическом разрыве» — моментах, когда научное мышление совершает качественный скачок.

Подобно тому, как постмодернизм возник из неудовлетворенности людей уверенностью модернизма, метамодернизм появился вследствие усталости от скептицизма постмодернизма. Но, как говорится, пути назад нет. Метамодернистские культурные продукты не просто призывают вернуться к простой определенности модернистского мировоззрения. Они используют различные приемы, чтобы защитить внутренний мир человека — интериорность — от постмодернистской иронии. Один из таких приемов — осцилляция, то есть колебание между различными идеями и подходами.

Эта модель понимания культурного направления не предполагает, что теперь все стало метамодернистским. Напротив, каждая новая эпоха опирается на предыдущие и совершенствует их, а старые не исчезают. В нашей повседневной жизни всегда будет много традиций, которые проявляются в наших обычаях и ритуалах. Модернизм по-прежнему присутствует в технологиях и бюрократии, необходимых для поддержания сложного общества. Постмодернизм помогает нам видеть контексты и замечать скрытые аспекты вещей. А теперь мы видим все больше метамодернистских культурных продуктов, которые, словно ниндзя, восстанавливают пространство для внутреннего опыта после того, как модернизм и постмодернизм выполнили свою работу.

Важно отметить, что, по мнению Вермюлена и ван ден Аккера, метамодернизм — это не новая философия или политическое движение, и тем более не программа самопомощи. Это нечто иное. Они используют термин «структура чувств», описывая ее как феномен, который каждый может наблюдать, особенно в авангарде искусства и в популярных культурных артефактах. Почему это имеет значение?

Когда теоретик утверждает, что творчество такого музыкального исполнителя, как Суфьян Стивенс, является метамодернистским, это не означает, что его музыка продвигает какую-то определенную идеологию. Скорее, это наблюдение за тем, как он сочетает причудливость с духовной глубиной, как эпические музыкальные полотна переплетаются с интимными и хрупкими моментами. Это позволяет артисту искренне выражать свои внутренние переживания, преодолевая постмодернистский цинизм, к которому привыкла его аудитория.

Или возьмем современный пример — Билли Айлиш, лауреата премии «Грэмми». В ее песнях и видеоклипах сочетается нескрываемая и трансгрессивная сексуальность с глубоким уважением к психологическим нюансам персонажей ее композиций. Это яркое отражение метамодернистского подхода, где противоположности не только сосуществуют, но и усиливают друг друга, создавая многогранный и захватывающий образ.

Метамодернизм, таким образом, предоставляет нам призму, через которую можно лучше понять сложность и противоречивость современной культуры. Это приглашение к диалогу и осмыслению, к поиску новых способов выражения и восприятия мира вокруг нас. При этом в своих выступлениях на ток-шоу певица предстает как очень приземленный «гот по соседству». Ее образ сочетает в себе загадочность готической культуры и простоту, с которой может ассоциировать себя каждый.

На телевидении в качестве примера метамодернизма называют мультсериал «Конь БоДжек». Это мультфильм, рассчитанный на взрослую аудиторию, сочетающий постмодернистские ироничные отсылки к узнаваемым голливудским фигурам, дурацкие сюжеты и необычные анимационные трюки с глубоким и серьезным исследованием депрессии, зависимости и этики решения этих и других очень человеческих проблем.

Что не является метамодернизмом

Метамодернизм становится все более обсуждаемым понятием в культурном и академическом сообществах. Однако вокруг него существует множество недопониманий. Давайте рассмотрим некоторые трактовки, которые, на мой взгляд, расходятся с истинной сущностью метамодернизма.

▎Мультиперспективизм

Из-за того, что Тимотеус Вермюлен и Робин ван ден Аккер говорили о колебаниях (осцилляции) между полярностями модерна и постмодерна, некоторые полагают, что метамодернизм — это объединение любых противоположных позиций. Это заблуждение. Склонность к оценке множества перспектив — наследие постмодерна. Метамодернизм же колеблется между многоперспективным релятивизмом и восторженной убежденностью. Он представляет собой эстетический подход, защищающий внутреннюю сущность от самоcомнений, возникающих в контексте многогранности взглядов.

▎Простое принятие позитивности

Постмодернистская чувствительность часто затрудняла выражение положительных эмоций, таких как надежда, энтузиазм и ликование. Но метамодернизм — это не просто возврат к прямолинейному оптимизму. Это чувствительность, которая уважает постмодернистский цинизм, но при этом оставляет место для искреннего самовыражения — как позитивного, так и негативного.

▎Новый большой нарратив

Жан-Франсуа Лиотар описал постмодернизм как недоверие к универсальным «великим проектам» (метанарративам). Метамодернизм создает пространство, позволяющее верить в большие нарративы, но не требует приверженности какому-либо конкретному из них. Фактически, можно вообще не верить ни в один. Метамодернизм сам по себе не является очередным «великим проектом».

