-23lufs
Здравия желаю дорогие мои.
Интересует вопрос, кто понял как оно работает и нафига оно надо?
Расскажите кто этим пользуется и в каких случаях.
Здравия желаю дорогие мои.
Интересует вопрос, кто понял как оно работает и нафига оно надо?
Расскажите кто этим пользуется и в каких случаях.
Привет. Для начала, хочу порадовать вас хорошей новостью: в нашем сообществе появился звукорежиссер со стажем. Он так же будет добавлять посты в наше сообщество. Прошу любить и жаловать: @EKmixmaster.
А теперь, к делу. Напишу пару советов, которые могу вспомнить.
- После сведения костяка (бас + драммс + вокал), если вам кажется, что рабочий барабан очень "близко", прямо перебивает вокал, можно "отодвинуть" его назад ревербератором с маленьким размером и маленькой задержкой.
- Все эффекты при сведении направляем в посылы (Send), для того, чтобы не размазывать звук инструмента и не создавать кашу.
- У гитар и голоса неплохо заблаговременно срезать грязь эквалайзером (примерно до 100-125Гц).
- Для того, чтобы лучше "посадить" голос в микс, можно аккуратно подрезать диапазон от 250 до 400 Гц, и поднять 3кГц - 3,5кГц, чтобы повысить читаемость. С этим ооочень аккуратно, так как в этом диапазоне находится сила голоса.
- для хорошего пространства можно использовать несколько ревербераторов с разными настройками.
- бочка и бас почти всегда нуждаются в сайдчейн-компрессии, не стоит ей пренебрегать. (Пишу о "живых" инструментах).
Всем привет. Материал не мой, но доступно написан и показан.
Параллельная компрессия – это способ динамической обработки, который основан на подмешивании к оригинальному сигналу его компрессированной копии в определённой пропорции. Результатом подобной обработки является усиление тихих составляющих сигнала, тогда как составляющие с большой амплитудой остаются практически неизменными.
Если при обычной понижающей компрессии понижается уровень пиков для сжатия динамического диапазона, то при параллельной динамический диапазон сжимается, наоборот поднятием уровня тихих составляющих.
Параллельная компрессия, в отличие от стандартной, позволяет лучше сохранить резкую атаку сигнала. Её также можно использовать для художественного насыщения сигнала и создания характерного напористого звучания.
Всем привет. Меня давно не было - завалило работой, прошу прощения.
Кто-то спрашивал о мастер-шине и ее настройке, попробую дать парочку простых советов.
PS: кто-то спрашивал, в чем я работаю сейчас. Я работаю в Cubase 8, для меня он привычный. Хочу перейти на ProTools, но пока нет времени заморачиваться.
По поводу эквалайзера на мастере. Обычно (в большинстве случаев) хватает вот такой картинки:
Ну, образно, конечно :)
После сведения у вас итак должно быть все в порядке :)
По поводу компрессора: не стоит сильно давить - задавите все пространство, и будет звучать очень глухо. 1,5 - 2 будет достаточно.
Вообще, сейчас есть наборы для мастер-шины, например, Ozon. Он очень удобный, ниже кину картинку для наглядности:
В нем уже есть и эквалайзер, и компрессор, и имаджер, и эксайтер, и еще много разных плюх. Очень удобно, что в имаджере уже есть гониометр, это позволяет не использовать его отдельным плагином.
На выходе обязательно нужен лимитер. Мне очень нравится от Waves L2. Это лимитер с кнопкой дизеринга. По поводу настройки: выход всегда ставьте меньше 0 (-1, -2 например), для того, чтобы композиция не хрипела.
Threshoid выставляется по уровню RMS. Для этого, стоит почитать стандарты. Скажу только, что для радио и телека rms должен быть где-то (-12). Скажу почему: на радио все композиции загоняются под общий лимитер, и, если ваш rms будет больше, то попросту песня начнет хрипеть. Скорее всего, ее просто не возьмут в эфир. Для соц сетей используется rms от (-10) до (-7).
Кстати, есть неплохой плагин, который поможет определить "задавленность" песни, Levels. Это бесплатный плагин:
Очень простой в использовании и выглядит неплохо.)
Пока на этом все, спасибо, что не покинули сообщество :)
Привет. Нашлась хорошая статья на одном из сайтов.
Вокал
Большинство вокальных звуков имеют достаточно быструю атаку и медленное затухание. Исключение составляют те слова, которые заканчиваются на жесткие согласные. Если гейт открывается очень быстро, возникает опасность, что на словах с мягкой атакой будет звучать щелчок. Лучше время атаки установить равным не более 1 миллисекунды. Это достаточно быстро, чтобы атака звука проходила без потери, и одновременно достаточно медленно, чтобы не было щелчка.
