nika.nikiforova

Искусство — это зеркало, в котором каждый находит частичку самого себя. Но как научиться видеть его четче, проникнуть вглубь, ощутить ту самую искру, которая превращает обычное посещение арт-пространства или музея в настоящее откровение?

Несмотря на то, что искусство окружает нас повсюду, многие из нас продолжают чувствовать себя потерянными в этом многообразии стилей и направлений. Согласно опросам, более половины людей признают, что плохо разбираются в искусстве. Но не стоит расстраиваться! Я подготовила для вас несколько простых, но действенных рекомендаций, которые помогут вам начать смотреть и видеть искусство по-настоящему.

Выберите экспозицию, которая соответствует вашим интересам

Ключ к тому, чтобы найти произведение искусства, которое вам действительно откликнется, лежит в выборе пространства, соответствующего вашим интересам. Например, если вас волнуют проблемы чрезмерной цифровизации, обратите внимание на выставки, посвященные этой теме. Здесь вы наверняка встретите работы, которые будут резонировать с вашими мыслями и вдохновят на новые размышления.

Совет может показаться простым, но его ценность нельзя недооценивать. Независимо от причины, по которой вы решили зайти в музей / арт-пространство, она достойна внимания. Хотите увидеть масштабные инсталляции, потому что они популярны и выглядят эффектно для фотографий в соцсети? Прекрасно! Это тоже хороший повод для визита.

Свидание с искусством: кратко и целенаправленно

Просторные галереи, бесконечные коридоры музеев... Легко заблудиться в этом океане искусства! Но есть способы превратить ваше посещение в короткое, но насыщенное приключение. Час-два – вполне достаточно, чтобы избежать информационной перегрузки и сохранить свежесть восприятия.

Но как выбрать, что смотреть? Попробуйте задать себе вопрос: «Что я хочу увидеть сегодня?». Может быть, вы жаждете новых впечатлений и готовы окунуться в последние экспозиции? Или же вам хочется вновь встретиться со старыми любимыми произведениями, которые когда-то оставили след в вашей душе?

Этот выбор исключительно ваш. Нет правильного или неправильного способа посещать музей. Главное следовать своим интересам и настроениям. Помните, искусство – это не экзамен, а путешествие, полное открытий и эмоций.

Внимательно посмотрите на картину

Перед вами произведение искусства, которое привлекло ваше внимание. Что делать дальше? Давайте разберемся вместе.

Шаг 1: Внимание к деталям

Подойдите ближе. Обратите внимание на текстуру, движение линий и другие детали. Эти мелочи создают уникальную атмосферу произведения и помогают лучше понять замысел автора. Так вы сможете оценить настоящие особенности произведения, недоступные на экране компьютера.

Шаг 2: Общий взгляд

Теперь отступите назад. Встаньте в центре зала и осмотрите общую композицию. Что происходит на работе? Если есть фигуры, то как они расположены? Какие взаимоотношения между ними? Задавайте себе вопросы: «Как связаны части произведения между собой?»

Шаг 3: Взгляд под другим углом

Попробуйте взглянуть на произведение под углом. Например, знаменитые «Послы» Гольбейна скрывает анаморфное изображение черепа, символизирующее бренность бытия. Стоит потратить время, чтобы разглядеть подобные сюрпризы.

Шаг 4: Процесс и объем

Хотите почувствовать себя автором? Попробуйте представить процесс создания картины. Если перед вами трехмерный объект, попробуйте сопоставить масштаб со своим телом. Если картина - попробуйте взглядом обвести привлекающие внимание контуры и фигуры. Это помогает «почувствовать» процесс создания произведения изнутри.

Шаг 5: Глубокий смысл

Наконец, подумайте о том, что символизирует данное произведение для вас, и какие общепринятые трактовки вам известны.

Искусство как интерактивное приключение

Часто ли вы ловили себя на мысли, бродя по залам музея или галереи: «Что это вообще значит?». Аудиогиды и пояснения к экспозициям иногда проливают свет на историю произведения, но редко дают ключ к настоящему пониманию. Дело в том, что для глубокого погружения в искусство недостаточно просто смотреть на его физическую форму.

Истинный смысл произведения рождается из трех составляющих: самого произведения, намерений художника и реакции зрителя. Именно вклад зрителя придает произведению ту глубину, которая выходит за рамки изначального замысла автора. Поэтому не стоит бояться «неправильно» воспринять искусство — тут нет правил, только идеи, которые можно развивать и направлять.