▎Оправдание обмана или манипуляций

Метамодернистские произведения искусства часто включают игры, вымышленные миры и экспериментируют с идентичностями. Однако читатель или зритель обычно осознает эту игру и является ее участником. Цель остаётся в искреннем выражении внутреннего мира художника и вовлечении аудитории. Высказывание чего-то потенциально оскорбительного с последующим оправданием «Я просто пошутил!» — это не метамодернизм. Ложь с последующим утверждением, что это было «ради искусства» лишь после разоблачения, также не соответствует метамодернистскому духу. Кроме того, выдача себя за персонажа для выражения противоречивых взглядов, скрывая при этом свою истинную личность, не относится к метамодернизму.

▎Сообщество и терминология

Люди, пишущие о метамодернизме как о культурном феномене, обычно не считают себя частью какого-то определенного движения и не называют себя «метамодернистами». Скорее, метамодернизм — это совокупность культурных продуктов, часто создаваемых людьми, которые, возможно, никогда не слышали этого термина.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Осцилляция, признание желаний, которые никогда не могут быть исполнены, нежелание занимать четкую позицию, метания между возможными вариантами и истинами, страх перед обязательствами — все это черты, описывающие метамодернисткую чувствительность.

Метамодернизм, возникший в начале XXI века, представляет собой культурное и философское течение, которое стремится преодолеть ограничения модернизма и постмодернизма, синтезируя их идеи в новую парадигму. Центральным элементом этой парадигмы часто признается осцилляция — динамическое движение между противоположными полюсами мысли и чувствования.

Большинство из вас, вероятно, знакомы с основополагающим эссе Тимотеуса Вермюлена и Робина ван ден Аккера «Заметки о метамодернизме» или более поздними работами, где они подробно исследуют данную тему. Авторы указывают на то, что метамодернизм не является ни чисто модернистским, ни постмодернистским явлением, а представляет собой сложное взаимодействие между ними.

«Метамодернистская структура восприятия вызывает раскачивание между модернистским стремлением к смыслу и постмодернистским сомнением касательно смысла всего этого, между модернистской искренностью и постмодернистской иронией, между надеждой и меланхолией, между эмпатией и апатией, между единством и множественностью, между чистотой и коррупцией, между наивностью и искушенностью, между авторским контролем и общедоступностью, между мастерством и концептуализмом, между прагматизмом и утопизмом. Итак, метамодернизм — это раскачивание. Он выражает себя в динамике. Но нужно быть осторожными, чтобы не воспринимать это раскачивание как некий баланс; это скорее маятник, раскачивающийся между многочисленными, бесчисленными полюсами. Всякий раз, когда метамодернистский энтузиазм тянет в сторону фанатизма, гравитационная сила тянет его назад, к иронии; как только ирония двигает его в сторону апатии, гравитационная сила тянет его назад, к энтузиазму.» // Цит. по: Тимотеус Вермюлен, Робин ван ден Аккер: Что такое метамодернизм?

Метамодернизм = осцилляция?

Безусловно, я согласна с тем, что осцилляция, описанная Вермюленом и ван ден Аккером, является центральным аспектом метамодернизма. Однако стоит подчеркнуть, что для полноценного понимания метамодернизма необходимо рассмотреть и другие его компоненты.

Прежде всего, необходимо проанализировать, как термин «осцилляция» стал настолько тесно ассоциироваться с метамодернизмом в общественном сознании, что порой эти понятия воспринимаются как синонимы. Такая упрощенная идентификация может привести к неверным интерпретациям и ограничить наше понимание сложной природы метамодернизма.

Термин «осцилляция» часто приходит на ум тем, кто имеет поверхностное знакомство с метамодернизмом. Однако связывать эти два понятия исключительно и неразрывно было бы неточным. Осцилляция в метамодернистском смысле подразумевает не просто чередование между противоположными убеждениями или желаниями, подобно выбору между шоколадным и ванильным мороженым. Речь идет о более глубоком процессе — динамике между противоположными эстетическими чувствами и интеллектуальными позициями.

Ошибочно интерпретировать метамодернизм как простое уравновешивание или компромисс между противоположными политическими или идеологическими позициями. Такое понимание скорее соответствует постмодернистскому мультиперспективизму, характеризующемуся признанием и одновременным существованием множества равноправных точек зрения без стремления к синтезу или разрешению противоречий.

Метамодернизм же предполагает колебание между модернистской искренностью, надеждой и стремлением к истине и постмодернистским скептицизмом, иронией и осознанием невозможности абсолютной истины. Это осознанное переживание противоречий, где субъект способен одновременно удерживать в сознании противоположные концепции и переходить между ними, не стремясь окончательно выбрать одну из них.

Таким образом, осцилляция в метамодернизме является инструментом для преодоления бинарных оппозиций и создания пространства для новых форм выражения и понимания. Она открывает возможность для более комплексного и нюансированного восприятия мира, учитывая его многогранность и противоречивость.