Время восстановления должно быть 0,5 с. Это сводит к нулю риск потери окончаний слов с мягким затуханием, и этого хватает, чтобы отрезать все ненужные шумы после тех слов, что кончаются внезапно. На длинной ноте, которая имеет неравномерный уровень, гейт может отпираться и запираться, производя "дребезжание"; чтобы устранить это, надо увеличить время удержания. "Дребезг" является проблемой только тогда, когда время восстановления мало; но нельзя исправить положения просто путем удлинения времени восстановления, так как тогда сигнал может кончиться прежде, чем закроется гейт, и шумы будут проходить.
Аналогичная проблема существует с точкой перегиба. Чем меньше ее высота, тем лучше результат; но если она установлена слишком низко, появляется вероятность того, что шумы и ненужные звуки будут переключать гейт. Поэтому лучше постараться, чтобы от источника шло мало шумов, чем ожидать, что гейт сотворит чудо.
Кстати, если компрессировать вокал одновременно с пропусканием его через гейт, то лучше гейт поставить перед компрессором; если он стоит вторым, то уменьшенный в результате действия компрессора динамический диапазон сигнала делает трудным правильную установку высоты точки перегиба.
Электрогитары
При записи электрогитар, в особенности "стратокастеров" и аналогичных моделей, имеющих один угольный звукосниматель, шум может стать серьезной проблемой, так как звукосниматель передает все наводки, имеющиеся в помещении. Для начала нужно найти такое положение исполнителя (в магнитном поле), при котором шум от наводок становится минимальным. Обычно есть одно направление, при котором шум - самый большой, и одно, при котором его почти нет.
Другим источников шумов является приставка "overdrive" (вне зависимости от того, встроена она в усилитель или имеется в виде отдельной педали). Эти приставки работают по принципу добавления очень большого усиления к сигналу перед тем, как он попадает в нелинейную цепь, где создаются требуемые искажения.
Дополнительное усиление сигнала порождает увеличение уровня шумов и треска. Поэтому применение гейта может спасти ситуацию.
У искаженной гитары атака очень быстрая, "жалящая"; значит, время атаки гейта должно быть самым быстрым. Время восстановления зависит от стиля музыки. Как правило, оно должно быть возможно более коротким, чтобы затухание длинных нот не прерывалось: от десятков миллисекунд при стаккато искаженной гитары
до 0,5 с и более - для медленных, чистых пассажей.
Клавишные инструменты
Может показаться, что электронные клавишные не требуют обработки гейтом, так как они обычно включаются напрямую в пульт и поэтому не могут привносить посторонних шумов. Но это не совсем так. Многие клавишные инструменты создают свои собственные шумы (в особенности - цифровые синтезаторы). Эти шумы слышны только в паузах между нотами или во время затухания ноты, так что применение гейта в таких случаях желательно. Величины времени атаки и затухания гейта должны быть установлены в соответствии с формой огибающей сигнала (в синтезаторах форма может быть любой). Помните общее правило: время атаки должно быть быстрым, но не должно быть щелчков; время восстановления должно быть быстрым, но не должно происходить отрезания затухающих звуков; на некоторых звуках во время затухания может происходить ложное переключение гейта - тогда увеличивайте время удержания.
Динамический шумоподавитель дает лучшие результаты, чем обычный гейт, так как он удаляет шумы из синтезированных звуков не только в паузах, но и во время затухания. Динамический шумоподавитель хорошо работает с целыми миксами, поэтому имеет смысл собрать в стереоподгруппу сигналы со всех синтезаторов и подать их на шумоподавитель через точку разрыва подгруппы.
Гейт используется для обработки барабанов не только для того, чтобы очистить звук от лишнего шума, но и затем, чтобы изменить его, создать быстрое, четкое затухание. Бас-барабаны и томы, в звуке которых имеется ненужный звон, при прохождении через гейт вызовут его запирание, звон будет отрезан, а звук станет более плотным. Для ударных инструментов всегда важно передать переходный процесс, поэтому время атаки должно быть очень быстрым, а время восстановления регулируется на слух. На практике получается, что время восстановления может быть настолько быстрым, что эффекты регуляторов времени восстановления и удержания совершенно идентичны.