Если рассматривать поход в музей или галерею как активный процесс взаимодействия, а не пассивного созерцания, это поможет наладить более глубокие отношения с искусством. Современные исследования показывают, что в среднем мы уделяем каждому произведению всего 27 секунд. Попробуйте остановиться перед парой-тройкой работ и посвятить им хотя бы вдвое больше времени — и, уверена, результат вас порадует.

Итак, искусство — это не застывший объект, а живой процесс, в котором участвуют и художник, и зритель. Вместо того чтобы пытаться разгадать загадку, вступите в диалог с произведением, привнося в него свои чувства и воспоминания. Возможно, тогда вы откроете для себя новый, неожиданный смысл.

Будьте открыты к дискомфорту

Искусство помогает нам осмысливать реальность, так что может вызывать необычные и порой некомфортные чувства. Работы некоторых современных авторов могут вызывать широкий спектр эмоций — от смеха до стыда.

Именно этот дискомфорт может стать препятствием для восприятия искусства. Однако изучение искусства — это также и обучение чувствам, и когда оно пробуждает в нас эмоции, которые мы обычно избегаем, это может показаться трудным. Но именно через борьбу с этими эмоциями мы начинаем по-настоящему понимать искусство.

Будьте непредвзяты

Когда вы ступаете в залы художественного музея, забудьте обо всех предубеждениях: подходите к каждому экспонату без заранее сформированных ожиданий.

Представьте, что каждое произведение – это загадка, ожидающая своего раскрытия. Некоторые работы поразят вас своей глубиной, другие оставят равнодушными. Возьмем, к примеру, знаменитую Мона Лизу. Многие посетители ожидают увидеть нечто грандиозное, но оказываются слегка разочарованными ее скромными размерами. Но разве это лишает шедевр Леонардо да Винчи его магнетизма?

Искусство способно глубоко воздействовать на наше сознание. Исследования показывают, что созерцание картин, особенно пейзажей и морских сцен, снижает уровень стресса. А когда мы смотрим на великолепное произведение, кровь приливает к мозгу на целых 10% – словно мы видим лицо любимого человека.

Позвольте искусству стать проводником ваших собственных эмоций

Даже если замысел художника отличается от вашего восприятия, найдите в нем отражение собственной души. Возьмите, к примеру, простой элемент на картине – цвет, узор или цветок. Этот маленький штрих способен пробудить в вас воспоминания, скрытые в глубине сознания, подобно тому, как аромат жасмина возвращает в лето на даче, когда каждый день был наполнен солнечными лучами и беззаботными играми.

Соединение произведения искусства с личными воспоминаниями и опытом позволяет по-новому взглянуть на него. Если выйти за пределы поверхностных реакций вроде «хорошая картина» или «плохая картина», просмотр искусства становится гораздо интереснее. Для многих искусство — средство катарсиса: видеть отражение собственного опыта в произведениях искусства это не только способ глубже прочувствовать произведение, но и возможность отрефлексировать свои личные переживания.

Осознайте также, как ваш текущий эмоциональный фон влияет на восприятие. Недавно пережитый разрыв, новая работа или радостное событие, такое как свадьба, могут придать новым оттенкам ваши впечатления от произведения. Все ваши текущие переживания накладывают отпечаток на то, как вы видите и чувствуете искусство.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Мы присмотрелись к самому большому зимнему пейзажу Моне и обнаружили несколько удивительных деталей.

Зимние сцены Курбе вдохновляли Моне, хотя он и преобразовал реалистический драматизм в тихую красоту

В середине 1850-х годов французский художник Гюстав Курбе начал писать серию пейзажей своего родного региона Франш-Конте, покрытого снегом. Курбе называл эти картины "эффектами снега", которые исследовали уникальные визуальные впечатления от зимней местности. Реалист, склонный к драматизму, Курбе часто писал энергичные сцены охоты. Эти новаторские полотна оказали влияние на нескольких художников, которые в конечном итоге стали основоположниками импрессионизма, включая Альфреда Сислея, Камиля Писсарро и, конечно же, Моне.

