MovieWhore

Ностальгия - чувство удивительное. Ведь даже при разговоре про годы сложные и тяжелые, все невзгоды отступают на второй план, пропуская вперёд светлую тоску и приятные воспоминания. Видимо, таковы свойства памяти человека. И прекрасным отражением этой закономерности оказался новый фильм Павла Павликовского.

Польский режиссёр с интересной судьбой успел снять несколько документальных фильмов (среди них даже фильм про Жириновского), поработать в разных странах, но в итоге вернулся к своим истокам и обрёл популярность. В 2013 году Павликовский выпустил «Иду», которая собрала приличный список номинаций и даже получила Оскар за «Лучший фильм на иностранном языке». Новый его фильм (несмотря на свою внешнюю интернациональность) ещё более польский.

Перед нами предстаёт история любви Виктора и Зулы на фоне послевоенного периода холодной войны. Она - участница народного ансамбля, он - музыкант и его художественный руководитель. Их чувства переживут разлуку, политику, эмиграцию, музыку и саму жизнь. Временной отрезок автором был выбран неслучайно. Конечно, все политические и общественные события - это лишь фон, но важна символичность. Отношения двух героев тоже проходят через холодную войну: когда друг без друга никак, но и вместе невозможно.

Сложные хитросплетения чувств - это не самое интересное в фильме. Поражает его эстетическая выдержанность. Режиссёр не зря снял его в ч/б. Помимо очевидного погружения в эпоху, он добился эффекта отстранённости и зрительного совершенства. Каждый кадр в фильме как картина, главная героиня из версии молодой Прокловой превращается в Монику Витти, а потом и Клаудию Кардинале. По своей эстетической принадлежности фильм абсолютно не современен. Он откуда-то из времен итальянского неореализма и визуального совершенства. Поэтому, наверное, некоторые критики решили обвинить Павликовского в этом. Нельзя снимать такое возвышенное кино, когда реальность требует правдивости и жёсткости. Но история двух героев может существовать только в этих исторических и кинематографических обстоятельствах.

«Холодная война» - редкий фильм, которому удаётся полностью выполнить главное предназначение киноискусства, - погрузить зрителя в удивительный и волшебный мир, который может существовать только на киноплёнке. И хоть автор и достигает этого эффекта самыми простыми приемами, но изредка такие путешествия необходимы.

Новый фильм Дэвида Роберта Митчелла (автора интригующего и необычного ужастика «Оно»: не путать с клоунами, тут про зловещий вирус) - одновременно гимн и надгробная речь современной культуре. Культуре, где книгу заменил комикс, а откровение мы пытаемся найти в коробке из-под хлопьев. 

Герой Эндрю Гарфилда Сэм - типичный представитель своей среды: он слишком ленив, чтобы работать и платить за квартиру, но пытается придать своему существованию ценность, отыскивая скрытые смыслы в современных явлениях культуры. Сэм ходит по вечеринкам, спит со своей девушкой, пытающейся стать актрисой, но все это как будто от скуки. Где-то на другом конце провода есть его мама, пересказывающая сюжеты старых голливудских фильмов и записывающая их для сынули на кассету. Сэма вот-вот выселят из квартиры за неуплату, а всё это на фоне загадочного исчезновения соблазнительной соседки и местного миллионера, происков женщины-совы и рыскающего по округе собачьего маньяка (да, собачек и даже людей в фильме убивают нещадно, но с определённым задором). Где-то между пьяным угаром и бесцельными шатаниями по округе Сэму открывается тайна мироздания: а именно то, что во всех явлениях современной культуры (от песен и телешоу до упаковок с едой) скрыты тайные знаки. Парень решает, что все эти смыслы непосредственно связаны со всеми происходящими преступлениями, - и бросается их разгадывать, будто от него зависит судьба цивилизации.

Главная целевая аудитория фильма - это синефилы. Те, кто поймёт, кого автор цитирует, какие локации из известных фильмов использует, каких героев вводит. Пожалуй, можно даже устраивать игры, кто найдёт больше культурных кодов. «Под Силвер-Лэйк» - отличный пример фильма, где форма полностью отражает содержание. Нас, как и главного героя, призывают искать скрытые смыслы, но вот только мы понимаем, что все это - чистой воды профанация. И как говорит друг Сэма: «Нам нужна тайна, потому что её нет». В современном мире все стало слишком просто и понятно, поэтому мы пытаемся найти тайные знаки и смыслы там, где они даже не предполагались. Мы иронизируем над святынями, превознося тексты современных рок-групп. И всё это кажется нам таким осмысленным и возвышенным. На деле же это просто карнавал картонных фигурок.

