Помните рекламу “Не все йогурты одинаково полезны”?
Вот с некоторыми устоявшимися стереотипами и полезными советами по фотографии дело обстоит ровно также! Т.е. с одной сторону вроде всё по делу и благодаря им, особенно у новичков, появляются определенные навыки и знания, а с другой стороны, ввиду своей однобокости, ограничивается творческая свобода фотографа и его способность экспериментировать.
Например, то же правило третей и золотое сечение!
Нас же, как учат, что если располагать важные части композиции на пересечении линий или вдоль них, то таким образом мы можем повлиять на внимание зрителя, и вести его взгляд по заранее продуманному пути.
А вот, нифига! Не работает это! В смысле, не сами правила (это всё-таки математика гармонии), а то влияние на зрителя, которое им приписывают.
Даже эксперимент проводили в Стэнфордском университете, в котором использовали технологию слежения за взглядом Eye control, которая отслеживала прыжки и фиксации глаз респондентов во время просмотра изображения, после чего поверх накладывала своеобразную карту перемещения.
Так вот, оказалось, что ни по каким линиям взгляд не движется. Чаще всего взгляд входит сверху где-то в середине изображения, и начинает скакать по всему полотну в поисках того, что интересно зрителю - в первую очередь это всегда оказывались физиономии (человеческие, животные, не важно), потом фигуры, а уже потом второстепенные детали. Причем угол зрения постоянно меняется, пытаясь охватить всю картину разом и разглядеть центры интереса.
Т.е. расположение объекта на линиях правила третей или золотого сечения никакого дополнительного внимания ему не добавляло. В первую очередь, львиную долю интереса всегда получали лица, где бы те не находились.
Поэтому, друзья мои, чтобы сохранить гармонию и тщательно продумывать композицию в кадре “третями”, “золотым сечением” или какими другими правилами композиции пользоваться можно, даже нужно, а вот зацикливаться на них - нет.
Если вы видите интересный кадр, но он ни под одну табулированную схему не вписывается - да и Бог с ним - если кадр цепляет, зрителю всё равно по каким правилам он был снят!
Культ полного кадра в ту же копилку!
До сих пор же крепко мнение, судя по неизменно появляющимся комментариям под каждым дайджестом или роликом, в котором фигурируют кропнутые тушки, что камеры с большей матрицей сами по себе производят какие-то невероятные фотографии, а всё, что меньше 35mm - всего лишь игрушки.
Опять же, чтоб в очередной раз не открывать ящик Пандоры под названием “Кроп против полного кадра”, апеллирую к эксперименту, который лет пять назад проводил забугорный фотограф Ли Моррисон.
Он снял четыре портрета своего товарища на Fujifilm GFX 50S (средний формат), Canon 6D (полный кадр), Fujifilm X-T3 (кроп 1.5) и Panasonic GH5 (4/3) при одних и тех же условиях, на эквивалентные фокусные, но на разные диафрагмы, чтобы ради чистоты эксперимента нивелировать глубину резкости, и выложил все четыре портрета на открытое голосование, мол “Что на что снято?”.
Так вот, никто не смог сопоставить все четыре снимка с камерами, на которые те были сняты. Никто! А голосовали тысячи!
Разумеется, сразу нашлись критики, мол “…надо было снимать портреты на полностью открытой диафрагме, учитывать динамический диапазон, глубину цвета, разрешение, тогда бы все сразу отделили “зерна от плевел” по разной глубине резкости!”, вот только причем тут матрицы? Получается дело-то в объективах, ведь на самих матрицах никаких диафрагм нет.
Т.е. тест не о том, что кроп “нагибает” полный кадр или наоборот, а о том, что сами по себе матрицы не снимают потрясающие фотографии, их снимают фотографы, используя подходящие под задачу объективы и рабочие настройки фотоаппарата.
Привычка снимать исключительно в RAW тоже имеет темную сторону!
С одной стороны, оставляет фотографу места для маневра и дает второй шанс исправить почти все коски, по незнанию или невнимательности допущенные на съемке. С другой стороны - сильно расхолаживает, позволяя не попадать в экспозицию, не обращать внимание на чистоту цвета, включать в кадр визуальный мусор, не следить за деталями в образе модели, и, в принципе, недостаточно внимательно относиться к снимаемой сцене!
Зачем? “На посте всё поправлю!”
И вот, такой подход, как по мне, максимально странный, потому, как, во-первых, добровольно менять несколько секунд, за которые можно привести сцену в порядок, на часы ретуши за компом, максимально неразумно. А во-вторых, как ретушер вы развиваетесь, а как фотограф - нет.
Если такой план и был, то ради Бога, а если нет - то противоречие на лицо!
Раз уж дошли до ретуши, то нет более тупикового варианта учиться обработке, чем скачивать всевозможные пресеты из сети, или, прости Господи, покупать их у, пусть даже, очень уважаемого фотографа, и не вдаваясь в подробности настроек, бездумно примерять их на свои собственные фотографии.
Уж сколько мы фишек по обработке рассказали, сколько обучающих видео выпустили, сколько предостерегающий постов запостили - народ, как покупал чужие пресеты, так и покупает, а те, в свою очередь, как не ложились на чужие фотки, так и не ложатся!
А знаете почему?
Даже если забыть, что большинство тех, кто гоняется за пресетами и однокнопочной обработкой снимают совсем не так, как те фотографы, за цветом которых они охотятся (отсюда и закономерное несоответствие), пресет всегда работает в паре с профилем (графа Profile в редакторах Adobe), который можно выбрать из вшитых по умолчанию, либо состряпать самому, абсолютно индивидуально, накрутив такое, что никто обратно не раскрутит. И вот под него уже создать лайтрумовский пресет.
Для обладателей наглядно-образного мышления, попробуйте прокатиться на велосипеде без одного колеса. Тоже “шляпа” получится.
И вот все эти пресеты гуляют по интернету, с торрента на торрент, от Lightroom’а к Lightroom’у, и ни у кого, кроме автора нормально не ложатся, просто потому, что только у него есть единственно верный профиль, который он по несчастливой случайности забыл приложить к пресету во время его продажи/распространения.
Поэтом, самый правильный путь к собственному цвету и узнаваемому стилю - разобраться, наконец, в вопросе, сделать свой профиль и пресет, и перестать пользоваться чужими.
Да сложно, но результат того стоит!
Этот список можно продолжать до бесконечности - там и:
- несостоятельность покупки одной объемной флешки, вместо парочки емкостью поскромнее, по которой я уже проехался в прошлом посте про выбор SD-шек,
- и чрезмерное “вытягивание” теней, с целью увеличить количество деталей на снимке, моментально приводящее любой кадр в максимально невзрачный вид ввиду потерявшегося объёма и локального увеличения шумов,
- и использование только какого-то одного типа освещения для узнаваемости стиля и получения привычного результата, автоматически ставившее фотографа в зависимость от условий по свету на площадке или наличия того или иного оборудования.
Главное помнить, что ко всем советам и устоявшимся стереотипам, особенно в фотографии, во-первых, стоит относиться со здоровой долей скептицизма, а во-вторых, использовать их именно, как руководство к действию, благодаря которому можно поэкспериментировать, а не как жесткое правило, которое нельзя нарушать!