Но если сцены Курбе подчеркивают жестокий драматизм зимы, то картины Моне, такие как "Сорока", посвящены тонкостям визуального восприятия и носят созерцательный, даже радостный характер. Историки отмечают, что Моне, вероятно, переехал в Этретат в надежде оправиться от приступа депрессии. Смена обстановки, похоже, пошла ему на пользу. Он писал своему другу, художнику Фредерику Базилю:

Я уезжаю в деревню, которая здесь очень красива... Я нахожу [ее], пожалуй, еще более очаровательной зимой, чем летом, и, естественно, я все время работаю

Картина Моне "Сорока" отбрасывает провокативную тень

Обратите внимание на тени, отбрасываемые каменной стеной и воротами на картине "Сороки" - Моне написал эти тени в бледных серовато-голубых тонах. Его снежно-белый цвет тоже, как можно заметить, тронут голубым. Это были нетрадиционные для того времени цветовые решения, но они соответствовали тщательному восприятию Моне. На остроту зрения Моне повлияло его обучение у Эжена Будена, наставника художника, который сам находился под влиянием голландского живописца Йохана Бартольда Йонгкинда. Йонгкинд считается предтечей импрессионизма и призывал художников писать картины непосредственно с натуры. В 1862 году Моне познакомился с Йонгкиндом в Нормандии. Под влиянием голландского художника Моне начал фокусироваться на оптическом цвете вместо локального — то есть на цвете, как он воспринимается, а не на врожденном цвете объекта. Позднее Моне писал: "Дополняя учение, полученное мною от Будена, Йонгкинд с того момента стал моим настоящим учителем... Именно он завершил обучение моего глаза".

Но бледные голубоватые тени "Сороки", хотя и совершенно непримечательные для сегодняшнего зрителя, казались современникам неестественными и отталкивающими.

[Публика], привыкшая к терпким соусам, приготовленным поварами художественных школ и академий, была поражена этой бледной картиной

— писал Феликс Фенеон о реакции публики на картину "Сорока". Сегодня картина Моне считается идиллической зимней сценой, но в 1869 году она была отвергнута Салоном за свой новаторский подход.

Этот белый-на-белом пейзаж, возможно, был вдохновлен аномально холодными зимами

Сегодня искусствоведы выделяют "Сороку" и другие зимние пейзажи Моне за их хроматическую виртуозность, ограниченную палитру и работу кистью. "Синева длинных теней создает тонкий контраст с кремовой белизной неба и пейзажа", — пишет о картине искусствовед Майкл Ховард.

Несмотря на визуальное новаторство, применение Моне белого на белом, возможно, было вызвано более повседневными реалиями — чередой особенно суровых зим. Для выставки 1998 года "Импрессионисты зимой: эффекты снега" в Вашингтоне под кураторством Элизы Рэтбоун, на которой были представлены зимние пейзажи 63 художников-импрессионистов, было проведено исследование, выводы которого состояли в том, что, помимо композиционных соображений, обилие зимних импрессионистских пейзажей стало результатом нескольких очень морозных зим конца 1860-х и начала 1870-х годов.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Начинаю серию постов про снежные пейзажи Клода Моне. Формат экспериментальный — последовательно выйдет несколько небольших текстов, поэтому буду рада поддержке лайками, а также вашим комментариям.

"Я рисовал сегодня часть дня, когда непрерывно шел снег: вы бы рассмеялись, увидев меня совершенно белым, а мою бороду — покрытую сосульками"

— писал Клод Моне в письме 1895 года своему парижскому другу.

Моне написал это письмо в Норвегии, в самый разгар зимы, куда он отправился с явным намерением написать суровые, но светлые пейзажи Бьорнегарда и Сандвики. Эта поездка стала кульминацией увлечения Моне, длившегося несколько десятилетий. Художник-импрессионист был приверженцем плэнерной живописи, с удовольствием запечатлевая морозные пейзажи наяву. За свою жизнь он написал более 140 зимних сцен — ледяных видений, в которых он экспериментировал со светящейся бледной цветовой палитрой и создавал преображающие эффекты меняющегося света на фоне снега, тумана, ветра и другой зимней погоды.

Его первый снежный пейзаж, "Тележка на заснеженной дороге в Онфлере", был написан в 1865-1867 годах. В 1868 году покровитель Моне Луи Жоаким Годиберт снял для художника — вместе с его подругой Камиллой Донсье и их младенцем сыном — дом в сельской местности близ Этрета (Франция), где Моне стал культивировать свою страсть к запечатлению тонких изменений в окружающих его заснеженных пейзажах.