При записи ударной установки с помощью нескольких микрофонов, каждый из которых установлен близко к одному из барабанов, гейт часто употребляется для того, чтобы улучшить разделение по каналам (устранить "боковой эффект" - проникновение сигнала с соседнего барабана), при этом точка перегиба должна быть достаточно высокой (так как барабаны находятся близко друг от друга). Может возникнуть опасность потери тихих звуков. Чтобы избежать этого, применяют гейты с полосовыми фильтрами, которые можно настроить на звук конкретного барабана и до известной степени вырезать частоты барабанов и тарелок, настроенных на другую частоту. Особенно часто такие гейты употребляются в работе с малым барабаном (хай-хэт расположен слишком близко). ВНИМАНИЕ: если вы установили фильтр таким образом, что он вырезает большую часть высоких частот, это может замедлить открывание гейта и повлияет на атаку сигнала.
Другая проблема состоит в том, что в те моменты, когда гейт открыт, все сигналы, звучащие одновременно с полезным сигналом, проходят в линию. Например, каждый раз, когда одновременно играет хай-хэт и малый барабан, звук хай-хэта будет громче, как если бы его записывали при помощи двух микрофонов вместо одного. В большинстве случаев на это не обращают внимания, но некоторые инженеры все же пытаются исправить положение, используя другой канал гейта для подключения сигнала с микрофона, снимающего хай-хэт, устанавливают канал в режим "duck", и переключение идет от того же источника, что переключает гейт малого барабана. Если оба набора регуляторов установлены идентично и ручка "floor" того канала гейта, на который идет сигнала хай-хэта, установлена правильно, то уровень сигнала хай-хэта будет немного уменьшаться в те моменты, когда открывается гейт малого барабана.
Это не является наилучшим решением, но все же помогает предотвратить увеличение уровня сигнала хай-хэта в моменты совпадения с ударами малого барабана. Впечатление ("образ") может быть нарушено, если малый барабан и хай-хэт панорамированы в противоположные части (хай-хэт будет звучать несколько странно).
Такая же проблема существует при записи тарелок "крэш" и "райд", но она решается проще: достаточно уговорить барабанщика подвесить тарелки на некотором расстоянии от томов, а не непосредственно над ними.
Специальные эффекты
Описанный выше способ использования одного канала гейта для работы в режиме "ducker" может быть применен вместе с большим (длинным) временем атаки для создания автоматического панорамирования каждый раз, когда входной сигнал превышает высоту точки перегиба. В этом случае на оба канала гейта подается сигнал от одного и того же источника, а выходные сигналы панорамируются строго в противоположные стороны. Если ручка "floor" установлена на максимальное ослабление, то сигнал в одном канале будет делаться тише на ту же величину, на какую возрастает уровень сигнала в другом канале. То же самое относится к установке времени восстановления.
Такое подключение можно далее модифицировать: подать на гейт сигнал с внешнего низкочастотного осциллятора (от 5 до 50 Гц). Тогда входной сигнал будет переходить из канала в канал (менять положение в панораме) со скоростью, соответствующей частоте генератора. Время атаки и восстановления должно быть быстрым. Это звучит эффектно (если не перестараться), в особенности с вокалом и электрогитарами: сигнал "проглатывается" взрывами, приходящими с противоположных концов стереопанорамы.
1) Не ограничивайте себя.
Обычной практикой для многих продюсеров стало сведение со включённым лимитером. Такие трюки нужно проворачивать с осторожностью, ведь чаще всего, после снятия лимитера с мастера, баланс трека попросту разваливается.
Лучше не вспоминать про лимитер, пока процесс сведения трека не достигнет ментальной отметки порядка 80%. Как только вы добрались до этой стадии, используйте лимитер, чтобы посмотреть, как микс реагирует на изменения на мастер шине.
2) Чертовски свежо!
Сделайте паузу перед тем, как от сведения приступить к процессу мастеринга, чтобы держать ваши уши свежими. Это даст вам возможность быть более объективным в работе.
3) Передискретизация.
Многие динамические плагины высокого класса предлагают режим передискретизации («oversampling») – включение этого режима позволит увеличить частоту дискретизации в два, четыре и восемь раз по сравнению с величиной дискретизации до обработки сигнала. В теории, это может дать вам более чистые результаты и уменьшить количество артефактов.
4) Стерео бас.
Делаете мастеринг трека, который будет играть в клубе или на виниле? Следите за излишним стерео на низких частотах – не только потому что они пропадают на моно системах. Чрезмерное стерео делает не читаемым материал, воспроизводимый на виниле. Используйте фильтр высоких частот в режиме «side» (только стерео) в промежутке 200-300 Гц, чтобы при прослушивании в моно звук был более сфокусированным.
