Компрессор — это ключевой инструмент в звукорежиссуре, который используется для контроля динамического диапазона звука. Существует множество типов компрессоров, каждый из которых основан на разных схемах и принципах работы. Эти устройства могут сильно различаться по способу обработки сигнала, что позволяет звукорежиссёрам выбирать наиболее подходящий компрессор в зависимости от конкретной задачи. Разные схемы компрессоров обеспечивают разные звучания и характеристики обработки, что даёт широкий выбор инструментов для работы с аудио.

Когда компрессор применяется к аудиотреку, его задача — уменьшить уровень громких звуков и при этом сделать тихие участки более слышимыми, не искажая при этом естественный характер звука. Это особенно важно в профессиональной звукозаписи и микшировании, где контроль над динамикой звука имеет ключевое значение. Компрессор не только улучшает звучание, но и помогает избежать неприятных резких скачков громкости, которые могут отвлекать слушателя.

Существует несколько типов компрессоров, каждый из которых обладает уникальными характеристиками и особенностями работы. Среди них можно выделить оптические, вари-му, FET и VCA компрессоры. Каждый из этих видов подходит для определённых задач, и важно понимать, в каких ситуациях их использовать.

Оптические компрессоры известны своей мягкостью и плавностью работы. Они используют световые датчики для обработки сигнала, что даёт эффект нежного и естественного сжатия звука. Такой компрессор часто применяется для вокала, баса и гитар, где важна сохранность природного звучания. Ярким примером оптического компрессора является LA-2A, который используется многими звукорежиссёрами по всему миру. В цифровом мире аналогичные компрессоры можно найти в плагинах, например, CLA-2A от Waves или T-RackS Opto Compressor.

Вари-му компрессоры представляют собой устройства, которые работают через вакуумные лампы, что придаёт звуку характерное тепло и насыщенность. Этот тип компрессора отлично подходит для обработки баса, гитар и даже для мастеринга, когда нужно добавить звучанию «ламповую» гармонику и плотность. Fairchild 670 является классическим представителем вари-му компрессоров, а среди плагинов аналогами можно назвать PuigChild 670 от Waves или T-RackS Fairchild 670.

FET-компрессоры имеют более агрессивный и быстрый отклик, что делает их идеальными для обработки ударных инструментов или вокала, где требуется чёткость и выразительность. Эти компрессоры работают на основе полевых транзисторов, что даёт их звуку характерную жёсткость, но при этом они остаются музыкальными и выразительными. Одним из самых известных FET-компрессоров является 1176, а в плагиновой форме можно встретить CLA-76 от Waves или Black 1176 от IK Multimedia.

VCA-компрессоры, в свою очередь, отличаются точностью и универсальностью. Они используют усилители с регулируемым напряжением, что позволяет точно контролировать динамику без добавления заметного окраса в звук. Это делает VCA-компрессоры отличными для использования в различных жанрах и для обработки таких инструментов, как ударные или бас. Примером такого компрессора является SSL G-Comp, а среди плагинов — SSL G-Master Buss Compressor от Waves или Cytomic The Glue.

Каждый тип компрессора имеет свои сильные и слабые стороны, и выбор между ними зависит от того, какой результат хочется получить. Оптические компрессоры идеально подходят для мягкой и натуральной обработки вокала и инструментов, в то время как вари-му добавляют богатство и насыщенность. FET-компрессоры предлагают агрессивность и чёткость для ударных и вокала, а VCA-компрессоры — это универсальный инструмент для точного контроля динамики в различных ситуациях. Важно понимать, что компрессор — это не магическое средство, а инструмент, который нужно использовать осознанно, с учётом особенностей записи и музыкальной задачи.

Кроме основных типов компрессоров, о которых уже говорилось, существует множество более специфических вариантов, каждый из которых предназначен для решения определённых задач. Например, существует компрессор с ограничителем (limiter), который является более «жёсткой» версией обычного компрессора. Он используется для предотвращения пиков громкости, которые могут привести к искажению звука или даже повреждению оборудования. Такие устройства часто применяются при мастеринге, где важно контролировать максимальный уровень громкости.

Ещё одним интересным типом является мульти-бэнд компрессор. Это устройство позволяет обрабатывать разные частотные диапазоны сигнала отдельно друг от друга. Например, можно усилить бас, не затрагивая средние и высокие частоты. Это даёт большую гибкость в микшировании и обработке звука, особенно если нужно точно настроить каждую часть спектра.