Фильм Митчелла лежит не в чувственной плоскости. Даже при всём своём сюрреализме (безумие происходящего можно оправдать только логикой сна) он настаивает на рациональном восприятии. Этот фильм сложно полюбить на эмоциональном уровне, невозможно над ним расчувствоваться. Но запросто можно возвести в ранг любимого, благодаря умелому жонглированию явлениями поп-культуры, которые всем нам так близки. Зритель будет увлечён, выписывая в столбик имена Хичкока, Линча, Гиллиама и всех остальных, кто вдохновил автора. Эта антология современной (в рамках вечности современность начинается где-то в середине прошлого века) культуры сделана безусловно талантливо и интересно, но, как и предмет своего разговора, лишена смысла. И не нужно уподобляться герою Гарфилда, выискивая тайну мироздания там, где её быть не может. Нужно просто получать удовольствия от многообразия окружающей нас действительности, где каждый может быть кем угодно, потому что стёрты все границы.

Режиссёрские дебюты актеров очень часто вызывают недоверие. Особенно, если на главную роль новоиспеченный режиссёр пригласил себя и ко всему прочему ещё и сценарий написал. Есть в этом какое-то тщеславие. Но, к счастью, не всегда эти предубеждения оказываются обоснованными. 

Фильм известного британского актера Руперта Эверетта рассказывает нам историю последних лет жизни главного провокатора от литературы - Оскара Уайльда. Все знают о его невероятном красноречии, эксцентричных нарядах и выходках. Но не все знают, какая трагедия постигла великого писателя на исходе жизни: тюрьма, предательства, нищета, болезни и забвение. Именно таким предстаёт перед нами Уайльд Эверетта. Легко рассказывать историю о становлении великих личностей, об их зените славы. Говорить об их трагедиях сложно и больно. И высказаться удачно может далеко не каждый. Смеем утверждать, что у Эверетта это получилось. И как у режиссёра, и как у актера. Вопросы есть разве что к сценарию. Нелинейное построение фильма создаёт перед нами портрет, который должен собрать сам зритель. Из крупных и схематичных мазков нам самим следует вырисовать эту трагичную, но такую поэтичную историю.

В зарисовки о жизни Уайльда очень тонко и умело вплетены строки его произведений, его искрометные высказывания. И всё это пропитано атмосферой пронизывающей боли, увядания и отчаяния. Эверетту удалось очень ненавязчиво сказать о темах нетерпимости и людской злобы. О том, как охотно публика готова втоптать в грязь того, кого недавно носила на руках. В картине нет дидактики, нет лозунгов. Есть история великого человека, который оказался в сложных обстоятельствах. Бывает, что фильмы рассказывают реальные истории, но как будто отстраняются от них. И ты уже забываешь, что этот персонаж существовал в действительности. В «Счастливом принце» это взаимодействие реальности и искусства подано настолько же изящно, насколько изящной была сама жизнь Уайльда, который даже на смертном одре оказывается выше всех тех, кто его оскорблял и унижал. Не в этом ли подлинное величие? Спокойной ночи, милый принц!

Дебютный фильм театрального режиссёра Доменика Кука - отличный пример того, что литературные приемы так сильно отличаются от кинематографических, что иногда играют злую шутку с теми, кто пытается их примирить.

Роман Иэна МакЮэна рассказывает о молодой паре, которая безумно друг друга любит, но не может преодолеть страх перед первой брачной ночью. Конечно, за этим страхом и личные психологические проблемы героев, и даже неуверенность в их чувствах. В фильме же вся камерность (около полутора часов действие происходит в номере отеля) разрушается постоянными флэшбеками. В кино они, конечно, необходимы, иначе мы не сможем узнать историю героев, но именно они и разрушают ту странную и напряжённую атмосферу, которая царит в номере. Зритель совершенно не чувствует нежности и страха, которые одолевают главных героев. И грустная история настоящей любви превращается в историю о странной девушке, которая из-за своих закидонов испортила жизнь мужчине. Мотивы и причины страха героини Сиршы Ронан зрителю непонятны. Сцены близости героев перемежаются с ее воспоминаниями об отце (тут то ли детская травма, то ли намеки на Фрейда). Поведение ее возлюбленного (Билли Хоул) вообще поставлено настолько комично, что даже сочувствуешь такой насмешке режиссёра над персонажем. Ну а финальная сцена с нелепым возрастным гримом окончательно убеждает в том, что это плохая театральная постановка.

Из положительных моментов, конечно, стоит отметить работу оператора. Картинка в фильме - это единственное, что передаёт уют и камерность истории. Но ее оказывается недостаточно.

Смотреть не рекомендуется. Тот случай, когда книга лучше фильма. И фильм подтверждает, что перенести на экран сюжет - это ещё не способ создать историю. Это просто возможность ее бесчувственно пересказать.

«Богемская рапсодия». В кинотеатрах с 1 ноября.