5) Mid/side
Mid\side плагины позволяют разделять звук на стерео и моно составляющие, и изменять их по отдельности в угоду качеству звука. Этот подход помогает добиться нужной стерео ширины на высоких частотах и наоборот, подчеркнуть «мясо» низких частот в моно.
6) «Красная» зона.
Никогда не задумывались, почему при переводе вашего первозданного 24-bit wav трека в mp3 заметно ухудшается качество записи? Это происходит из-за искажений, превысивших пиковый порог, и обрезанных при переводе в mp3. Чтобы избежать подобного эффекта всегда оставляйте место в 1 дб. от пикового порога при экспорте аудиозаписи.
7) Противофаза
Простой способ услышать, что ваша обработка ухудшает общее звучание оригинального трека, это нажав соответствующую кнопку в вашей рабочей станции, инвертировать фазу на одном из каналов. Таким образом вы услышите только ту информацию, которую составляет ваша обработка.
8) Вписываем элементы в микс.
Если вовремя мастеринга возникла проблема, которая тормозит весь процесс, не чурайтесь того, чтобы вернуться к этапу сведения и проверить все настройки. Такие недочёты как слишком громкий малый барабан или режущие слух тарелки, могут доставить огромные проблемы во время мастеринга, и при этом устраняются за несколько минут во время сведения.
9) Распределяем уровни.
Ничто так быстро не портит звук во время мастеринга как перегруженные плагины – позаботьтесь о том, чтобы уровни на входе и выходи «из плагина» держались разумных параметров (избегая при этом клиппирования).
10) Делайте всё самостоятельно.
Пресеты могут стать отличной стартовой точкой для саунд дизайна, но это абсолютно не относится к мастерингу. Создание собственной цепочки из плагинов и их самостоятельная настройка, даёт как правило более чистый результат.
11) Параллельная обработка.
Если вы старайтесь добиться достаточной плотности звучания, при этом не перебрав с компрессией, то почему бы не попробовать воспользоваться параллельной компрессией? Используйте соотношение 4:1 с быстрой атакой и средним релизом в районе 10 дб, что на выходе превратиться в сухой побочный сигнал, отлично смешивающийся с основным, привнося при этом в трек вес и глубину.
12) Использование Де-ессера.
Если вы занимаетесь мастерингом трека с чрезмерно усиленными высокими частотами, пробуйте использовать де-ессер, чтобу удержать звук «в узде». В отличии от статичной обработки эквалайзером, де-ессер – это динамический инструмент, который прекрасно удержит высокие частоты согласно заданного порога. Подобный метод отлично подойдёт для работы с барабанами или вокалом в уже заполненном миксе, не заставляя трек звучать уныло и бездушно
Привет.
В данном сообществе, видимо, пишу посты только я, из чего вытекает вопрос: что вам интересно было бы почитать? Какие темы поднять?
Пишите в комментариях, пишите свои посты, давайте делиться друг с другом опытом. Может, есть просто какие-то забавные истории, связанные со звукорежиссурой :)
«Установка на завершение треков раз и навсегда изменила мой подход к созданию музыки»
Диджей и продюсер из Лос-Анджелеса – Джастин Джей успел наделать немало шума со своими релизами на Dirtybird, Southern Fried Records, а также Бостонском Soul Clap Records и войти в близкий круг таких «гигантов мысли», как Клод вон Строк и Пит Тонг. Настало время для второго альбома. Home вышел на собственном лейбле Джастина – Fantastic Voyage, наглядно продемонстрировав эволюцию идей и звучания музыканта. Мы попросили Джастина поделиться с нами мыслями на счет тех вещей, которые он «выстрадал» на пути своего становления.
1. Получайте удовольствие (и не будьте слишком критичны)
Время от времени процесс создания музыки – это стресс. Зачастую эти эмоции имеют в своем основании страх, неуверенность в себе, всяческое давление изнутри и снаружи и т. д. «Что, если никто не оценит? Что, если это не настолько хорошо?»
Очень важно выключать эти негативные эмоции во время написания музыки. По себе я могу сказать, что если не фокусироваться на мыслях типа «насколько хороша эта идея?» или «насколько она может понравиться людям?», как правило, получаются самые крутые треки. Главное – старайтесь акцентировать внимание на своих эмоциях и наслаждайтесь процессом. Старайтесь ловить момент, ведь если я создаю новые звуки или работаю с ритмикой будучи раскрепощенным и непосредственным, то и результат будет «открытым», работа выйдет без какого-либо намека на давление. В такие моменты рождаются самые интересные идеи.