Также существуют компрессоры с характеристиками «софистикейтед» (или сложных схем), которые комбинируют несколько принципов работы. Например, некоторые модели используют комбинацию FET и VCA схем для более гибкого подхода к динамическому сжатию. Эти компрессоры могут быть полезны в самых разнообразных ситуациях, где требуется точный контроль, но при этом не хочется терять музыкальность звука.

Таким образом, в мире компрессоров существует целая палитра вариантов, которые могут использоваться в зависимости от жанра, задачи и предпочтений звукорежиссёра. Каждый тип компрессора — это не просто инструмент, а часть звукового квеста, который помогает создать уникальное звучание.

Компрессия – это один из тех инструментов, который в музыкальном продакшене окружён ореолом таинственности. Всем, начинающим изучать сведение и мастеринг, кажется, что компрессоры — это магия, скрытая за кучей ручек и непонятных параметров. Со временем все понимают, что это не магия, а мощный инструмент, который при правильном подходе может сделать звук плотным, управляемым и профессиональным. Сегодня я расскажу, что такое компрессия, зачем она нужна и как её использовать, чтобы треки звучали лучше.

Давайте начнём с самого простого — с определения. Компрессия — это способ управления динамикой звука. Если объяснять совсем по-простому, то динамика — это разница между самыми тихими и самыми громкими звуками. Представьте, что у вас есть вокальная партия, где артист то тихо шепчет, то буквально кричит. Без компрессии такие перепады громкости могут мешать слушателю, особенно в миксе с остальными инструментами. Компрессор помогает сделать громкие звуки чуть тише, а тихие — более заметными, выравнивая общий баланс.

Зачем же это нужно? Музыка, особенно электронная, часто полагается на плотный и равномерный звук. Если бы вы включили современный танцевальный трек и услышали, как бас вдруг "проваливается" или вокал становится слишком резким, вы бы сразу почувствовали дискомфорт. Компрессия помогает избежать таких ситуаций, позволяя каждому элементу микса звучать на своём месте. Это как причесать волосы перед важной встречей — компрессия делает звучание аккуратным, но при этом живым.

Теперь перейдём к тому, как это работает. Когда вы подключаете компрессор к звуковой дорожке, он начинает следить за громкостью сигнала. Если громкость поднимается выше определённого уровня (этот уровень называется порогом или threshold), компрессор уменьшает её. Но не резко, а плавно, в зависимости от того, как настроен параметр ratio (коэффициент сжатия). Например, если ratio установлено на 2:1, то всё, что выше порога, будет уменьшаться вдвое. Таким образом, громкие звуки становятся тише, а общая громкость дорожки становится более стабильной.

Когда я использую компрессию при сведении, я стараюсь не думать о технических параметрах как о правилах. Каждый трек уникален, и то, что хорошо работает для одного баса или вокала, может совершенно не подойти для другого. Например, когда я работаю с ударными, я хочу сохранить их "ударность" — чтобы они звучали энергично и агрессивно. В этом случае компрессия помогает подчеркнуть атаку звука, то есть самый начальный пик удара. Это делает ударные более яркими и выразительными, не позволяя им затеряться в общем миксе.

С басом компрессия работает немного по-другому. Здесь важно добиться плотности и стабильности, чтобы низкие частоты звучали равномерно. Но есть нюанс: если перестараться, бас может потерять свою естественность. Поэтому я часто использую компрессор с длинным временем атаки, чтобы сохранить динамическую живость.

При мастеринге компрессия становится ещё более деликатным процессом. Здесь я всегда держу в голове, что мастеринг — это не столько исправление ошибок, сколько финальная полировка. На этом этапе компрессор помогает не отдельным элементам, а всему миксу в целом. Например, если трек звучит слишком разрозненно, компрессия способна "связать" все элементы воедино, создавая ощущение, что музыка звучит как единое целое. Это особенно важно для электронной музыки, где часто используются синтетические звуки, которые могут звучать слишком "стерильно" без обработки.

Однако компрессия — это не только про контроль громкости. Её можно использовать и творчески. Один из моих любимых приёмов — это так называемая "параллельная компрессия". Суть в том, что я дублирую дорожку, сильно компрессирую копию и затем смешиваю её с оригиналом. Это позволяет сохранить натуральность оригинального звука, добавляя к нему плотность и мощь. Такой подход хорошо работает с ударными, вокалом и даже синтезаторами.

Когда я только начал экспериментировать с компрессией, я часто делал одну и ту же ошибку — пытался сжать всё и сразу. Это приводило к тому, что микс терял динамику, становился скучным и перегруженным. Со временем я понял, что компрессия — это не волшебная палочка, а инструмент, который нужно использовать осознанно. Иногда лучше оставить звук нетронутым, чем пытаться исправить то, что уже звучит хорошо.

Ещё один важный момент — это визуализация. Когда вы только начинаете работать с компрессором, полезно следить за графиком или индикаторами, которые показывают, как изменяется сигнал. Но не забывайте доверять ушам. Иногда компрессор может казаться идеальным на экране, но звучать неестественно. В таких случаях я всегда ориентируюсь на слух, а не на показания приборов.

Компрессия — это искусство баланса. Она может быть незаметной, почти невидимой для слушателя, но её влияние на общий звук невозможно переоценить. Это как специи в блюде: вы не видите их, но чувствуете вкус. Если использовать компрессию с умом, вы сможете поднять свои треки на совершенно новый уровень. И самое главное — не бойтесь экспериментировать. Каждый звук и каждый трек уникальны, и компрессия — это ваш инструмент для создания чего-то особенного.

Когда я впервые наткнулся на Frontier от D16 Group, я честно признаться, не ожидал от него ничего особенного. Бесплатные плагины — это, как правило, либо урезанные версии платных инструментов, либо какие-то базовые решения, которые добавляют минимум функционала. Frontier же оказался настоящей находкой, особенно для тех, кто ищет простой, но мощный лимитер. Сегодня я хочу рассказать, почему этот плагин заслуживает внимания и почему он стал моим незаменимым инструментом в работе.

Для начала — что такое лимитер? Если коротко, это инструмент, который позволяет контролировать пиковые уровни звука, чтобы не было клиппинга, то есть искажения сигнала из-за превышения допустимого уровня громкости. По сути, лимитер – это ваш защитник, который гарантирует, что микс будет звучать чисто и безопасно даже в самых громких моментах. Но Frontier — это не просто «стандартный» лимитер. Он предлагает больше, чем вы могли бы ожидать от бесплатного VST.

Первое, что меня подкупило, — это его интерфейс. Простота и ясность. Открываешь Frontier, и перед тобой чистый, интуитивный дизайн. Здесь нет нагромождения кнопок, графиков или сложных схем, которые часто сбивают с толку, особенно если ты новичок. Есть несколько ключевых элементов управления, и все они понятны с первого взгляда. Большое центральное колесо отвечает за Threshold, то есть уровень, после которого начинается ограничение сигнала. Этот регулятор сделан крупным, чтобы его было удобно настроить на лету. Чуть ниже находятся параметры Makeup Gain и Release, которые дают возможность подогнать громкость после лимитирования и настроить время восстановления.

Release, кстати, — это одна из тех деталей, которые сразу показывают профессионализм разработки. Параметр определяет, как быстро лимитер возвращается в «нормальный» режим после обработки громкого пика. В Frontier это работает очень плавно. Можно сделать звук плотным и агрессивным, если выставить короткий Release, или же оставить его естественным, добавив больше времени. Именно такая гибкость делает этот плагин подходящим для самых разных задач.

Кроме того, у Frontier есть автоматический режим. Это отдельный кайф, потому что далеко не все лимитеры предлагают такую опцию, особенно бесплатные. Если ты не хочешь тратить время на точную настройку Release, просто включаешь Auto и получаешь отличный результат без лишней мороки. Я не раз замечал, как Frontier сам подбирает идеальное значение, и микс сразу звучит гармонично.

Одной из главных особенностей Frontier я бы назвал его мягкость в обработке сигнала. Он делает своё дело так аккуратно, что даже при сильном ограничении не возникает ощущения «запертого» звука. Это особенно важно, если работаешь с вокалом, акустическими инструментами или оркестровыми дорожками, где нужно сохранить динамику, но при этом не дать миксу «вылезти» за рамки. Frontier как будто чувствует, когда нужно быть строгим, а когда оставить звуку чуть больше свободы.

Что касается плюсов, первым делом хочется отметить, что Frontier бесплатен. И это не какая-то условная бесплатность, как бывает с пробными версиями. Нет, это полноценный плагин без ограничений по времени или функционалу. Он доступен для скачивания с сайта D16 Group, и всё, что от вас требуется, — зарегистрироваться. В мире, где качественные лимитеры порой стоят десятки, если не сотни долларов, такая щедрость выглядит почти невероятной.

Я часто использую Frontier в своих проектах, особенно когда работаю над мастерингом или живыми записями. Бывает, ты сидишь с миксом и понимаешь: что-то не так. Всё звучит вроде хорошо, но какая-то громкая партия или внезапный удар баса выбивается из общей картины. В таких ситуациях Frontier — просто спасение. Закинул его на мастер-шину или отдельный трек, настроил Threshold и Release, и всё становится на свои места.

Помимо удобства и мягкости звучания, я бы отметил, что Frontier практически не нагружает процессор. Это позволяет использовать его даже на слабых компьютерах. Иногда в больших проектах ты сталкиваешься с тем, что ресурсы системы заканчиваются, и приходится искать компромиссы. Но Frontier никогда не становился для меня этой проблемой. Он работает стабильно и надёжно, как часовой механизм.

Мне также нравится, как Frontier интегрируется в микс. Бывает, что лимитеры добавляют какой-то свой характер звуку, который не всегда уместен. Здесь же я не ощущаю никаких лишних артефактов. Звук остаётся таким, каким он был задуман, только более сбалансированным и профессионально обработанным. Если вы хотите подчеркнуть определённый характер микса, можно настроить Makeup Gain, и это работает великолепно.

Конечно, Frontier — это не универсальное решение для всех ситуаций. Например, если вы ищете что-то с огромным количеством настроек или продвинутыми графическими визуализациями, то вам, возможно, стоит посмотреть на платные альтернативы. Но для повседневных задач, будь то миксинг, мастеринг или простая обработка отдельных треков, он справляется просто на ура.

Я рекомендую этот плагин всем, от начинающих до опытных звукорежиссёров. Если вы ищете что-то простое, надёжное и бесплатное, Frontier от D16 Group — это то, что вам нужно. Это один из тех инструментов, который действительно доказывает, что качественная обработка звука может быть доступной для каждого.

Часто задают этот вопрос в личку и в архиве. Разбираемся, что делать раз и навсегда в этом посте.

ПРИЧИНА ТРЯСКИ 💣

• Слабое железо

Если процессор с хотя бы 4 ядрами, то это НЕ ПРИЧИНА. Чаще всего виноваты настройки и неумение оптимизировать проект.

• Малый размер буфера

Проц не успевает обрабатывать сигнал вовремя.

• 100 и одна БЕСПОЛЕЗНАЯ обработка

Ты НЕ УМЕЕШЬ пользоваться плагинами. Твою цепочку плагинов можно заменить двумя.

• Отсутствие оптимизации

Неправильный драйвер, версии плагинов. Не рендеришь дорожки.

КАК БЫТЬ? 🤯

1. Настройте DAW

• УВЕЛИЧИВАЕМ размер буфера. Options > Audio > SHOW ASIO Panel

• Врубаем Triple Buffer в Options > Audio

• Ставь галки в Options > Audio > CPU:

✅ Multithreaded generator processing

✅ Multithreaded mixer processing

✅ Smart disable

• Юзаем 44.1 кГц.

ТЕБЕ НЕ НУЖНЫ 48 кГц, если саунд не для ТВ-проекта. Разница в качестве НУЛЕВАЯ, ресурсов тратим больше. 🔥— если хочешь пост про частоту дискретизации

2. Оптимизация проекта

• Используйте Tools > Macros > Switch Smart Disable for All Plugins.

• Закрывайте окна плагинов с помощью F12

• Удаляем неиспользуемые дороги в проекте — Tools > Macros > Purge unused audio clips.

3. Замораживайте треки

В Ableton используйте Freeze, в FL Studio рендерьте треки с эффектами: ПКМ по дорожке — Consolidate this track. При сведении снимай галочку с Enable Master Effects.

4. Используйте VST3, а не VST2

VST3 не нагружает процессор, когда не используется. VST2 грузит ВСЕГДА. VST2 юзаем, когда плагин не имеет версии VST3.

5. Секретный соус

• Выключайте фоновые программы: Steam, Discord, браузеры.

• Если у вас меньше 16 ГБ оперативки, то увеличьте размер файла подкачки (не менее 20 ГБ). В инете есть инфа, делается за минуту

• Обнови драйверы на ПК

• Выкинь НА ПОМОЙКУ и никогда не устанавливай ASIO4All. Если ты без аудиокарты — используй FL Studio Asio, я даже со звуковухой использую её. Или драйвер звуковухи.

Мифы 😕

«Аудиокарта решает»

Нет. Большинство аудиокарт — это ЦАП и усилок для ушей и мониторов. Если у вас не топовый Apollo Twin, главная нагрузка ляжет на процессор.

«Много плагинов = крутой сведос»

Не знаю, кто тебе повешал такую лапшу, снимай и выбрасывай. Подбор сэмплов (https://t.me/wonderloveyou/234), баланс громкости и МИНИМУМ плагинов — базовый набор грамотного звукаря.

«У меня просто слабый комп»

Даже зверь с i9 и 64 ГБ оперативы не спасёт твою жёпу, если ты не умеешь грамотно оптимизировать проект и использовать плагины. Это база работы с DAW.

Заключение

Проблема треска чаще всего в настройках и управлении проектом, а не в железе. Оптимизируйте DAW, используйте меньше плагинов, переходите на VST3, замораживайте треки — и никаких лагов!

Давай так: если помогло, то поставь плюсик. Ваши лайки, подписки и комментарии -- единственная поддержка автору.

Мой канал о создании и продвижении музыки -- Wonderlove
Сообщество музыкантов -- Архив

Цифровые аудиостанции, или как их чаще называют в музыкальной среде — DAW (Digital Audio Workstation), стали не просто рабочим инструментом профессиональных музыкантов, но и мощным средством для обучения. Если раньше музыкальная грамотность ассоциировалась исключительно с нотной тетрадью, сольфеджио и долгими часами у инструмента, то сегодня технологии добавили в процесс обучения совсем другую грань — интерактивность и творчество без границ.

Представьте себе: вы учитесь играть на пианино или гитаре. Сразу возникает вопрос — где взять ноты, как записать свои идеи, как понять, что ты делаешь правильно? Вот тут-то цифровая аудиостанция приходит на помощь. Она становится не просто инструментом записи, но настоящей аудиолабораторией. Здесь можно экспериментировать со звуком, на слух подбирать аккорды и мелодии, визуализировать структуру музыки. Для начинающих это бесценный опыт, ведь любая ошибка превращается в часть обучения, а не в досадное разочарование.

Еще одна удивительная вещь в использовании DAW — это возможность буквально "видеть" музыку. Звуковая волна на экране — это не просто картинка, это живая музыка в графическом виде. Смотришь на проект и сразу понимаешь, где была ошибка или какой участок звучит "глухо". Такой визуальный подход особенно хорош для тех, кто лучше воспринимает информацию глазами, чем на слух.

А как насчет творческой свободы? DAW дают возможность сыграть на любом инструменте, даже если у тебя нет реального фортепиано или ударной установки. Виртуальные инструменты звучат потрясающе реалистично. Ученик, который только начал изучать основы гармонии, может в пару кликов услышать, как его мелодия зазвучит с симфоническим оркестром. Это вдохновляет — словно ты оказываешься в центре настоящей музыкальной студии.

Но самое главное — это удобство записи и анализа. Сколько раз мы что-то играли, напевали или импровизировали, а через минуту забывали? С DAW такой проблемы просто не существует. Ты записал идею, прослушал, понял, что можно улучшить. И вот тут начинается самое интересное: создание аранжировки, подбор звуков, работа с ритмом. Каждая из этих задач — как урок, который не надоедает, потому что результат всегда уникален.

Обучение музыке через цифровую аудиостанцию становится чем-то больше, чем просто разучивание гамм или нот. Это практика, связанная с реальной музыкой, с ее созданием, с поиском собственного звучания. Даже те, кто никогда раньше не брал в руки инструмент, могут почувствовать себя творцами. И это, пожалуй, главный дар технологий в обучении музыке: они убирают барьеры, дают свободу и учат слушать себя. А ведь в этом и есть суть музыки — в умении выражать то, что чувствуешь.