Самый большой зимний пейзаж Моне — "Сорока", был написан в этой же местности зимой 1868-1869 годов. Прямоугольная композиция изображает сельский пейзаж, покрытый снегом. Каменная стена проходит через середину, разделяя горизонт на передний и задний планы. Людей не видно, а пейзаж кажется притихшим в недавно выпавшем снегу. Свидетель этой сцены — черная сорока, сидящая на шатких деревянных воротах с левой стороны. Среди ледяной тишины можно представить себе птичью песню сороки, разносящуюся по лесу. Сегодня "Сорока" находится в коллекции Музея д'Орсэ в Париже, и входит в число самых популярных картин музея.

В следующих постах я расскажу про несколько деталей “Сороки”, которые привлекли мое внимание. 

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Почему одна картина уходит с молотка за баснословные миллионы долларов, а другая – лишь за несколько тысяч? И главное: кто устанавливает эти правила игры? Сегодня я расскажу о человеке, который не только раскрыл загадки ценообразования в мире искусства, но и сам их создал. Знакомьтесь: Филип Хук – автор бестселлеров, эксперт аукционных домов и член совета директоров Sotheby’s.

В феврале в нашем онлайн-книжном клубе мы с головой окунулись в тайны арт-рынка, обсуждая его книгу «Галерея аферистов». В этой работе Хук с неподдельной энергией раскрывает невидимые механизмы влияния арт-дилеров на ценообразование и убеждает нас в том, что без этих хитроумных профессионалов вежливые «правила игры» искусства могли бы выглядеть совсем иначе. Порой они словно заклинатели, которые одним движением руки превращают обыкновенный холст в объект, за который коллекционеры готовы платить любые деньги.

Многие читатели видят в Хуке доброго английского джентльмена, пишущего увлекательные книги вроде «Завтрак у Sotheby’s», но за этими изящными формулировками скрывается настоящий гений арт-рынка. Хук не просто рассказывает нам о художниках и галеристах — он также участвовал в разработке особого метода оценки искусства, где во внимание принимаются и красота картины, и ее история, и провенанс, и даже имя дилера. Пример: когда в дело вступает такой игрок, как Ларри Гагосян, цена любой работы, кажется, взлетает до небес. Это ли не магия?

«Галерея аферистов» представляет собой увлекательную хронологию развития арт-рынка. Хук прослеживает, как со временем он перекочевал из Европы в США, обрастая легендами и сумасшедшими аферами. Заодно автор приоткрывает занавес над закулисьем малоизвестных фактов: от секретных сделок между дилерами до хитрых трюков, которые заставляют коллекционеров выкладывать целые состояния.

Главная идея книги в том, что арт-дилеры оказывают влияние на историю искусства: они то раскручивают молодого художника до статуса гения, то заворачивают очередной шедевр в скромную обертку. Хук приводит множество анекдотов и фактических примеров, в которых искусство буквально превращается в товар со всеми сопутствующими уловками маркетинга. Как меняется ценность произведения, если кажется, что его может купить кто-то еще? Как реагируют коллекционеры, когда слышат легенды о провенансе картины? Каждая глава предлагает все новые загадки этого волшебного (и очень прибыльного) рынка.

Кадр из фильма «Жажда жизни» (1956). Кирк Дуглас в роли Винсента ван Гога

Конечно, среди критиков есть и те, кто считает книгу «Галерея аферистов» слишком перегруженной деталями. Но большинство сходится во мнении, что она написана с юмором и легкостью. В конце концов, Хук не просто раскрывает основные правила арт-рынка, он дает нам возможность взглянуть на этот мир изнутри и понять: за искренним восхищением красотой холстов и скульптур зачастую стоит искусно выстроенная система стимулирования спроса.

Если вы когда-нибудь хотели узнать, почему однажды кто-то решается заплатить миллионы за непонятное ему искусство, или как арт-объекты превращаются в инструмент инвестиций, — «Галерея аферистов» готова дать вам множество поводов для удивления. Прочитав книгу, начинаешь смотреть на выставки и аукционы другими глазами и спрашивать себя: «А не я ли следующий, кто попадет под чары талантливого арт-дилера?»

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично» на основе моих впечатлений от книги, которую мы обсуждали в нашем онлайн-клубе по искусству. О желании вступить в клуб, а также задать вопрос — пишите мне в телеграм!

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды.