Серия «Статьи»

Каждый из нас, увлекаясь просмотром нового тайтла или ретро-аниме 80-90х, неоднократно сталкивался с разнообразными и восхитительными японскими блюдами, которые то и дело изображены в сериях. Такояки, якисоба, данго - в стране восходящего солнца настолько велик выбор вкусностей, что он стал неотъемлемой частью культуры мультипликации. Сегодня сложно представить себе аниме без аппетитных сцен с ароматным раменом или карри-рисом.

Практически в каждом тайтле можно увидеть, как герои увлечённо готовят - будь то ужин для всей семьи или бенто для школы. Приготовлению блюд и самому процессу приёма пищи уделяется большое внимание, наравне с символизмом каждого отдельного продукта. Давайте разберемся, почему еда из аниме стала настолько популярной, что по её мотивам даже выпускаются отдельные кулинарные книги. 

Япония известна своим богатым культурным наследием и уникальным подходом к еде. В японской кухне каждое блюдо и его подача отражают историю страны и ее народа. Эта особенность культуры японцев часто подчеркивается через детальное изображение готового блюда. Кулинарные традиции Японии - это неотъемлемая часть её материальных и духовных ценностей, которая играет важную роль в жизни людей. Помимо этого во многих жанрах она также часто будет темой для разговоров и поводом для волнений.

Часто в аниме можно увидеть, как скрупулёзно японцы выбирают еду, как переживают, если один продукт приходится заменить другим, или даже радуются определённому цвету посуды, в котором она подаётся. К примеру, в аниме «Боевые куколки» серия №10 целиком посвещена трудному выбору между различными вариантами приготовления классического бульона, начиная от его основы и заканчивая теми продуктами, которые героини хотели бы в него добавить. В одной из серий аниме «Подземелье вкусностей» героини долго обсуждают выбор чизкейка, а в уютном тайтле «Кот, мастер на все лапки, сегодня снова грустит» в серии №3 героиня, совершенно не умеющая готовить, искренне радуется, когда у неё получилось разбить яйцо в тарелку с рисом, пусть и не с первого раза. Для нас, европейцев, это выглядит непривычно. Всё дело в том, что в культуре Японии уже много веков сложились особые правила этикета: с помощью конкретно подобранного сочетания ингредиентов, их расположения на тарелке, формы и материала этой самой тарелки, температуры и многого другого можно пожелать человеку удачи, разделить с ним его переживания или даже признаться в любви. С помощью подачи можно показать, что сегодняшний день - уникальный.  Например, чтобы напомнить кому-то о мимолетности жизни и красоте момента, угощение можно подать на тарелках с изображением сакуры. А чтобы подчеркнуть гармонию и стабильность выбрать посуду с изображением волн или гор.

В аниме можно найти изображения разнообразных японских блюд -  от традиционных кацу и рамена до татаки и карааге. При создании кулинарных сцен аниматоры уделяют особое внимание деталям, стараясь передать текстуру, цвет и аппетитный вид блюда. От красиво оформленных порций и блестящих капелек масла до мельчайших бликов в соусе и супах - каждый визуальный элемент является важным и неотъемлемым, дополняющим общую картину и делая ее максимально реалистичной. Один из таких примеров – оякодон. Это жареная курица, которую заливают яйцами и выкладывают на подушку из риса. Блюда из яиц и курицы символизируют семейные узы, связь поколений. Оякодон способен передать желание близких заботиться друг о друге, поэтому чаще всего его готовят дома, в окружении родных людей.

Знаменитый мисо-суп, который готовят на основе ферментированной соевой пасты, это символ умиротворения и счастья. Домашний уют, гармония, стабильность - все эти послания в Японии можно выразить одной тарелкой супа.

Блюда из рыбы и водорослей подают на официальных приемах, деловых встречах, чтобы пожелать удачи. Названия ингредиентов подбирают так, чтобы они были созвучны со словами, которые в японском языке означают счастье и радость.

Чтобы пожелать долголетия и процветания, часто подают угощения из угря и риса, которые символизируют жизненную энергию. Блюда из тофу и водорослей вакаме означают заботу о здоровье.

Углубимся немного в историю. Первые ритуалы, связанные с приёмом пищи появились в эпоху Хэйан, с первыми японскими аристократами, когда в Наре (это центральный город префектуры Нара, недалеко от нынешнего Киото) была основана первая постоянная столица. Именно в это время, на званых ужинах, где с помощью еды можно было проявить уважение и показать статус, были заложены основы японской эстетики, которые практически в неизменном виде сохраняются до наших дней в знаменитых ресторанах высокой кухни и традиционных семейных лапшичных, где, как правило, немноголюдно и очень уютно. Это в сильнейшей степени повлияло на принципы японской еды и в особенности на сервировку. У всего, что лежит на тарелке, есть своя символика, и, прежде чем это съесть, важно этот ребус разгадать. Некоторые составляющие блюда могут добавляться только ради своего символического значения или чтобы подчеркнуть нужную цветовую гамму и быть вовсе несъедобными (например, красный кленовый листок).

Внешний вид и символизм всегда были превыше вкуса. Японцы рано учатся ценить короткие сезоны, которых в хэйанской традиции двадцать четыре: считается, что хацумоно, первые появившиеся в сезон продукты, - самые ценные, и съесть первую сезонную траву или фрукт - значит добавить себе 75 дней жизни.

Цвет блюда определяется как минимум сезоном, и поэтому в зимних блюдах должен присутствовать белый цвет, в осенних - желтый и оранжевый, в весенних - розовый и зеленый, в летних - красный и зеленый или пурпурный. Играют роль и сопутствующие обстоятельства: сочетание красного и золотого подходит для важных событий вроде свадьбы, серебряного и черного – только для траурных (в других случаях их следует избегать). Не менее цвета ценится текстура: в японском более двадцати слов, описывающих только разные градации хрустящего; некоторые продукты ценятся именно за свою текстуру, а не за вкус. 

В лучших своих проявлениях блюда японской кухни неразрывно связаны с эстетикой, религией, традициями и историей страны. Они навевают воспоминания о смене времен года, чьем-то детстве, о шторме на море. Кусочек рыбного фарша в виде кленового листочка, тонко окрашенный алым и оранжевым, - чтобы отпраздновать приход осени. Маленький домик, вылепленный из наструганного льда, с маленькой же рыбкой внутри из растертого каштана и с каштаном, сделанным из рыбьего фарша. И все это лишь для того, чтобы напомнить уважаемому гостю, что он родился на далеком северном острове…» Из предисловия к работе Цудзи Сидзуо «Японская кухня» (1978) 

В то время, пока на приёмах у императора гостям подавали невообразимо красивые и значимые блюда, лишь наполовину состоящие из съедобных продуктов, у простых крестьян рацион был не слишком разнообразен. По большей части в него входили продукты народного хозяйства, такие как рис, рыба, орехи, мясо диких уток. Далее из Юго-Восточной Азии в Японию пришёл новый способ консервации и начали появляться первые суши, хоть и выглядели они совсем не так, как мы привыкли их видеть. С развивающейся торговлей перед людьми возникли новые задачи. Для увеличения срока хранения рыбы, чтобы её можно было без проблем перевозить, её чистили, присыпали солью, оставляли под гнетом на несколько месяцев, затем промывали, сушили, начиняли вареным рисом, снова засыпали солью, заливали водой и оставляли минимум на год (а лучше на три). Рыба хранилась дольше, а кислый рис выбрасывался. С развитием сельского хозяйства и производства рисового уксуса рецепт менялся. Постепенно самураи Эдо, ценившие вкус свежей рыбы, и не нуждавшиеся в том, чтобы долго ее хранить от придуманных в Осаке суши оставили только саму идею - рис с уксусом + рыба.

Эпоха Камакура принесла Японию традиции техничной разделки рыбы или дичи (журавль, утка) с целью любования - «сикиботё». В одном из трактатов 1330 года упоминается мастер, способный по-разному разделывать карпа каждый день в течение года. В «Тайных записках о кулинарной нарезке» середины XVII века описываются 47 способов разделки карпа: «Снежный утренний карп», «Карп, наблюдающий луну», «Отправляющийся на битву карп», «Карп-долгожитель», «Карп, любующийся цветком», «Карп, выбирающий невесту» и прочие. Перед публикой на знатных банкетах устраивались целые выступления таких мастеров. 

К концу XIX века эта традиция приходит в упадок, а к XX веку оказывается практически полностью забыта: искусство ритуальной разделки журавля не смогло найти последователей в модернистском мире. Однако и поныне в Японии существует культ кухонных ножей и идеальной нарезки продуктов, в том числе для суши и сашими. Мастера, подобно самураям эпохи Эдо с трепетом относятся к своим инструментам и используют различные техники нарезки для разных продуктов. 

Чуть позже, с началом торговых отношений с Испанией и Португалией в Японию попали новые рецепты и продукты. Так, в японском меню появилась темпура и блюда с яйцами и курятиной. Сахар стал популярен только после появления в архипелаге португальцев, которые привезли с собой карамель. До её появления «сладостями» к чаю считался батат, орехи, рисовые пирожки с начинкой из сладковатой пасты адзуки.

Различные сытные закуски и макашницы (передвижные тележки с едой) тоже появились не случайно. В столице Эдо, будущем Токио, в начале XVIII века живет более миллиона человек (в два раза больше, чем на тот момент в Париже), это самый большой мегаполис в мире, где треть горожан - неженатые мужчины: самураи, ронины, приехавшие в столицу провинциалы. Многие из них живут в комнатах размером в шесть татами, готовить им некогда и негде, и в столице моментально вырастает невероятных размеров индустрия быстрого питания, маленьких уютных закусочных и передвижных торговцев лапшой. Уже за полчаса до рассвета на улицы выходят разносчики завтраков: продают натто (ферментированные соевые бобы), тофу на палочке, сезонные овощи на гриле, жареные корни лопуха и онигири - рисовые комочки с разными начинками, завернутые в обжаренные листы водоросли нори, которую японцы как раз научились выращивать и обрабатывать.

На путешественников же изначально были рассчитаны и бэнто - ланч-боксы: в них умещался паек, которого хватало на день. Индикатором свежести служили зеленые бамбуковые листья, на которые клали еду: они вянут с известной скоростью, если они зеленые, то можно есть, а если приобрели коричневый оттенок – ланч испортился и его пора выбросить. Во многих аниме так же можно встретить этот вариант подачи.

Постепенно с развитием индустрии началось издательство множества первых кулинарных книг. Хотя по большей части по ним практически не готовили, так как большинство продуктов были дефицитными и недоступными населению. Поэтому ими только любовались, закусывая рисовым пирожком.

После 1868 года, когда Япония снова открылась Западу, внезапно оказалось, что все европейское и есть самое модное и правильное: японец нового типа должен одеваться на европейский манер и есть европейскую еду. В 1870-м в Йокогаме и Токио открываются первые булочные и Япония впервые знакомится с производством хлеба. В 1873 году император публично пробует говядину: табу на поедание мяса отменено, в Токио открываются первые стейк-хаусы и рестораны с европейской едой и становятся страшно популярны среди японских интеллектуалов. В Йокогаме американцы открывают первую пивоварню (так начинается история популярной и по сей день компании Kirin), появляются первые лавки с мороженым и шоколадом, первая японская винодельня и кофейная лавка. Британцы привозят в страну первую газировку и карри. Рамунэ (лимонад) и карри-райсу (рис с карри) становятся национальным увлечением. C китайскими разнорабочими в конце XIX века приходит куриный суп с лапшой, в который в Токио придумают добавлять жареную свинину, нори и соевый соус и назовут сперва сина-собой («китайская лапша»), а затем привычным нам «рамэном».

Однозначно сказать, почему тему еды можно отнести к отдельному поджанру в аниме и манге - достаточно сложно. Педантичные и обсессивные японские иллюстраторы прикладывают немало усилий, чтобы изобразить аппетитную хрустящую корочку на кусочке свинины или передать насыщенность ароматного рыбного бульона. И если с технической точки зрения – это называется Sakuga (момент, когда качество анимации становится значительно лучше/дороже с целью придать ему эффектности или драматичности), то с культурной – у этого явления нет названия. Стоит упомянуть и кропотливую работу аниматоров, ведь именно их заслуга в том, как "оживает кадр". Как от миски с супом поднимается вверх горячий пар, как стекают капли охлаждённого конденсата по банке с газированым чаем. Переливы цвета вызывают чувственные ассоциации, вызывающие аппетит. Многие вспомнят яичницу из "Ходячего Замка Хаула от студии Ghibli, сукияки из "Синего экзорциста", омурайсу из "Сада изящных слов", Онигири из аниме «Клинок, рассекающий демонов», собу из аниме «Сегодняшнее меню для Эмии».

Как дань вековым традициям аниме-герои, как и обычные японцы, зачастую со всей серьёзностью относятся к еде и её символическому значению. Они готовы отстоять огромную очередь после школы за особенной булочкой, долго решаются, какой именно бульон набэ приготовить в честь праздника и обязательно обращают внимание на маленький листик мяты, которым украшено мороженое.  
Эта тенденция прослеживается практически во всей индустрии аниме и стала её неотъемлемой частью.

Укоренившиеся символизм и эстетика отображения сочных и аппетитных горячих блюд, невероятных, поражающих воображение десертов и прочих вкусностей ушли далеко за пределы Японии, став очевидно популярным явлением. В интернете можно найти великое множество видеороликов, где кто-нибудь пытается повторить рамэн из «Наруто», кулинарные блогеры выкладывают рецепты рисового омлета из «Семьи шпиона», или публикуют целые книги рецептов. Не говоря уже о тысячах видеороликов с ASMR-подборками кадров исключительно еды (или процесса приготовления) из аниме-сериалов. Можно сказать, что это просто новое, современное прочтение культуры одной страны, зародившейся много веков назад в архипелаге Восточного моря.

Источник: сайт YummyAnime

Конничива, минна-сан!
Представляем вам рубрику «Старые новости». В ней мы будем делиться интересными статьями и интервью из мира аниме-индустрии прошлых лет.

Наш сегодняшний гость Дай Сато - сценарист таких аниме, как «Эрго Прокси», «Эврика 7», «Слушатели» и др. В июле 2010 года Дай Сато принимал участие в конференции Cultural Typhoon, состоявшейся в Университете Комадзава. Темой обсуждения была «Городская жизнь: хип-хоп, аниме и жилые кварталы», но в основном мистер Сато вёл разговор о своих опасениях по поводу состояния японской анимационной индустрии. Его беспокоила зависимость студий от субподрядчиков для выполнения промежуточных кадров и то, что люди из индустрии отказываются обучать субподрядчиков особым навыкам создания историй. Нежелание передавать знания снижает вовлечённость работников и ограничивает их роль механическим трудом, поэтому субподрядчики часто даже не понимают, над каким продуктом работают, что приводит к потере целостности. Дай Сато был уверен, что это стало очевидным с момента выхода Macross, когда согласованность между кадрами была ужасной, но индустрия продолжает делать то же самое. Это намеренно совершается, чтобы не подрывать позиции Японии в производстве аниме, однако, мистер Сато категорически отвергал концепцию «Крутая Япония», которую политики и промоутеры используют в своих интересах. «Японская гордость - это часть национального проекта», - сказал он, - «но она существует только на поверхностном уровне. Большинство людей не знает, кто его (аниме) создаёт», имея в виду игнорирование в массовых медиа зависимости от субподрядчиков.

Мистер Сато также был расстроен отсутствием уважения к сюжетам в Японии. Он отметил, что «Эрго Прокси», для которого он написал сценарий, имел DVD-боксы по всему миру, но не в Японии. Годом ранее той конференции Cultural Typhoon, в интервью, опубликованном Издательством Миннесотского университета, Дай Сато и Мурасэ Сюко (режиссёр «Эрго Прокси») говорили, что на японцев не особенно влияют философские темы. Мурасэ Сюко высказал мысль, что японцы, похоже, не понимают или не имеют дерзости взглянуть на своё внутреннее «я». В этом смысле всё население Японии каким-то образом пытается убежать от своих проблем. «В целом, японцы пропустили большинство элементов символизма, включённых в нашу работу», - сказал Мурасэ Сюко. Мистер Сато связал это с тем, что публика воспринимает истории поверхностно, например, большая часть японских зрителей знает термин «Крылья Икара», но наверняка не знает предысторию этой фразы, являющейся частью мифа о Минотавре. Ещё Сато-сан упомянул, что многие назвали «Эврику 7» калькой «Евангелиона», даже не посмотрев её, и лишь немногие задумались о том, что значат названия эпизодов, почему определённый меха называется «Дьявольская рыба», и мало кто догадался, что «Лето любви» отсылает к японской рейв-культуре. На конференции Cultural Typhoon Дай Сато был разочарован потерей фанатами своей медиаграмотности - снижением способности читать нарративы и скрытые смыслы. Он негодовал на занимаемое сюжетом место в японском аниме и жаловался, что стóящие работы называют «сложными», тогда как аудитория тяготеет к повседневкам. Мистер Сато задавался вопросом: насколько действительно фанаты заинтересованы в тщательном анализе для извлечения смысла (*классическое определение отаку-практик с точки зрения Окады Тосио).

[Судя по всему, тенденция продолжается до сих пор, и не только на Востоке. Гораздо популярнее становятся тайтлы типа «Фрирен», а такие, как «Сонни Бой» обделяются вниманием.]

При этом Дай Сато не заявлял, будто ему не нравятся повседневки вроде K-On! - наоборот, он восхищался их невероятным дизайном. Не критиковал он и фансервис, потому что, как и многие японские режиссёры, пришедшие из «индустрии розового кино», аниматоры имеют опыт работы с эротическим контентом (додзинси, эроге и т. п.); и сексуальное желание, по мнению мистера Сато, - это часть творческого импульса. Но он считает, что чрезмерное внимание к персонажам и стремление к максимально качественной анимации приводит к утрате уникальных «аниме-подобных» движений и визуального языка, которые появились 1970-х годах благодаря ограниченному телевизионному аниме.

Реалистичные фоны, основанные на реальных местах, - очередная проблема, с точки зрения Сато-сана. «Это наркотик для нас», - сказал он об аниме-индустрии. Реалистичные фоны радуют фанатов и увеличивают туризм, но «когда я смотрю на современное аниме, я понимаю, что у нас больше нет гордости».

Аниме превратилось в «сверхсистему», где ничего нельзя изменить. И система движется в сторону модели Акихабары - важность персонажей, изображений, мерчендайза, - в сторону, которую Сато-сан считает извращением изначального идеализма индустрии. Это продажность. «Миядзаки Хаяо был коммунистом», - изрёк мистер Сато, - «он боролся с системой!».

На той конференции Дай Сато похвалил рэп и хип-хоп, так как, на его взгляд, они до сих пор (2010 год) остаются андеграундными. Он сравнил мангу с рэпом, потому что для её создания требуется меньше людей, а авторы/художники, как правило, не идут на компромиссы. По мнению мистера Сато, отаку и рэперы не так уж отличаются. Они концентрируют своё внимание и общаются через творчество, чтобы вдохновить других на создание. А образ отаку как исключительного феномена - это просто миф, раздуваемый СМИ.

Возможно, дорогие читатели, вы прежде уже видели где-нибудь в интернете заголовок с сетованием Хаяо Миядзаки на то, что «индустрия полнá отаку». Между тем господин Миядзаки сетовал не столько на “отакушность”, сколько подразумевал стереотипную черту, приписываемую обществом термину «отаку». В общественном сознании отаку представляются асоциальными занудными задротами, и из-за негативного окраса асоциальность выходит здесь на первый план. Господин Миядзаки досадовал на то, что аниме теперь создаётся такими людьми, которые о реальной жизни-то ничего толком не знают и знать не хотят, тогда как Миядзаки думает, что искусство - это подражание жизни (мимесис - один из основных принципов эстетики). В этом смысле понятие «отаку» в устах мистера Сато и господина Миядзаки отличается: первый большее значение придаёт скрупулёзной умственной деятельности в отношении непопулярных вещей, второй - бегству от реальности. Таким образом, Дай Сато и Хаяо Миядзаки говорят о крайностях. Конечно, отказ от социальной жизни всё ещё актуальная проблема, но это уже совсем другой разговор (о хикикомори), а отаку не обязательно затворники. Отаку могут объединятся в группы по интересам и задротить вместе, как в аниме «Гэнсикэн».

Вернёмся к Cultural Typhoon.
Даже если коммерческая индустрия отвергает кого-то, остаются додзинси или «суперинди». Манга традиционно служила источником историй и творчества для аниме, но сейчас индустрия становится всё более зависимой от неё. Как сказал Сато-сан: «Манга - это последний оплот. Если мы потеряем её, аниме больше не будет».

Дай Сато сознательно борется с текущими трендами в аниме и пытается создавать сильные, оригинальные истории. Он, похоже, ведёт осмысленную борьбу против сюжетов, где личные проблемы приравниваются к мировым, без вмешательства общества или государства. Мистер Сато рассказал, что отчасти вдохновением для его работ стали апатия и бедность японской молодёжи. Он вспомнил своё пребывание в районе Коэндзи, когда движение Amateur Rebellion (Восстание любителей) проводило кампанию в поддержку выдвижения кандидата Мацумото Хадзиме на выборах в местное управление. Эта кампания включала в себя уличные диджей-сеты, хип-хоп выступления и лозунг «Мы не будем работать». Посещение пригородов и жилых комплексов также вдохновило сценариста. Он увидел опустевшие города без энергии, без молодёжи, без будущего.

Впрочем, в 2020 году в интервью ютуб-каналу OTAQUEST Дай Сато не был столь пессимистичен. Он радовался новым возможностям сотрудничества с зарубежными коллегами и говорил, что, даже если японские авторы и ощущают дефицит спроса на независимые проекты на родине, мировой рынок всё ещё способствует реализации свободного творчества. С одной стороны, эти слова мистера Сато подтверждаются, например, его работой над сценарием японо-американской ONA «Суперворы» под эгидой Netflix и участием в разработке графического романа про детройтскую музыкальную группу экспериментального техно Drexciya. С другой стороны, зарубежные стриминговые сервисы тоже увлечены промóушеном и скорее заинтересованы в экранизации уже успешных франшиз типа «Кастлвании» и Devil May Cry. Оригинальные же аниме всё-таки чаще выпускаются в Японии. К примеру, тот же «Сонни Бой», да и вот сам Сато-сан числится в производственном составе грядущего тайтла «Лазарь».

А волнует ли вас недостаток серьёзных сюжетов в аниме-индустрии?

Источник: сайт YummyAnime

Сценарий - это текстовая основа какой-нибудь постановки (кинематографической, театральной) с подробным описанием диалогов и каждой сцены с ремарками (ремарка указывает на связь сцен: что, где, когда и с кем происходит; не обязательно в такой последовательности). То есть сценарий - это, как говорится, базированная база.

Альфред Хичкок однажды сказал:

«Чтобы создать великолепный фильм вам нужны три вещи: сценарий, сценарий и ещё раз сценарий»

И аниме не исключение. Конечно, если вдруг самый лучший сценарий адаптируют с безобразной рисовкой, нелепой анимацией, отвратительным CGI, смехотворными спецэффектами, скучным саундтреком и другими нескладными производственными элементами, то зрелище будет не из приятных, но публика как минимум отметит сюжет, вероятно, посетует на беды продакшена, а может и вовсе заклейми́т шоу артхаус-изделием. Поэтому оговоримся здесь, что нет смысла преувеличивать ценность профессии, действующей в интересах коллективного труда.

**

Тем более не стóит эту ценность преуменьшать. Недавний пример - забастовка Гильдии сценаристов США 2023 года. Забастовка продлилась 148 дней и оказала колоссальное влияние на съёмочные процессы в Голливуде. Коллегия сценаристов из страны восходящего солнца также не осталась безучастной к данному кризису и 3 ноября 2023 разместила на своём сайте заявление в адрес СМИ и всех тех, кто связан с вещанием и выпуском фильмов. Кооператив Ассоциации сценаристов Японии заявил об учащении игнорирования прав сценаристов, в том числе: авторских, социальных и экономических. Ассоциация считает, что снижение статуса сценаристов в отрасли отчасти обусловлено отсутствием общественного признания. Во-первых, Ассоциация подчёркивает незаменимость творческой фигуры сценариста искусственным интеллектом: сценаристы выражают тонкости человеческого сердца, вдыхают в сценарий жизнь, от сцены и поведения персонажей до концовок строк. Во-вторых, Ассоциация утверждает, что генеративный ИИ является лишь одним из источников материала и может использоваться в творческой деятельности при условии чёткого указания факта его использования и обеспечения защиты авторских прав сценариста. Ассоциация также просит не оказывать давления на сценаристов, не принуждать их к использованию генеративного ИИ. В-третьих, Ассоциация серьёзно обеспокоена использованием произведений, защищённых авторским правом, в качестве учебных материалов для разработки генеративного ИИ, и призывает к немедленной правовой реформе. Помимо прочего, выдвигаются требования о соблюдении прав сценаристов на отображение своего имени при публикации и на сохранение целостности произведения. В конце концов Ассоциация решительно призывает защищать свободу слова и права личности.

***

Согласно словам режиссёра и сценариста Тацуо Сато, одна минута игрового (лайв-экшен) фильма соответствует двум страницам рукописного листа сценария по 200 символов на страницу, в то время как стандарт для 20-минутной серии аниме равен 80 страницам на эпизод, то есть на одну минуту экранного времени аниме-эпизода приходится в два раза больше страниц сценария, чем для игрового кино. Это связано с тем, что в анимационном кинематографе каждый кадр планируется с нуля и строго контролируется, следовательно, необходимы более детальные описания сцен. Разумеется, объём может увеличиваться или уменьшаться в зависимости от жанра или стиля произведения. И это не значит, что сценарная страница полностью исписана двумя сотнями символов, нет, просто страница рассчитана на 200 символов. В Японии используется вертикальное письмо, поэтому вместо наших горизонтальных строк у них столбцы. Сценарная страница состоит из 20 столбцов, а столбец из 20 символов (“клеточек”). И в сценарном ремесле есть правила разметки (оформления) текста. Рассмотрим картинку.

Наша страница начинается (первый столбец справа, в верхнем углу) символом кружочка О, означающим описание (место, обстановку, время) сцены. В 17 столбце тоже заметен кружочек - смена сцены (кружочки в сценарии всегда ставятся в первой клеточке, а столбец перед сменой сцены оставляют пустым). Если страница не заканчивает сцену, то следующую страницу не нужно начинать с кружочка. Теперь обратите внимание на отступ трёх клеточек во втором столбце и присмотритесь - отступ по три клеточки есть также и в других столбцах: в этих столбцах записаны ремарки сценариста. А ещё есть столбцы, пишущиеся с первой клеточки, но в которых нет кружочка, они делятся на два вида. Первый вид - столбец номер 6 с английской буквой N в четвёртой клеточке (N означает монолог персонажа, перед буквой N обычно указывается имя произносящего монолог). Столбец номер 7 относится к первому виду, однако, в этом столбце вы можете видеть отступ первой клеточки - причина в том, что закончилось предложение монолога и персонаж сделал паузу. Второй вид - столбцы номер: 9, 10 и 13. Они начинаются с имён персонажей, произносящих реплики. Такая разметка используется для удобства чтения, чтобы сэйю (и вообще читателю) было проще следить за тем, чья сейчас реплика. Когда персонаж появляется впервые, то в сценарии пишется его полное имя, фамилия и возраст (столбец 3), а при следующем упоминании только имя (столбец 5).

Анимационные студии не выкладывают сценарии в интернет для свободного доступа, так что узнать даже примерное количество символов и слов на эпизод аниме сериала не представляется возможным. Остаётся довольствоваться информацией о том, что на одну минуту серии аниме затрачивается в два раза больше страниц сценария, чем для игрового кино. Можно было бы сравнить, например, пилотный эпизод оригинального сценария ситкома «Друзья» (3350 слов) с пилотным эпизодом оригинального сценария мультсериала «Рик и Морти» (6955 слов), хотя вот в пилоте американского «Офиса» 5756 слов, то есть не всегда анимационный эпизод сценария намного насыщеннее игрового. Что ж, для нас, фанатов аниме, досадно не иметь доступ к материалам создания любимых тайтлов, но по крайней мере такое положение свидетельствует о соблюдении авторских прав на защиту интеллектуальной собственности.

А что по поводу длительности рабочего процесса сценариста? Исключителен случай «Харухи Судзумии», сценарий которой изначально писался в формате сериала, и лишь позже «Исчезновение» решили выпустить как полный метр (162 минуты хронометража). Первая производственная встреча прошла в июне 2007, сценарий был завершён к февралю 2009. Чуть больше полутора лет занимался разработкой Фумихико Симо - член Японской Гильдии сценаристов. Далее мы немного подробнее напишем о специфике сценарного ремесла в аниме-индустрии.

****

В эксклюзивном интервью каналу популярного китайского видеохостинга Bilibili Фумихико Симо поделился некоторыми аспектами своей профессии и личным опытом. Он рассказал, что практика в юношеские годы в небольшой театральной труппе помогла ему в компоновке серий аниме «Кланнад 2». Мистер Фумихико также сообщил, что при разработке сценария необходимо следить за тем, чтобы реплики персонажей соответствовали их характерам. Ещё нужно особо остерегаться вкладывания в манеру речи персонажей собственного голоса и стиля мышления. По этой причине Фумихико находит полезным делегировать определённые сцены товарищам из команды сценаристов, чья форма выражения (письма) лучше подходит сцене. «У каждого сценариста своя индивидуальность», - говорит он, - «кто-то хорошо пишет о боевых искусствах, у кого-то хорошо получаются лёгкие и смешные скетчи, у других - саспенс и ужасы, у третьих - для детей и пожилых, у четвёртых - про любовь и молодость и так далее».

Само собой, над сценарием трудится не один человек. На страничке сайта студии Madhouse сценарист аниме «Нана» Томоко Конпару раскрыла кое-какие моменты производственного процесса. Сперва сценарист получает заказ от продюсера и режиссёра, проходит встреча, на которой заказчики устанавливают желаемую тему, идею и общие наброски “художественного плана”. К слову, идея может быть краткой, допустим, голливудский режиссёр Джеймс Кэмерон описал тему одного из самых финансово успешных фильмов одной фразой: «Ромео и Джульетта на Титанике», но нет ничего непозволительного в развёрнутом описании. В основном поступают заказы на адаптацию манги, время от времени первоисточником бывают ранобэ, а иногда и аниме становится оригиналом. «Код Гиасс» - один из таких случаев. Тогда режиссёр и сценарист предложили свой концепт продюсеру студии Sunrise, набросок идеи сюжета заключался в герое, возглавляющем секретную организацию, и далее история превращалась в конфликт интересов между двумя принадлежащими к одной военной части персонажами. На стадии производства к проекту «Код Гиасс» привлекли группу мангак CLAMP для дизайна персонажей, CLAMP также предоставила многочисленные идеи, способствовавшие разработке сеттинга. Иногда оригинальное аниме даже адаптируется в мангу, ранобэ или видеоигру. Но вернёмся к Томоко Конпару и пройдёмся по производственному процессу ещё немного. После обозначения художественного плана, сценаристу требуется порядка недели на составление краткого изложения сюжета, затем регулярно проводятся читки сценарных черновиков с постоянным оттачиванием деталей. В основном аниматоры не участвуют в читках чернового сценария, хотя случается, что на встречи приходит автор первоисточника. На встречах обсуждаются внесения изменений; сценаристу дают понять, где сто́ит сократить, где, наоборот, развить какую-нибудь сцену или чувство. Бо́льшую часть времени продюсер производственной компании играет роль модератора и организатора встреч, спрашивая у собравшихся их мнения и предложения. В среднем до создания готового образца сценария набирается около 4-х черновых рукописей - примерно месяц работы. По завершении рукописи режиссёр рисует раскадровку. Госпожа Конпару оповестила нас и о парочке нюансов сценарного мастерства. Персонажи, пейзажи и всевозможные объекты в аниме сильнее деформируются, чем в реальности; и в этом особенность и очарование. Такие фразы, как «большие глаза героини» и «красочные костюмы цвета радуги» приветствуются. Но, несмотря на одобрение продюсерами подробного описания сцен, нельзя лишать аниматоров возможности подключать воображение, так что не следует быть чересчур подробным. Кроме того, сценарист должен описывать не эмоции, а реакции. Сценарный стиль письма отличается от романа тем, что в романе дозволено и даже восхваляется писать витиевато, пространно описывая внутренний мир персонажей, но в сценарии подобает выражаться лапидарно (кратко и чётко, просто и понятно). Это касается конкретно ремарок. В сценарии будет грубой ошибкой написать что-то вроде «персонажу так грустно, что он не может этого вынести», потому что этим сценарист усложняет работу аниматору, которому сначала придётся поломать голову над тем, как изобразить грусть именно этого персонажа в ситуации этой сцены и почему персонаж грустит именно таким образом, и скажется ли такой выбор изображения грустного поведения на остальных сценах. Вместо описания чувств сценаристу надлежит описывать действия, предпринятые персонажем из-за эмоций, например, в результате переполнения грустью «рука, держащая носовой платок, трясётся». А уже как будет трястись рука, как рука будет держать платок, как будет выглядеть платок и тому подобные телодвижения выпадают на долю аниматора. Томоко Конпару считает, что есть два типа аниме-сценаристов: те, кто стремятся стать сценаристами ради участия в создании аниме, и те, кто исконно хотели заниматься сценарным делом. Сама Конпару-сан, будучи студентом, любила аниме, поэтому, не умея рисовать, стала изучать сценарии. На 4 курсе она посещала кружок драмы и манги под руководством сценариста Масаки Тсудзи (работал, к примеру, над меха 1980 «Космический император-бог Сигма»), где госпожа Конпару и обрела интерес к изучению сценариев.

*****

Воистину, к индустрии многие присоединяются разными путями. Нагару Танигава после получения в университете степени юриста работал в магазине женской одежды, прежде чем официально дебютировать с сайфайной этти новеллой в журнале сёнэн-манги; а позже стал известен как автор серии ранобэ «Меланхолия Харухи Судзумии». С другой стороны, Нисио Исин с детства хотел стать мангакой, впрочем, за неимением способностей к рисованию, решил стать новеллистом и бросил учёбу, не окончив университет, впоследствии прославившись серией лайт-новелл Monogatari («Истории монстров»).

Тоже лю́бите аниме и не умеете рисовать, но не знаете что лучше: писать ранобэ или сценарии? Тогда давайте взглянем на преимущества и недостатки тех и других.

Авторы ранобэ чаще оказываются создателями оригинальных произведений, тогда как сценаристы преимущественно занимаются адаптацией первоисточника. В некотором смысле, выбрав ранобэ, вы окажетесь сами себе актёром, сценаристом и режиссёром, имея полную свободу над собственной историей. Но в ранобэ вы не сможете рассчитывать на визуальную составляющую и вам будет необходимо поддерживать интерес читателя с помощью словесного повествования на протяжении всего текста. Вдобавок в ранобэ вам придётся самостоятельно формировать полноценную картину произведения и не факт, что ваша работа прославится и будет экранизирована. Исходя из этого, можно сделать вывод - работа сценариста примечательна ещё и тем, что благодаря обусловленности художественным видением продюсера/режиссёра позволяет сосредоточиться на совершенствовании филигранного писательского стиля и не беспокоиться об идейных кризисах. В таком свете работа сценариста кажется чуточку легче. Между тем недостаточно просто закончить курсы сценаристов. Чтобы получить шанс в индустрии, надо проявить себя на конкурсах или блеснуть сценарными навыками в игровом кино.

Как бы то ни было, ничто не запрещает заниматься и тем и другим. Масао Маруяма (соучредитель студии Madhouse и основатель MAPPA) в интервью для книги Тору Нодзаки «Техники написания сценариев для анимации: обучение методам создания сценариев у профессионалов» говорит о том, что лично он

«Не против, чтобы кто-то писал сценарии похожие на роман. Нормально, что есть краткие сценарии и подробные сценарии. В любом случае было бы хорошо, если бы сценарий был наглядным»

(книжка на японском языке, цена на Amazon равна 2200¥). Та же Томоко Конпару, кстати, пишет романы. В 2003 она отвечала за сценарий аниме «Завтрашняя Надя», а в 2017 было выпущено продолжение в виде романа за её авторством. Так, работая над сценариями, у сценариста есть возможность более обстоятельно анализировать, какие оригинальные произведения получают адаптацию.

И заимствовать идеи из чужого творчества вовсе не зазорно. Даже создатели первоисточников чем-то вдохновляются. Мангака «Пиратов “Чёрной лагуны”» в основу истории положил случаи пиратства в Южно-Китайском море в 1990-х. Мангаку «Монстра» вдохновил американский телесериал «Беглец» 1960-х, а сам телесериал был снят по мотивам широко известного в США дела Сэма Шеппарда.

******

Оригинальные аниме также чем-нибудь вдохновляются. На сценариста «Экспериментов Лэйн» Тиаки Конаку оказали влияние: Годáр, «Экзорцист», «Алиса в Стране чудес» и др. Ещё Тиаки Конака оставил в сценарии «Экспериментов» литературные отсылки к Марселю Прусту и к научно-фантастическому рассказу Кордвейнера Смита “Think Blue, Count Two”, цитируя их через отца Лэйн. Это явный признак того, что и сценарист может проявлять креативность и создавать уникальные вещи, а не только заниматься адаптацией первоисточника.

Да, оригинальные аниме сценарии редки и не являются плодóм одного сценариста. Сценарист оригинального сценария аниме тоже разрабатывает историю с режиссёром и продюсером. Но работа в хорошей творческой команде порой стóит того. Кэйко Нобумото написала сценарий аниме «Ковбой Бибоп» в сотрудничестве с режиссёром Синъитиро Ватанабэ, и работала над сценарием «Крёстных отцов Токио» с Сатоси Коном, а ещё она - автор оригинального тайтла «Волчий дождь». Госпожа Нобумото не сразу пришла к такому успеху. Она окончила колледж медсестёр Хоккайдо Асахикава, проработала в больнице при университете, затем переехала в Токио и там работала офисным персоналом в TMS Entertainment и Glovision Inc. А в 1987 году прошла сценарные курсы у Такао Коямы (профессор кафедры дизайна персонажей Университета искусств Осаки, сценарист аниме Dragon Ball Z).

Разумно брать пример с лучших. И в индустрии аниме среди сценаристов есть такие люди. Наиболее высоко оценён в этом плане, наверное, Гэн Уробути - сценарист оригинальных аниме «Девочка-волшебница Мадока» и «Психо Пасспорт», создатель визуальной новеллы Saya no Uta, автор ранобэ Fate/Zero и даже сценарист токусацу (японский термин для лайв-экшен фильма или ТВ-шоу, где интенсивно используют спецэффекты) Kamen Raider Gaim (весьма популярной в Японии супергеройской медиа-франшизы). Поначалу Уробути-сан не стремился стать сценаристом, а хотел быть писателем, но у судьбы были иные намерения:

«Просто я никогда не читал литературу, которая рассуждает о жизни или обществе. С юности такие вещи меня совершенно не привлекали. Всё-таки в фильмах и романах, которые мне интересны, обязательно должны быть сиськи и взрывы (смеётся). Поэтому я читал что-то вроде того, что сейчас называют лайт-новеллами, на чёрно-белых страницах журналов о сборных фигурках.»

Достойно уважения. Все состоявшиеся режиссёры и сценаристы, не только аниме-индустрии, согласны с одной простой истиной. Знай своего зрителя. Это не значит, что нужно творить ради аудитории и потакать ей, нет. Подобно детективу, разыскивающему убийцу, чтобы угодить зрителю, вы сами должны быть зрителем.

*******

Раз уж речь зашла о лучших, то как не затронуть Квентина Тарантино и его прославленные диалоги! Диалог всему голова - так, казалось бы, должна звучать заповедь сценариста. Сам Тарантино восхищается мастерством сценариста Аарона Соркина, называя его величайшим действующим диалогистом. Из-за этого Тарантино выбрал «Социальную сеть» Дэвида Финчера и Аарона Соркина - лучшим фильмом 2010-х. И в индустрии аниме кое-кто довольно близко сопоставим с этими двумя. Нисио Исин (автор ранобэ Monogatari) считает, что «персонаж - это диалог». Нисио Исин фокусируется больше на диалоге, чем на поведении. И умение мистера Исина писать льющиеся как ручей остроумные диалоги с необыкновенной игрой слов бесспорно. Однако мы можем наблюдать, что в аниме-адаптации этот приём оставляет желать лучшего от анимационной составляющей «Истории монстров», вынуждая тайтл использовать огромное количество статичных сцен, монтажных склеек и надписей. Данную мысль не следует воспринимать в качестве поругания аниме-сериала или автора ранобэ, но лишь как уведомление тем, кто хочет научиться сценарному делу, что в анимационном кинематографе одними диалогами сыт не будешь.

Итак, дорогие ямимешники, дабы соблюсти японскую традицию неумения заканчивать свои сюжеты, пора кончать статью. Поэтому убедительная просьба устроить в комментариях цивилизованный срач на тему лучшего аниме-сценария по вашему мнению.

А на десерт… В ранее упомянутой книге «Техники написания сценариев для анимации: обучение методам создания сценариев у профессионалов» предоставлена беседа с Мари Окадой (сценарист аниме «Укрась прощальное утро цветами обещания»). Госпожа Окада уверена, что реплики должны обладать сильным эффектом, и что обращение внимания на такие технические моменты, как обстановка сцены, в частности освещение, помогает в понимании и расширении диапазона эмоциональной выразительности. И то верно, на впечатление от сцены может оказать влияние, скажет персонаж фразу в тени или на свету…

The End.

Источник: сайт YummyAnime

Наруто был первоначально выпущен более 17 лет назад, и данный сёнен стал хитом среди зрителей по всему миру благодаря своей эпической истории о шиноби. Наруто стал одной из самых продаваемых манг всех времен, было продано более 250 миллионов копий и заслужил свое место в «Большой тройке» Shōnen Jump наряду с такими аниме, как One Piece и Bleach. Наруто навсегда изменил ландшафт сёнен и зарекомендовал себя как один из величайших сёнен всех времен, и он наконец возвращается.

Naruto: Shippuden  также произвел фурор в 2007 году как сиквел к оригинальной серии, а Боруто: Новое Поколение открыл новую эру для всей франшизы. Хотя последний изо всех сил пытался сохранить популярность из-за своей противоречивой природы, очевидно, что франшиза Наруто популярна как никогда. Поклонники с нетерпением ждали возвращения сёнен-жанра к своим истокам, и, похоже, 2025 год может стать годом Наруто.

Наруто возвращается спустя 17 лет

Спустя 17 лет Наруто наконец возвращается в жанр сёнен в качестве ограниченной серии от Studio Pierrot, той же анимационной студии, которая выпустила серию Боруто. Первоначально предполагалось, что новое аниме Наруто выйдет в 2023 году, и новые объявления, связанные с сёненом, до недавнего времени оставались без внимания.

Теперь новое аниме Наруто планируется выпустить где-то в этом, в 2025 году. Поклонникам, возможно, даже не придется ждать так долго, поскольку Anime Japan 2025 быстро приближается и пройдет с 23 по 24 марта. У Studio Pierrot будет стенд, и, вероятно, она раскроет больше информации о новом аниме Наруто, а также о других проектах, таких как Black Clover и Bleach.

Первоначально новый аниме-сериал Наруто должен был выйти к 20-летию оригинального сериала Наруто, который вышел ещё в 2003 году, но был отложен из-за проблем с качеством производства. Поклонники с нетерпением ждали новых обновлений с июля 2023 года, когда анонс был первоначально опубликован на официальном аккаунте Наруто на X (формально Twitter). Сообщается, что производственные проблемы в Studio Pierrot преследовали как юбилейный сериал, так и сериал Boruto, который в настоящее время находится на перерыве, но, похоже, худшее позади для нового Наруто.

Хотя оригинальный сериал Наруто имеет свое очарование как аниме начала 2000-х, свежий слой краски сделает сёнену честь, поскольку оригинальный сериал, безусловно, устарел с точки зрения качества анимации. Ближайшее, что получили изголодавшиеся фанаты в плане нового контента Наруто, было Боруто. Но сиквел следующего поколения был не совсем хорошо принят, а Боруто стал постоянной мишенью для критики среди фанатов Наруто , которые хотят следовать за оригинальной Командой 7.

Новое аниме Наруто запоздало на несколько лет, так как оно не вышло в первоначальное окно релиза из-за контроля качества и других производственных проблем. А в это время эталон качества был установлен среди Большой тройки с One Piece и Bleach: Thousand-Year Blood War, устанавливающими планку для современной анимации. И, похоже, новое аниме Наруто продолжит тенденцию захватывающей анимации. Помимо всего прочего, новое аниме будет смесью ностальгии и современных анимационных практик, которые оставят свой след среди фанатов, желающих вернуться в Коноху, чтобы увидеть своего любимого будущего Хокаге с колючими волосами в действии.

Что мы знаем на данный момент об ограниченной серии Наруто

За два года с момента выхода трейлера к 20-летию Наруто видео собрало более одиннадцати миллионов просмотров на YouTube, что демонстрирует желание фанатов, которые хотят больше контента Наруто . Новая серия будет состоять всего из четырех эпизодов, но, учитывая популярность франшизы и тот факт, что изначально четыре эпизода были созданы к 20-летию, это хороший знак того, что у истории есть будущее.

Если новое аниме Наруто будет хорошо принято, то весьма вероятно, что последуют и другие эпизоды, если будет достаточный спрос. Однако ничего не ясно, но можно с уверенностью сказать, что среди фанатов все еще есть огромное желание получить больше эпизодов. Четыре эпизода — это не так уж много контента, но это хороший способ для Studio Pierrot прощупать почву, так сказать. Если фанаты заставят свои голоса быть услышанными и эпизоды будут хорошо приняты, это даст студии повод выпустить больше серий в будущем. На данный момент не так уж и вероятно, что Наруто получит заслуженную перезагрузку.

Учитывая, что франшиза отвернулась от контента Наруто в пользу Боруто и Боруто: Два Синих Вихря, единственный реальный способ, которым Наруто мог бы вернуться, был бы в форме OVA. При этом Наруто мог бы сделать что-то похожее на то, как One Piece выпускает специальные эпизоды, которые сжимают целые арки в часовые спецвыпуски с обновленной анимацией. В любом случае, четыре юбилейных эпизода Наруто предлагают заглянуть в будущие проекты, которые могли бы продолжить возрождать франшизу, но для современной аудитории аниме сёнэн.

Несмотря на свои неудачи, Boruto удалось захватить широкую аудиторию и доказать, что интерес к франшизе все еще есть. Учитывая огромную популярность Наруто, это лишь вопрос времени, когда будет сделана надлежащая перезагрузка или новый контент, который будет сосредоточен на основных персонажах. Новое аниме является идеальным шлюзом для будущих проектов и может стать стержнем для возрождения фандома.

С одной стороны, производственные проблемы Studio Pierrot могут быть предзнаменованием грядущих событий, учитывая, что было вынуждено отложить сериал на два года, пропустив 20-ю годовщину. С другой стороны, студия чувствовала необходимость отложить проект, чтобы обеспечить его качество, что могло быть благословением. Последний провал Uzumaki стал предостерегающей историей о том, чего не следует делать производственным студиям. Studio Pierrot, возможно, спасла свого Uzumaki, отложив его.

Возвращение Наруто будет сосредоточено на Команде 7

Четыре эпизода покажут Команду 7 до таймскипа Наруто: Ураганные хроники, а именно до того, как Саске покидает Коноху. Но трейлер в 2023 году продемонстрировал первую битву Наруто и Саске в Долине Завершения, так что, скорее всего, она закончится их судьбоносной битвой. Можно с уверенностью предположить, что новое аниме Наруто будет включать комбинацию новых сцен, окружающих Команду 7, и переделанных сцен из оригинального аниме.

Филлер — не совсем забавное слово для большинства фанатов сёнэна, особенно когда речь идет о Наруто. Но филлер не так уж плох, если он сделан правильно, поскольку он может добавить необходимую глубину второстепенным персонажам, создать захватывающие взаимодействия, которые не позволит основной сюжет, и в конечном итоге создать забавные сюжетные линии. В четырех (поздних) эпизодах годовщины филлер, скорее всего, будет сосредоточен на динамике Команды 7, когда они выполняют миссии до большой битвы между Наруто и Саске в Долине Завершения, которая станет центральным элементом нового аниме.

Новое аниме Наруто проверит почву для поклонников, и если оно будет воспринято особенно хорошо с достаточно высоким спросом на большее количество контента, Studio Pierrot может просто предоставить его в ближайшие годы. Что еще более важно, недавно произошло возрождение Большой тройки с такими проектами, как The One Piece , Bleach Thousand-Year Blood War , а теперь и новое аниме Наруто . Возрождение старых гигантов было особенно хорошо принято как сторожилами, так и новыми поклонниками сёнен, поскольку это просто показывает, что хорошая история неподвластна времени.

В любом случае, новое аниме Наруто станет, по крайней мере, взрывом из прошлого для многих поклонников, которые выросли на оригинальном аниме. Это лишь вопрос времени, когда фанаты узнают больше информации о возвращении любимого тайтла. В целом, до Anime Japan осталось всего несколько месяцев, так что фанатам "Наруто" ждать осталось недолго — вскоре появится больше информации, а возможно, будет объявлена даже дата выхода.

Источник: сайт YummyAnime

2024 год был достаточно насыщен для аниме индустрии. Не сказать, что он был ошеломляющий или прорывным, но то, что в этом году вышло довольно много новых произведений, которых мы с нетерпением будем ждать в дальнейшем; а также то, что смогли посмотреть продолжение к огромному количеству любимых тайтлов — все это, делает уходящий год действительно запоминающимся.

Давайте же попробуем подвести итоги этого года, и заодно посмотрим, благодаря каким аниме 2024 стал именно таким, каким мы его и запомним. Начнем, пожалуй, с сериалов, которые являются новинками.

Итак, 10 место — «Ведьма и чудовище» со средней оценкой 7,7 и следом за ним 9 место — «Нежеланно бессмертный авантюрист» с оценкой 7,58. Многие, возможно, слышали что-то о данных сериалах и даже, может быть, собирались посмотреть — но спустя время отложили на потом или во все забыли. У обоих этих тайтлов есть свои плюсы и минусы, однако, если попытаться дать краткую характеристику, то она будет, примерно такой: «Как же хорошо, что это не очередной иссекай».

8 место — «Становясь волшебницей». Да-да, все так: всего-навсего восьмое место. Несмотря на то, что данный сериал был сильно обсуждаем на просторах интернета и многие, в целом, либо хвалили его, либо предпочитали не сильно высказывается против него — тем не менее средняя оценка у «Становясь волшебницей» всего 7,8 баллов. Возможно, всему виной стало обилие довольно откровенных — если не сказать пошлых и вызывающих — сцен, которые с одной стороны были восприняты с юмором, а с другой — послужило якорем из-за которого подняться выше не получилось. Но несмотря ни на что, второй сезон был анонсирован сразу, после окончания первого.

А мы идем дальше, и на 7 место находится «Самый известный диктор создаёт самый великий в мире клан». Это классическая, совершенно обычная история о том, как в фэнтезийном мире главный герой стремится стать самым сильным, и в конце всё всем доказать. Однако, в отличии от многих похожих сериалов — здесь главный герой расчётлив, корыстен и не добродушный. Но все же авторы немного перестарались с этим, и забыли обосновать многие аспекты главного героя — из-за чего зашел тайтл далеко не всем. Средняя оценка: 7,94.

Скорее всего, многим девушкам понравится аниме, расположенное на 6 месте, ведь это — «Любовь с кончиков пальцев». Первое сёдзе, встретившиеся на нашем пути, рассказывающая романтическую историю о глухой девушке, которая встречает того самого человека, способного перевернуть ее мир. Средняя оценка: 8,2.

Добрались-таки до ТОП 5. И первый кто встречается на нашем пути это «Басня». Имеет оценку 8,3 баллов, а также занимает 69 место в топ 100 Yummy — но это не самое интересное. У данного аниме крайне низкая посещаемость. Для примера, у десятого место «Ведьма и чудовище» 130 000 просмотров, тогда как у «Басни», который находится на пятом месте, чуть больше 110 000 просмотров. Скорее всего многие скипнули из-за того, что тут нет магии, фэнтези и откровенных сцен с девочками волшебницами — однако это не помешало взобраться нашему герою так высоко.

4 место — «Подземелье вкусностей», оценка 8,4 баллов и 43 место в топ 100 Yummy. Встречали когда-нибудь кулинарно-фэнтезийную-приключенческую историю — если нет, то теперь знаете кому обращаться. Это произведение от всей известной студии Trigger, которая буквально каждым своим тайтлом умудряется удивлять зрителей. Несмотря на довольно большое обилие положительных отзывов — многие ругают историю за растянутость и провисание сюжет начиная со второй половины.

3 место — «Поднятие уровня в одиночку», оценка 8,4 баллов, а также 40 место в топ 100 Yummy. Пожалуй, самый неоднозначный и противоречивый тайтл из всего этого ТОПа. Даже те аниме, которые идут выше в нашем списке, их премьеры не ждали с таким усердием и вожделением, как «Поднятие уровня в одиночку». По итогу, зрители разделились на два противоположных лагеря: одни были в восторге, а другие в шоке. Но как бы там ни было, второй сезон был объявлен моментально, и официальная премьера состоится уже пятого января.

2 место —  «Кайдзю номер восемь», средняя оценка 8,4 баллов; а в топ 100 Yummy —  почетное 28 место. Большинство сходятся в том, что тут присутствует отличная режиссёрская работа: динамичный сюжет; великолепно поставленные экшен эпизоды; музыкальное сопровождение, анимация — все это тут есть и в избытке. Однако, пожалуй, основной минус данной картины заключается в том, что для прожжённых анимешников данный тайтл покажется до боли знакомым. Впрочем, субъективность, основывающуюся на былом опыте по отношению к любому аниме, так или иначе была всегда.

Первое место в ТОПе новинок 2024 года; Средняя оценка 8,55 баллов; 23 место в топ 100 Yummy, встречайте! — «Дандадан». Безумный сюжет; крышесносящий юмор; непревзойденный дуэт главных героев; отличная анимация — все это тут есть. Неоднократно отмечали, что при просмотре данного тайтла у вас не получится заскучать. Именно сеттинг всего аниме совокупно с запоминающимися персонажи позволили занять первое место.

Теперь давайте пройдемся по сиквелам, которые вышли у нас в этом году.

Итак, открывает наш ТОП 10 сиквелов —  «О моём перерождении в слизь 3». Несмотря на то, что оценка и посещаемость немного просели по сравнению со вторым сезоном — аниме все также достаточно популярное и многие ждут выхода объявленного четвертого сезона.

На 9 месте находиться «Тёмный дворецкий: Школа-интернат». Спустя целых семь лет зрителям, наконец-то, показали продолжение. «Тёмный дворецкий» всегда был далеко не самой известной и популярной франшизой среди аниме — однако база фанатов этой истории весьма велика и прочна, что и позволяет не забывать легендарный дуэт Сиэля и Себастьяна.

Чуть повыше в нашем списке расположилась школьная романтическая комедия «Опасность в моём сердце 2» — 8 место. Первый сезон вышел в прошлом году, а в этом сразу второй. Сложно сказать, что-либо плохого или попытаться как-то выделить данный тайтл среди конкурентов — если вы являетесь поклонником простой незамысловатой истории о школьной любви, то этот сериал явно для вас.

Ещё немного выше обосновался для многих культовый тайтл, который начал выходить аж в 2017 году — «Добро пожаловать в класс превосходства 3» — 7 место. Фанаты, скорее всего, в недоумении из-за того, что даже в топ 5 не входит. Однако как мы все знаем: пробиться на саму вершину без наличия магии, фэнтези и экшен эпизодов — дано далеко не каждому, но это ни чуть не делает данную франшизу плохой или не заслуживающей внимания.

Потихоньку начинаем приближается к вершине нашего олимпа, ну а сейчас 6 место — «Блич: Тысячелетняя кровавая война — Конфликт». Комментарии тут, пожалуй, излишне. «Блич» это долгоиграющая франшиза, первый сезон которого начал выходить целых 20 лет назад. Четвертая часть уже была анонсирована.  

5 место — «Лунное путешествие приведёт к новому миру 2». Продолжение также уже было анонсировано. Возможно, не все будут согласны увидев данный сиквел на таком высоком месте — учитывая кто был до этого. Но проработанность главного героя, а также сеттинг всей истории позволили расположиться так высоко. Стоит также добавить, что многие выделяют очень много схожести этого тайтла с франшизой «О моём перерождении в слизь».

4 место — «Богиня благословляет этот прекрасный мир 3» Сложно будет найти человека, который был бы против, что этот тайтл занял четвертое место. «KonoSuba» это, пожалуй, единственный комедийный исэкай, который как никто лучше высмеивает эти самые исэкаи. Даже смена студии ничуть не повредило качеству сюжета.

3 место — «Реинкарнация безработного: История о приключениях в другом мире 2 | Часть 2». История о замкнутом безработном мужчине, которому повезло иссекайнутся, и начать жить новую жизни, попутно излечить свои раны от прошлой жизни — все также держится на достойном уровне.

2 место — «Клинок, рассекающий демонов: Тренировка столпов». «Клинок» уже давно ставшая культовой классикой современного сёнэна. Несмотря на то, что многие недолюбливают данную франшизу — сложно отрицать, что история Танджиро и его младшей сестры в совокупности с непревзойдённой графикой и анимацией — заслуживает внимания.

И наконец первое место в нашем ТОПе сиквелов этого года занимает «Звёздное дитя 2»! Данное аниме вне конкуренции. Более того, это единственный сиквел, который имеет своё место в топ 100 Yummy — 29 место, и сумев превзойти даже первый сезон, который находится на 62 месте.

Вот такой у нас получился ТОП 10 сиквелов этого года.

Дополнительно хочется упомянуть аниме, которые не смогли войти в наши списки, однако и не вспомнить о них мы также не можем.

«Башня Бога 2» — многие с нетерпением ждали продолжения этого полюбившегося тайтла, однако, к сожалению, он не смог оправдать этих ожиданий.

«Аля иногда кокетничает со мной по-русски» — информационный шум вокруг этого сериала стоял не шуточный, по итогу: одни остались довольными после просмотра; а другие ушли разочарованными.

«Я перевоплотился в седьмого принца, так что я буду совершенствовать свою магию, как захочу» — с одной стороны это типичный исэкай, где главный герой самый сильный просто потому, что он самый сильный. С другой же стороны очаровательность главного героя Ллойда мало кого смогла оставить равнодушным.

«Синий экзорцист 3» — продолжение, вышедшее спустя 7 лет, после второго сезона. К сожалению, здесь, смена студий сказалась на качестве всего сезона.

«Моя подруга-олениха Нокотан» — если попытаться как-то кратко охарактеризовать данную историю, то получится: «Кринж кринжом и кринжом накрывает» — возможно из-за этого и не получилось войти в ТОП 10, но ценителям такого явно должно понравится.

«Терминатор Зеро» — история о «киборге убийце» для многих прошла тихо и не заметно — возможно из-за своей посредственности и попытке подражать оригинальной истории.

Напоследок, хочется традиционно также составить ТОП аниме по мета-жанрам.

Топ сёнэн:

1. Дандадан;

2. Кайдзю номер 8 ;

3. Клинок, рассекающий демонов: Тренировка столпов;

4. Богиня благословляет этот прекрасный мир 3;

5. Блич: Тысячелетняя кровавая война — Конфликт;

Топ сэйнэн:

1. Звездное дитя 2

2. Подземелье вкусностей;

3. Басня;

4. Ведьма и чудовище;

5. MF Призрак 2;

Топ сёдзе:

1. Любовь с кончиков пальцев;

2. Я стану злодейкой, которая войдёт в историю: Чем большей злодейкой я стану, тем больше понравлюсь принцу;

3. Тетрадь дружбы Нацумэ 7;

4. Я делаю всё возможное, чтобы чувствовать себя как дома в другом мире;

5. Любовная болезнь Хананои;

Что касается дзёсей, то за год вышло только два аниме: «Нина в королевстве звезд» и «Хаигакура».

Вот и все, впереди нас ждет новый, 2025 год. В котором мы увидим новые, еще не просмотренные аниме, такие как: «Дни Сакамото»; «One Punch-Man 3»; «Монолог Фармацевта 2»; «Лазарь» и «Человек-Бензопила: Резе».

Продолжаем смотреть аниме на YummyAnime!