Многие проблемы современного кино часто возникают по причине того, что вместо произведений искусства студии создают проекты. На этих проектах меняются актёры, продюсеры, режиссёры. И всё это высасывает последние соки из фильма, который мог бы запасть в душу. Так и случилось с байопиком о Фредди Меркьюри. Хотя нет, подождите, это байопик о группе «Queen». Изначальный вариант фильма с Сашей Бароном Коэном не приглянулся Брайану Мэю (здравствующему гитаристу группы), потому что слишком много внимания там уделялось Фредди со всеми его недостатками. Коэна с проекта сняли, фильм пригладили и расставили акценты иначе. И это было роковой ошибкой.

«Богемская рапсодия» скроена по всем канонам биографического фильма. Неизвестные талантливые ребята потихоньку завоевывают сцены мира, потом происходит какой-то разлад, а за ним наступательных триумфальное возвращение. И где-то фоном личные жизни и трагедии главных героев. В творении Брайана Сингера все выглядит картонным. Весь фильм - сплошные штампы, а сам Меркьюри - неразумное одинокое дитя в лапах злобного менеджера. Поговаривают, что об интересе Фредди к мужчинам вообще хотели не упоминать, но возмутилась общественность, поэтому эту тему (как и тему наркотиков) ввели, но до отвратительности стереотипно. От обилия усатых мужчин в коже хотелось то ли смеяться, то ли плакать. Как будто видишь пародию на Cruising и из-за угла сейчас выпрыгнет Аль Пачино. Сцена расставания со злобным менеджером снята, конечно, под проливным дождём. Камон, друзья, разве так делают в 21-м веке?! Стыдно, право слово.

Как уже говорилось, фильм из байопика о легендарном музыканте стал фильмом о группе, которая опекала неразумного дитятю Меркьюри и страдала от его характера. Все два часа зрителю с настойчивой периодичностью повторяют, что «Queen» - это семья, но в это не веришь. Вся любовь, взаимопонимание и сыгранность героев только в словах, а не во взаимоотношениях. И фильм был бы неплох, если бы рассказывал нам историю вымышленной группы. Но все прекрасно понимают масштаб личность Меркьюри и его значимость для группы, которая без него стала буквально ничем (не хочется обижать других музыкантов, но это так), а в кино этого нет. Рами Малек, исполняющий роль Меркьюри, старается изо всех сил. И ему это удаётся. Помимо невероятного внешнего сходства заметно, как сильно он пытался сделать образ живым, но его будто все время одергивали и не давали выйти за рамки установленного жанра. Грустно наблюдать, как отличная актёрская работа потерялась на фоне бездушного и проходного фильма.

Из явных преимуществ можно назвать, конечно, музыкальные сцены. Финальный концерт Live Aid поставлен безупречно. И благодаря съёмкам впечатляет, кажется, даже больше, чем реальный. Но пошаговое повторение выступления и использование любимых всеми песен - это не заслуга кино. Если убрать их, то не останется ничего. Героям не сопереживаешь, мотивы их не понимаешь. До боли пронзительной должна была быть сцена, где Фредди признается своим друзьям, что болен. Но зритель не чувствует ничего. И там, где в хорошем кино все должны бы рыдать, мы просто смотрим.

Фредди Меркьюри - одна из самых масштабных личностей в музыке. Его история - одна из самых трагичных. Но оказалось, что взять историю недостаточно. Нужно ещё уметь её преподнести. Как умел себя преподносить Фредди. Наверное, снимать кино о таких персонах нужно настолько же талантливым людям. Иначе получается вот такое вот недоразумение. И особенно ироничным в данном случае оказывается название фильма. Одноимённая песня совершила революцию в музыке, перевернула все имеющие представления о том, что может быть хитом. А фильм скроен из стереотипов и шаблонов, которые напрочь убили в нём не только жизнь, но и музыку.

Провокация всегда сопутствовала искусству. Иногда это возможность изменить привычное всем видение мира, а иногда - просто бесталанный выпад, чтобы привлечь внимание.

Бесспорным кажется, что Гаспар Ноэ сейчас самый провокационный режиссёр. И если раньше его провокации находились в плоскости «просто шокировать», то в своём новом фильме ему наконец-то удалось создать кинематографическое полотно, которое может претендовать на произведение искусства, не утеряв аутентичных для режиссёра приемов.