В итоге, осцилляция действительно занимает важное место в теории метамодернизма, однако сводить всю сложность этого движения исключительно к данному понятию было бы неправильно. Метамодернизм представляет собой многогранное явление, объединяющее в себе различные эстетические, философские и культурные тенденции. Для полного понимания его природы необходимо учитывать и другие аспекты, такие как преодоление дихотомий, стремление к новым формам искренности и глубинное осмысление современного человеческого опыта. Исследование этих элементов позволит более полно оценить значение метамодернизма в контексте современной культуры и искусства.

Почему все говорят про метамодернизм?

Метамодернизм, как современное культурное и философское течение, представляет собой реакцию на предшествующие эпохи модернизма и постмодернизма. Чтобы понять, почему постмодернизм отступил, уступив место метамодернизму, необходимо обратиться к анализу процессов, происходящих в обществе и культуре.

Контекст

Модернизм, доминирующий в первой половине XX века, характеризовался стремлением к инновациям, верой в прогресс и рационализм. Постмодернизм, возникший во второй половине XX века, ставил под сомнение метанарративы, вводил принципы деконструкции и иронию, отмечал безосновательность абсолютных истин.

Метамодернизм, появившись в начале XXI века, не просто колеблется между этими полярностями, но стремится объединить их, создавая новую чувствительность. Однако наблюдение этих колебаний отвечает на вопрос «что» происходит в культуре, но не объясняет «почему» это происходит.

Причины перехода к метамодернизму

Современное общество сталкивается с множеством глобальных вызовов: финансовые кризисы, усиливающиеся климатические изменения, радикализация политического дискурса, технологическая революция и рост социальной нестабильности. Эти факторы вызывают ощущение неопределенности и тревоги, что делает прежние постмодернистские подходы, основанные на иронии и цинизме, недостаточными для осмысления действительности.

Интернет-культура и цифровые технологии способствовали появлению новых форм взаимодействия и самовыражения, что также влияет на формирование метамодернистской чувствительности. В условиях информационной перегрузки и быстрого изменения информационного пространства возникает потребность в искренности, эмпатии и поиске смысла.

Защита субъективного опыта

Одной из центральных причин подъема метамодернизма является реакция на усталость от отрицания субъекта в постмодернизме и атомизации «я» в модернизме. Метамодернизм стремится восстановить прочность и значимость субъективного опыта, защищая его от научного редукционизма и ироничной отстраненности.

Это проявляется в искусстве и литературе через сочетание противоположных подходов: сочетание искренности и иронии, надежды и сомнения, утверждения и отрицания. Художники и авторы метамодернизма используют мультидисциплинарные методы, смешивая жанры и стили, чтобы выразить сложность современной действительности.

Методы и проявления метамодернизма

Колебание между полярностями (осцилляция) является лишь одним из инструментов, используемых метамодернистскими произведениями. Другие методы включают в себя:

- Реконтекстуализацию: переосмысление и переоснащение предыдущих идей и форм.

- Эстетический синтез: объединение элементов высокой и массовой культуры.

- Эмпатическое повествование: фокус на эмоциональном опыте и сопереживании.

• Плюралистический подход: признание множественности истин и перспектив.

Метамодернизм по Вермюлену и Аккеру выступает как зонтичный термин для событий в искусстве, отражающих измученное сознание постмодернизма. Их метамодернизм — еще один кирпичик без объединяющего или организующего принципа, еще один слой в многослойном пироге постмодернизма.

«Междумирье», которое Тимотеус Вермюлен и Робин ван ден Аккер называют метамодернизмом, едва ли является новинкой. Андрей Кодреску и другие постмодернисты уже давно обитают в промежутках между культурами. Однако их позиция, изложенная в «Заметках о метамодернизме», имеет неоспоримое преимущество: она предоставляет платформу для диалога о современных тенденциях в искусстве и культуре посредством реакции читателей на представленные идеи.

Это колебание между модерном и постмодерном, историей и отсутствием истории, оптимизмом и пессимизмом, искренностью и иронией, концепцией и медиумом, формой и бесформенностью, наличием сюжета и его отсутствием, оригинальностью дискурса и индивидуальной интертекстуальностью, значением и бессмысленностью. Однако речь идет не только о простом выборе между противоположностями, а о путешествии по многомерному спектру энергий и интенсивностей.

В последнее время особо ярко проявляется колебание между тем, что можно назвать «жесткостью» и «мягкостью». Жесткость символизирует социальную безжалостность, аскетизм и физическую твердость. Мягкость воплощает чувствительность, эмпатию, а также гладкость и шелковистость материи.

Заключение

Таким образом, метамодернизм можно рассматривать как осознанную или неосознанную потребность защитить и укрепить чувство внутреннего «я» и субъективного опыта в условиях хаотичных современных общественных изменений. Он отвечает на запросы общества, стремящегося найти баланс между рациональностью и эмоциями, иронией и искренностью, индивидуальным и коллективным.

Это направление отражает стремление к новой искренности и глубине понимания, выходящей за пределы циничного отношения постмодернизма. Он предлагает интегративный подход к осмыслению мира, признавая сложность и противоречивость современного опыта. Понимание причин его возникновения позволяет глубже оценить его влияние на современную культуру и искусство, а также на формирование мировоззрения людей в XXI веке.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.