Студий много, студии бывают разные, хорошие, плохие, именитые и начинающие, но среди всего этого разнообразия - всегда есть кто-то, кто выделяется настолько сильно, что его имя всегда на слуху, причем даже не важно, в теме ли человек, или относительно отстранен и несведущ. Именно это, как мне кажется, и называется емким словом "бренд". Ведь нарисовать логотип, разработать корпоративный шрифт и фирменные цвета - слишком мало для признания. Нужно, чтобы тебя по ним еще и узнавали. А что для этого необходимо? Качественный, популярный и, самое главное - выделяющийся на остальном общем фоне продукт с высоким спросом. Мерседес, Айфон, Майкрософт, Спейс-Х... Если говорить про анимацию - то это, разумеется, Дисней и Пиксар. А уж если спуститься в дебри аниме - то, очевидно Ghibli. И Ghibli, видимо, всё. Не в том смысле, что прекращает деятельность, закрывает офисы и распродает имущество, скорее наоборот, будет расширяться. Но вот то, благодаря чему эта студия стала тем, кем является на сегодняшний момент - уходит. Этот момент длится, конечно, уже продолжительное время, но в конкретно данном случае и времени, к сожалению, обязательно настанет. Либо уже наступил.

Официально Studio Ghibli была основана в 1985 году стараниями трех человек: Судзуки Тосио, Такахаты Исао, ну и, конечно, великим и ужасным Хаяо Миядзаки. При этом случилось это уже постфактум, потому как годом ранее компания презентовала свою первую работу: «Навсикая из Долины Ветров». Интересно, что, отчасти, именно данный полнометражный фильм, по итогу, предопределит всю дальнейшую судьбу студии, равно как и стиль подачи материала. Все дело в том, что изначально он планировался в более привычном для японского зрителя формате: в виде сериала, но волею судеб - внезапно превратился в полный метр. Данное перевоплощение было связано с огромным риском: чаще всего фильм рисовать сложнее и трудозатратней, а значит - дороже. При этом любая ошибка и последующее неприятие аудиторией - может разом поставить крест на итоговых финансовых успехах проекта в целом. Если плохой сериал еще можно протолкнуть через пусть и не самые популярные телеканалы, выпускать и продавать на различных носителях, то здесь все решает кассовый сбор. Второго шанса у картины, скорее всего, не будет никогда, увы.

Конечно, Миядзаки и компания не самоубийцы и не могли позволить себе такую роскошь, как полное создание и продюсирование полнометражного фильма. Для помощи в воплощении их планов и идей - была вызвана компания Topcraft, переживающая в те времена не самые легкие деньки. Их художники, корректоры и аниматоры согласились работать над проектом на полставки, чутко воплощая желания и всевозможные хотелки авторов. Изначально все походило на авантюру, но... «Навсикая» выстрелил. И запустил целый ворох событий, который сделал из Ghibli то, во что она превратится на долгие годы: безоговорочно авторского, самобытного, стильного фаворита японской анимации, постоянно повышающего планку как для себя, так и для других. А Topcraft, по сути создавшая фильм с нуля... Будет упразднена в тот же год, в которых родится Ghibli, ввиду банального банкротства. Смерть рождает жизнь, а жизнь приводит к смерти.

Но до смерти новой студии, набиравшей популярность проект от проекта - на тот момент было еще далеко. Через два года Ghibli выпускает «Небесный замок Лапута», еще через такой же промежуток времени - «Моего соседа Тоторо», который расставил все точки над i, обретя невиданную популярность среди любителей аниме. Хайп фильма зашел настолько далеко, что его главный персонаж, непосредственно Тоторо - стал официальным логотипом студии, используемым и по сей день. Сама же студия получила от «Тоторо» того, к чему изначально стремилась: всемирную известность, финансы на новые проекты и возможность делать исключительно то, что хочет она, а не подстраиваться под то, чего желают другие. Короче говоря - полную независимость и карт-бланш на ошибку. Именно этот фактор, помноженный на мастерство, талант и отношение к деталям и делу - сильно выделяет компанию от сотен и сотен других.

Время шло, но к удивлению фанатов - Ghibli не стремилась выпускать контент пачками, стараясь взять максимум количеством и именем. Фильмы могли простаивать годами, проекты забрасываться, но когда появлялся официальный первый анонс новинки - то зрители не имели представления, о чем он будет, но они точно были уверены в том, что он наверняка будет качественным и запоминающимся. И с каждым новым разом студия не подводила своих поклонников (за редким исключением, а у кого их нет?). Во многом - причиной тому был сам подход и концепция: Хаяо, имея такую репутацию, мог бы зарабатывать баснословные деньги просто адаптируя и экранизируя популярные произведения, но по сей день таких историй набралось лишь... Девять. Включая проект собственного сына. Еще пять вышли из-под пера его коллеги Такахаты. Остальные десять - личная разработка маэстро.

И это говорит о многом. Человек, любивший летать и сходящий с ума по авиации, давший имя студии в честь названия итальянского самолета, переводящегося как "самый жаркий юго восточный ветер" - работал не ради денег. Нет, конечно - деньги важны, но в его случае они никогда не стояли во главе угла, не были определяющим фактором. Миядзаки - редкий пример того, как можно выжить в жестоких жерновах корпораций и конкуренции, оставаясь творцом и художником, не отходя от своих принципов и идеалов, мечтая и рисуя то, о чем грезишь. Недаром первый пункт правил, висящий в головном офисе компании - гласит не о дресс-коде, важности электронного пропуска или здоровом питании. В нем написано самое важное: "Пожалуйста, увольтесь, если у вас нет: собственных идей"... Много ли таких успешных организаторов и директоров вы знаете? Их единицы. И это не только главный козырь Ghibli, но и главная, фатальная, как выяснилось позже -  проблема.

Миядзаки лишь официально пытался пять раз уйти из своего детища, но ни разу - из профессии. В шестой раз такое желание нахлынуло на него после премьеры собственного фильма «Ветер крепчает». Такахата был не на столько решителен, но часто забрасывал собственные проекты по разным причинам. И лишь незаметный Судзуки каждый новый раз не давал студии развалиться окончательно. Сегодня ему 76. Хаяо вернулся и сделал "точно-точно последний" фильм «Как поживаете?», ставший бесспорным хитом с рекордными сборами. Ему 83. Такахата покинул этот бренный мир в апреле 2018, в возрасте 82 лет.

И, как ни парадоксально - это и есть главная проблема Ghibli. Основатели студии давным давно имеют главный вопрос на повестке дня: а что дальше? Можно нанять кого-то с прекрасным резюме и послужным списком, но заменит ли он эту троицу? Интересно ли ему это? Вложит ли он в это дело не только душу, но и всего себя? А если таких нанять 10? 100 человек? А где их взять? Даже если вдруг найти - не превратится ли то, чем грезили в мечтах друзья, превращая в реальность - в банальную машину по выкачиванию денег, производственную линию по штампованию коммерчески успешных тайтлов, вместо работы над своими идеалами? Где найти такого человека, который создавал мультфильм в 3D, а когда посмотрел то, что получилось - выбросил готовый продукт в мусорку и пошел рисовать все от руки? Вопрос дискуссионный и до сих пор открытый.

С её будущим всё ясно. Она развалится. Я это уже вижу. А какой смысл волноваться? Это неизбежно!

2013 год. Слова Х. Миядзаки в документальном фильме «Королевство грёз и безумия»

В какой-то момент - возможным приемником виделся Хиромаса Ёнэбаяси («Ариэтти из страны лилипутов», «Воспоминания о Марни»), но в 2014 он отправился в свободное плавание. Вопрос пытались решить и "по-семейному". Горо Миядзаки, сын маэстро, тоже пробовал себя в анимации и казалось, что лучшего продолжателя дела отца просто не найти, все очевидно. И на первых порах ведь так и выходило: «Сказания Земноморья», следом «Ронья, дочь разбойника» (к слову - первый сериал студии)... Да, не фурор. Не откровение. Но и далеко не катастрофа. Однако в 2020-м постучали со дна: «Ая и ведьма» провалилась с таким треском, что слышно его было на другом конце земного шара. Полный CGI, абсолютно непривычный сюжет, провальные персонажи, странная подача, как итог - заслуженные 4,7 балла на IMDB, учитывая то, что раньше ни один проект Ghibli не опускался ниже "семерки"... Впрочем, Горо и сам все понял, сформировав следующую мысль:

Я очень надеюсь, что моему сыну удастся не повторять ошибки своего отца. Я бы очень хотел, чтобы он смог найти работу, которую будет любить и которая будет приносить ему радость

Г. Миядзаки журналу «Сеанс»

В октябре 2023 - «Nippon Television Holdings» полностью выкупил и поглотил студию Ghibli, сделав ее своим подразделением. Тосио стал председателем, а Хаяо - "почетным председателем". И вот эта формулировка, пожалуй, точнее других говорит о том, что маэстро окончательно отошел от дел. Ну а Судзуки больше не с кем разрешать споры и конфликты. Эпоха неизбежно уходит. То, что Ghibli не пропадет бесследно - очевидно. Во-первых, потому что уж слишком смачный след они уже и так оставили после себя, ну а во-вторых - никто не откажется от обладания таким громким именем. Вот только чем он будет заниматься и как себя позиционировать? Шанс того, что мы когда-нибудь еще увидим то, что видели ранее - стремится к нулю, причем неизбежно. А стать еще одной Mappa, Toei, Madhouse, I.G? Вполне возможно. Вот только тогда Ghibli станет лишь одной из. Этого ли хотел Хаяо? Вряд ли. Впрочем то, чего он хотел - каждый может посмотреть на экране. И, думаю, не нужно требовать от человека невозможного.

Я же, хоть и не являюсь его фанатом, вот вообще, а фильмы его режиссуры и постановки мне и вовсе чужды, но... Было бы абсолютным кощунством не сказать: спасибо, маэстро!

Источник: сайт YummyAnime

Kyoto Animation, одна из ведущих анимационных студий Японии, основанная в 1981 Хидэаки Хатта, а также его женой Ёко. Имя компании повсеместно известно не только у себя на родине, но и далеко за ее пределами, потому что любой человек, который хотя бы мало-мальски причастен к теме аниме - наверняка видел и знает творения данных ребят. Из-под их пера вышли такие бесспорные бестселлеры, как: «Вайолет Эвергарден», «Форма голоса», «Кэйон!», «Кланнад», «Играй, эуфониум!», «Меланхолия Харухи Судзумии» и многие, многие другие. Студия каждый год бралась за все новые и новые работы, превращая некоторые из них в несомненные шедевры, репутация и известность росла, но приятный, успешный и размеренный ход истории изменился ровно 5 лет назад, 18 июля 2019 года.