История синтезатора — это настоящая сага о том, как человечество открыло новые горизонты в музыке. Когда мы говорим о синтезаторе, мы говорим о машине, которая может создать любой звук, от естественного до совершенно невозможного. И эта идея всегда казалась немного магической.

Все началось в начале XX века, когда появились первые эксперименты с электричеством и звуком. Одним из самых известных пионеров был русский изобретатель Лев Термен. Его терменвокс — это что-то вроде музыкального телепата: ты водишь руками в воздухе, не касаясь инструмента, а он поет. Этот инструмент не просто удивлял публику — он ломал представления о том, что звук обязательно связан с физическим прикосновением. Музыка вдруг стала невидимой, и это был первый намек на то, как далеко технологии могут зайти.

Следующий большой скачок произошел в 50-60-х годах, когда мир увидел появление первых аналоговых синтезаторов. Тут начинается эпоха настоящих музыкальных монстров, вроде Moog, ARP и Buchla. Эти синтезаторы были огромными, часто занимали целую комнату и выглядели так, будто их собрали для космического корабля. Они работали на основе аналоговых электрических схем, создавая звук путем изменения напряжения. Самое захватывающее было то, что ты мог физически манипулировать сигналом: крутить ручки, переключать тумблеры, соединять кабели. Это давало музыканту полную власть над звуком, но и требовало терпения — такой инструмент не прощал ошибок.

Музыка тех лет тоже стала другой. Прорывными можно назвать работы Уэнди Карлос, которая записала альбом Switched-On Bach с помощью Moog, и коллектив Kraftwerk, чьи звуки превратили синтезатор в инструмент будущего. Это были настоящие революции: люди поняли, что музыка может быть не просто записью реальных инструментов, а чем-то созданным с нуля, прямо из электроники.

Но за этим великолепием скрывалась проблема. Аналоговые синтезаторы были сложными, дорогими и... капризными. Их нужно было постоянно настраивать, они зависели от температуры и влажности, а соединение модулей занимало время. Поэтому в 80-х годах появился новый герой — цифровой синтезатор. Yamaha DX7 стал настоящим символом эпохи. Вместо того чтобы полагаться на электрические цепи, он использовал математику: звуки создавались алгоритмами, которые моделировали волны. Это дало музыкантам огромный простор. Хочешь, чтобы твоя мелодия звучала, как сотни колоколов одновременно? Хочешь, чтобы твой бас вибрировал, как будто он прилетел из другой галактики? Все это стало возможным.

Цифровые синтезаторы оказались дешевле, надежнее и компактнее. Их можно было взять с собой в тур, не боясь, что инструмент "расстроится". Благодаря этому они быстро завоевали поп-музыку. Почти все хиты 80-х, от Майкла Джексона до Мадонны, используют звуки цифровых синтезаторов. Музыка зазвучала чище, ярче, энергичнее.

Но, как это часто бывает, через пару десятилетий люди начали скучать по "душе" аналоговых инструментов. Несмотря на все преимущества цифры, у аналогового звука было нечто особенное — теплота, естественная неровность, которую не так-то просто воспроизвести. В начале 2000-х мода на аналог вернулась. Люди начали собирать модульные синтезаторы, похожие на первые модели 60-х, только уже с современными технологиями. Эти системы дают музыкантам возможность экспериментировать с каждым аспектом звука, превращая процесс создания музыки в настоящее искусство.

Сегодня синтезаторы стали невероятно разнообразными. Есть виртуальные инструменты, которые можно запустить прямо на компьютере. Они могут имитировать любой звук: от старинного Moog до фантастических звуков, которые никто раньше не слышал. Есть компактные синтезаторы, которые помещаются в рюкзак, но звучат как целый оркестр. И есть те самые модульные системы, которые возвращают нас к корням, напоминая, что синтезатор — это больше, чем инструмент. Это способ выражать себя.

История синтезаторов — это история бесконечного эксперимента. Это путешествие от первых электрических вибраций к сложным цифровым алгоритмам и обратно к теплоте аналоговых цепей. Но самое главное в этой истории — то, что она продолжается. Каждый день появляются новые инструменты, новые звуки, новые идеи. Синтезатор — это символ свободы, креатива и смелости исследовать неизведанное.