Конечно, не всегда бывает так просто, однако, в любом случае старайтесь находить радость в процессе музицирования, поскольку это очень важная штука для развития и роста как музыканта.
2. Вкладывайте время и заканчивайте треки
На пути к своему первому релизу на Dirtybird я многое осознал. Я старался закончить настолько много треков (и разослать их по лейблам), насколько мог! Причем я просто искал их демо имейлы в открытом доступе в интернете. Я, конечно, понимал, что вряд ли кто-нибудь из них ответит, но был наверняка уверен в одном – каждая законченная песня делает меня лучше в качестве продюсера, неважно, подписана она или нет.
Установка на завершение трека раз и навсегда изменила мой подход к созданию музыки. Вообще, любому музыканту приходится иметь дело с совершенно разными этапами во время работы над треком. Во-первых – это работа над звуками и мелодиями, во-вторых – композиционно-структурная и аранжировочная части, и, в-третьих – сведение и мастеринг. Каждая «демка», которую я закончил, помогала оттачивать эти навыки. Чем больше делаешь, тем лучше получается. Довольно просто. Будучи «на ты» с композицией и аранжировкой, а также имея хороший навык сведения, довольно просто вывести свои идеи на другой уровень.
Даже после релиза на Dirtybird я еще десять месяцев корпел и прокачивал свои «демки», прежде чем случился очередной прорыв. Я убежден, что чем лучше развиты ваши навыки, тем легче быть стабильным в плане продакшена. Даже если я заканчиваю не очень удачный трек, я все равно знаю – мой «скилл» подрос и не стоит на месте.
3. Пробуйте себя в новых направлениях, даже если сразу ничего не получается
Пробовать что-то новое в плане продакшена – это всегда борьба. Зачастую, отступить от привычных для себя правил – довольно непростая задача. Всегда можно сказать себе «я не настолько хорош в этом стиле/жанре» и продолжить пребывание в своей зоне комфорта. Однако, если попытаться оставить все эти преждевременные суждения, можно развить в себе все необходимые навыки и в конечном счете найти свой собственный голос в том типе музыки, который вы ранее считали недоступным.
Я глубоко убежден в силе такого подхода. Он, по-моему, позволяет раскрыть истинный творческий потенциал и создать что-то уникальное, поскольку приходится смешивать совершенно разные идеи и приемы, пропуская новые жанры сквозь призму вашего восприятия.
Никто не говорит, что это получится сходу. Я, например, всегда хотел попробовать себя в качестве сонграйтера и вокалиста. То, что получалось поначалу, конечно, смешно сейчас слушать. Но я наслаждался процессом и продолжал петь. Со временем стали происходить сдвиги и становилось все лучше и лучше.
4. Коллаборации
Коллаборации дают вам возможность создавать музыку, которую своими силами вы бы вряд ли сделали, а еще, по секрету, это отличная возможность развиваться как музыканту. Столько всего нового узнаешь в ходе совместной работы! Особенно, если работаешь с людьми из совершенно других жанров.
Мой интерес к сонграйтингу по-настоящему вырос во время работы с моим «хоуми» – Джошем Тэйлором. Наблюдая за процессом его работы и тем, как он справляется с различного рода трудностями, я приобрел тот каркас знаний, который по сей день помогает мне писать песни.
Коллаборация с Джошем научила меня и многим техническим вещам – я узнал новые, ранее незнакомые мне приемы записи и обработки вокала, техники работы с аранжировкой и композицией. Мы написали кучу музыки, которая одновременно вписывается в мой мир хаус музыки и в то же время выталкивает меня из зоны комфорта, но в хорошем ключе, помогая мне расти в качестве музыканта.
5. Оставайтесь верны себе и прислушивайтесь к интуиции. В конечном счете музыка – это о самовыражении
Ни в коем случае не принижайте и не сдерживайте свои творческие и артистические амбиции. В голову могут закрадываться мысли о том, что вы делаете музыку в недостаточно популярном жанре, недостаточно «прибыльную», или не подходящую вашему «бренду», не соответствующую ожиданиям и т. д. И если вы начнете потакать подобным мыслям в ущерб творчеству – вы совершите большую ошибку. В любом случае вы обязаны сделать трек таким, каким вы его задумывали, даже если у вас имеются подобные сомнения. Никто не может сказать, сработает это или нет, но в любом случае – лучше получать удовольствие от процесса, нежели заставлять себя делать то, что не получает должного отклика в вашем сердце.