Сюжет фильма укладывается в пару предложений: группа танцоров закрыта на репетиционной базе, они устраивают вечеринку и неожиданно понимают, что в выпиваемой ими сангрии были наркотики (ЛСД), после этого начинается ад на земле. Но смысл фильма далеко не в сюжете как таковом (хотя все же зрителю интересно, кто мог подсыпать наркотики), а в атмосфере. Ноэ очень искусно проводит зрителя через наркотический угар главных героев, пытаясь попутно донести некие философские мысли о жизни и смерти. Не зря история строится вокруг танцоров (читай: движение - это жизнь), не случайно некоторые из них погибают или оказываются на грани. А режиссёр в интертитрах иронизирует на тему смерти. Всё это постмодернистское высказывание ходит по тонкой грани между отвратительной бессмыслицей и художественным откровением века. И Ноэ удаётся (позволю себе заметить, что впервые за его карьеру) не скатиться в бессмыслицу.

В «Экстазе» очень много культурных слоёв, что не может не радовать понимающего зрителя. Здесь и французский киноавангард со всей его выверенностью зрительных образов и смысловой алогичностью, здесь и вышедший из того же авангарда Бунюэль (про него чуть подробнее позже), и цветовая гамма Дарио Ардженто, и поп-культурность Тарантино. Во всей этой смеси национальностей, танцев, света, музыки, диалогов, историй и культурных отсылок можно потерять самое главное. А ведь современный человек зачастую и теряет. Не хочется обсуждать тему наркотиков в фильме, потому что дело это неблагодарное (всегда кто-то поймёт не так), но, думаю, что важно сказать одно: это, конечно, не пропаганда наркотиков, но и не их осуждение. Ноэ не настолько прямолинеен и пошл (ахаха, очень забавно звучит эта характеристика в данном контексте), чтобы снимать фильм о вреде наркотиков. ЛСД здесь выступает только в качестве триггера - не больше. Дальше каждый увидит столько, сколько захочет. В остальном же Ноэ говорит всё о тех же вечных философских темах, о пределе человечности и масках, которые мы носим. Не зря ранее был упомянут Бунюэль. В 1962 году он снял фильм «Ангел-истребитель», в котором рассказывалась о группе людей, которые не могли выйти из зала после званого ужина. И чем больше времени они проводят взаперти, тем больше низменных качеств и поступков открывается зрителю. Герои же Ноэ из помещения выйти могут, но не хотят. И открывают уже другие грани своей животной сущности. Действие фильма как будто нарочито перенесено в 90-е, потому что «большое видится на расстоянье». Подобные утверждения о современном поколении вызвали бы ещё больше осуждения, которым Ноэ (опять же впервые в своей карьере) не хотел заслонить главные мысли.

Фильм особо рекомендуется смотреть в зале. Дома вы не испытаете той замкнутости пространства и не сможете полноценно погрузиться в феерию света и звука. Уверена, что найдётся много зрителей, которые назовут «Экстаз» бессмысленным и отвратительным. Каждый имеет на то право. Но произведение искусства обычно оказывается чуть большим, чем кажется на первый взгляд.

Картина, которой Надежда Михалкова застолбила себе место в вечности. Где-то рядом с Эдом Вудом и Томми Вайсо. 

“Проигранное место». В кинотеатрах с 1 ноября.

Российские ужастики - явление само по себе настолько жуткое, что и смотреть ничего не нужно. Обычно это набор глупых штампов, бессвязного сценария и отвратительной актёрской игры. «Проигранное место» собрал в себе всё это и помножил на сотню. Очень сложно писать о фильме, который и фильмом называться не достоин. Разбирать подробно все сценарные несостыковки? Критиковать актёрскую игру? Хвататься за голову при попытке проанализировать режиссёрскую работу? Нет. Лучше просто наслаждаться всем тем бредом, что происходит на экране, и ржать в голос. Потому что не все комедии оказываются такими смешными, как дебют Михалковой.

В фильме ужасно всё, просто всё. Но самое ужасное, пожалуй, это лицо Анны Михалковой, которую почему-то уронили в перекись водорода. И всё это можно было бы понять, если бы режиссёр снимала стёб, дикий трэш и угар. Но, к сожалению, видно, что подошла она к этому вполне серьёзно. Мотивация героев, их поступки и действия совершенно необъяснимы. Диалоги настолько тупы и неестественны, что их стоит поместить в учебник «Как не стоит писать сценарии». Повествование насколько бредовое, что теряешь даже всякую надежду на смысл (беспричинные флэшбеки взрывают мозг). Сама история настолько высосана их пальца, что вообще не представляется, как такое можно придумать. Нет, стоит признать, пожалуй, один успех: до последнего невозможно угадать, кто же виновен в смертях детей. Но вот разгадка достойна всех книг Дарьи Донцовой вместе взятых.

Бывает плохое кино. Но обычно оно плохо в чем-то одном. Это же кино не удалось по всем фронтам. К счастью же, оно не вызывает отторжения (хотя может вызвать, если вы заплатите за это деньги) - оно веселит. Я действительно давно так не смеялась. Советую, если на душе грусть и тоска. Можете потом рассказывать всем, что вы посмотрели самый ужасный фильм современности.