Если сегодня вы наберете в поисковике, например: "самый страшный теракт в Японии" - ответом станет широко известная "зариновая атака" Аум Синрике в токийском метрополитене, произошедшая 20 марта 1995. В тот день пострадало свыше 6000 человек, 13 погибли. И лишь на второй или третьей странице с результатами запроса - промелькнет некая информация о пожаре в офисном здании по адресу: 15-1 Инаба, Момояма-тё, Фусими, Киото. Именно это здание принадлежало известной студии анимации Kyoto Animation.

Набирая авторитетность и вес - KyoAni искала новые пути и неизведанные варианты для того, чтобы находить талантливых авторов "с улицы", а так как кадровый рынок Японии в сфере анимации достаточно перегрет - приходилось ухищряться ради рекрутинга и поиска неограненных алмазов. Так появился ежегодный конкурс, проводимый студией с 2009 года: KAA (Kyoto Animation Awards). Мероприятие имело высокую популярность, ведь абсолютно любой желающий мог послать на суд жюри свою работу и надеяться, что его мечта стать известным, узнаваемым и богатым - сбудется, его труды заметят и воздадут по заслугам. К слову - именно так на свет и появился «Вайолет Эвергарден», ранобэ которого одержал победу в KAA в 2014 году. А тысячи работ других авторов - были отвергнуты с лаконичным: мы вам перезвоним. Среди этих авторов был и некий Синдзи Аоба, который спустя время еще вернется в студию. Но несколько в другом качестве и с совсем другими целями.

18 июля 2019 года. Утро. Сонные и невыспавшиеся работники бредут по своим делам, толпятся на станциях метрополитена, давятся в переполненных вагонах. В это же время начинался очередной рабочий день в Kyoto Animation. Ничем не примечательное трехэтажное здание открывало свои двери для сценаристов, аниматоров, художников, работавших в одной из самой известной анимационной компании Японии. Работа была в самом разгаре, время подкрадывалось к обеду, однако точка невозврата была пройдена. У дверей офиса появился тот самый Синдзи, грезивший стать творцом, но получивший отказ.

Приблизительно в 10:30 по местному времени - он вошел в здание. При себе Аоба имел канистры с бензином объемом свыше 40 литров, а также заготовленные ножи для "плана Б". Первые работники, встретившие Синдзи - не успели разглядеть в нем одного из незадачливых конкурсантов, потому как были облиты горючей жидкостью и подожжены. Эти 2 человека - те немногие, которые сумели покинуть злополучное здание, хоть и были объяты пламенем.

С криками “сдохните, вы все сдохните!” - Синдзи приступил к исполнению своих задумок, которые неоднократно прокручивал в голове, методично разливая бензин и отрезая пути к выходу. Начавшийся переполох среди работников был прерван мощным взрывом, разрушившим главный вход. Так вышло, потому что террорист слегка перестарался, из-за чего в процессе скопилось слишком много летучих паров, которые и сдетонировали. Начался сильный пожар, который распространялся с неимоверной скоростью, а дым, появившийся вследствие возгорания - заполнил все этажи в рекордные 30-60 секунд. Люди не понимали, что делать и куда бежать, началась форменная паника. Синдзи же, несмотря на ранения - удалось покинуть место преступления и сбежать.

Молниеносно распространяющийся огонь свел на нет все усилия спасателей, которые хоть и максимально оперативно прибыли на место происшествия, но спасти большинство людей были не в силах. Полностью локализовать возгорание удалось лишь спустя 5 часов, а после этого - пришло понимание, что масштаб трагедии куда значительней, чем он мог показаться на первый взгляд. Лишь на одной лестнице, ведущей на крышу - было найдено 19 обгоревших до неузнаваемости тел. Эти люди пытались переждать ужас на кровле здания, однако дверь оказалась заперта, а злополучная лестница, которая могла вести к спасению - сработала как адская воронка, лишь еще больше затягивая в себя дым и пламя, щедро подпитывая его сквозняком.

В офисе на момент трагедии находилось 70 человек. Из них погибло 33. Еще 3 человека скончались в больнице от полученных ран, доведя количество жертв до цифры 36. Ранено было 33. Многие из них - тяжело. Среди жертв находились цветодизайнер Наоми Исида, режиссеры анимации Ёсидзи Кигами и Футоси Ниси, режиссер-постановщик Ясухиро Такэмото («Lucky Star», «Hyouka», «Дракорничная госпожи Кобаяси», «Исчезновение Харухи Судзумии»). В пожаре так же пострадали такие известные люди, как Наоко Ямада («K-On!», «Форма голоса»),Тацуя Исихара («Меланхолия Харухи Судзумии», «Kanon», «Clannad») и Таити Исидатэ («Beyond the Boundary» и «Вайолет Эвергарден»).

И теперь самое время вернуться к Kyoto Animation Awards, в котором Синдзи Аоба участвовал, выслав на суд свою рукопись. Мотивом к совершению преступления послужил именно данный фестиваль, а вернее то, что последовало немного позже. В сериале «Клуб стрельбы из лука» была сцена, где герои выбирают продукты в магазине с подходящим к концу сроком годности. Нечто подобное было и в "романе" Синдзи, из-за чего он решил, что его идею нагло и вероломно украли, а он - непризнанный гений, в связи с чем было решено жестоко поквитаться с собственными, как ему казалось, обидчиками. Помимо всего перечисленного - 41-летний Синдзи страдал психическими расстройствами, вел жизнь типичного хикикомори, не ладил с родственниками, был судим ранее за кражу и нападение, а впоследствии - еще и выгнан из дома, где проживал. Терять ему было уже решительно нечего. Президент Kyoto Animation Хидэаки Хатта рассказывал, что на протяжении длительного времени - в студию поступали угрозы расправы, а последней записью террориста в соцсети было: "Смогу ли я появиться в новостях?"

Несмотря на то, что Синдзи смог скрыться после поджога, далеко уйти ему не удалось. Сказались тяжелые ранения и ожоги, полученные во время взрыва. Во время задержания он потерял сознание и врачи боролись за его жизнь лишь для того, чтобы в последующем ему вынесли смертный приговор, решение о котором вступило в силу 25 января 2024 года. Сейчас Аоба с нетерпением ожидает его приведения в действие. На суде он полностью признал свою вину.

Мы все привыкли к тому, что японцы - крайне пунктуальные и исполнительные люди, некие перфекционисты, строго живущие по правилам. К сожалению, данный случай разрушает этот миф. Во время следствия выяснились вопиющие факты, которые, по большому счету, и привели к такому фатальному исходу.

1. В офисе студии не было ни охраны, ни пропускной системы. Вернее она предполагалась и должна была быть, но увы. Даже вместо обязательных магнитных карточек на парадном входе, по которым сотрудники должны были попасть к рабочему месту - дверь оказалась открыта для всех желающих;

2. Запасных выходов не было. Во всяком случае я не смог найти какой-то достоверной информации об ином. Единственным спасением была крыша, но как это обычно бывает - она оказалась закрыта от тех, кому там бывать не положено;

3. Бюрократия. Системы пожаротушения должны устанавливаться в каждом офисном здании. Вот только незадача оказалась в том, что строение было оформлено не как офисное, а как пристройка, в которой, соответственно, и никаких систем ставить не обязательно;

4. Пожарные инспекции есть не только у нас, но и в Японии. И она проводилась, причем незадолго до инцидента, но... Но не выявила никаких нарушений. Видимо студия, где трудились люди с утра до ночи - и правда очень похожа на некую пристройку или склад.

Результат ошибок - на фотографиях.

Невзирая на то, что штаб-квартира студии находилась в Удзи - подразделение в Киото считалось главным генератором идей и вдохновений, в котором находился весь основной творческий персонал студии, талантливые и буквально незаменимые сотрудники. KyoAni понесли невосполнимые утраты и в какой-то момент будущее компании было и вовсе под вопросом. Однако всесторонняя поддержка коллег, правительства, да и простых людей, которые мгновенно объединились и предлагали всевозможную помощь - помогла преодолеть это страшное происшествие. Люди в едином порыве собирали средства для помощи пострадавшим (в короткое время было пожертвовано более 22 млн.$) и проявляли невероятную солидарность, искренность и сплоченность. Возможно, что именно благодаря такому общественному единению - Kyoto Animation продолжила жить, но незарастающая рана так и останется кровоточащей еще очень долгое время.

Пожар унес жизни не только людей, но и забрал с собой бесценные архивы с иллюстрациями. Чудом уцелел сервер, на котором хранились терабайты оцифрованной информации. Здание выгорело полностью и не подлежало восстановлению, вследствие чего было полностью демонтировано 28 апреля 2020. На месте пожара планировалось возвести мемориальный парк и памятник, однако местные жители были против данной инициативы из-за того, что место стало бы точкой притяжения большого количества людей, что могло негативно повлиять на размеренную и спокойную жизнь спального района, в котором оно находилось, потому попросило руководство студии этого не делать. На данный момент по адресу 15-1 Инаба расположена общественная парковка.

После поджога - Kyoto Animation отказались от проведения ежегодного конкурса KAA, дабы избежать подобных инцидентов. Заправочные станции страны были обязаны вести строгий учет всех тех, кто покупал топливо в многоразовых тарах. Многие сотрудники, выжившие в пожаре - вернулись к своим обязанностям после продолжительного отпуска, оправившись от пережитого стресса, но некоторые так и не смогли побороть страх и психологическую травму. Другие не могут вернуться к обычной жизни из-за полученных травм и вынуждены годами проходить лечение и реабилитацию.

Студия с честью справилась с проблемами и не опускала рук. В связи с инцидентом - некоторые работы, находящиеся в процессе создания - сдвинулись по срокам, но были успешно закончены. Среди таких работ был и сериал «Пламенная бригада пожарных», что выглядело несколько иронично и зловеще. Однако претерпев некоторые изменения в определенных сценах - выпуск продолжился по графику.

Сегодня, к пятой годовщине трагедии, KyoAni оправилась от потрясений и продолжает считаться одной из ведущих анимационных студий страны и мира. Пожелаем ей успехов, а главное - чтобы ничего подобного не происходило впредь. Не только с ними, а вообще ни с кем.

Источник: сайт YummyAnime