KittyFox

Нашу сегодняшнюю героиню мы знаем как эпатажную художницу, которая никогда не стеснялась обнажаться перед публикой и устраивать скандальные акции. Кто бы мог подумать, что ее мать – бывшая партизанка и майор армии, которая спала с револьвером под подушкой, требовала от уже взрослой дочери быть дома не позже 10 вечера. И так продолжалось до 29 лет, пока Абрамович наконец-то не решилась сбежать из дома.

Когда в 1976 нашей героине стукнуло 30 лет, она познакомилась с, возможно, главным мужчиной своей жизни - немецким художником-концептуалистом Улаем, с которым они начали жечь так, что заставили говорить о себе весь художественный мир.

«Мы разговаривали друг с другом во сне, в полусне, просыпались и продолжали разговор. Если я ранила палец слева, он ранил палец справа. Этот мужчина был всем, чего я хотела, и я знала, что он чувствовал то же самое».

Правда, к моменту их знакомства Марина уж точно не была «ноунеймом». В 1974 году она создала один из своих самых известных перформансов под названием «Ритм 0». Художница оделась в черное, разложила перед собой 72 предмета, включая молоток, цветок, заряженный пистолет, флакон духов, пилу и разрешила зрителям в течение 6 часов делать с ней все, что угодно. Сначала они стеснялись, а потом – перестали.

«Если оставлять решение за публикой, тебя могут убить. Я чувствовала реальное насилие: они резали мою одежду, втыкали шипы розы в живот, один взял пистолет и прицелился мне в голову, но другой забрал оружие. Воцарилась атмосфера агрессии. Через шесть часов, как и планировалось, я встала и пошла по направлению к публике. Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния».

Уже с Улаем эксперименты продолжились. В проекте «Смерть себя» они соединили свои рты каким-то прибором и 17 минут дышали дыханием друг друга, пока не упали в обморок. Потом они обнажались и становились рамкой для прохода в помещение, а посетителям приходилось протискиваться между их тел. Акция была прервана приездом полиции. Однажды они сели спиной друг к другу, туго сплели волосы, назвали это «Отношениями во времени» и сидели в галерее 17 часов до полного изнеможения. Позже они устроили в прямом смысле смертельный номер – «Энергия покоя». Художники, каждый со своей стороны, взяли лук со стрелой, встали напротив друг друга и нацелили стрелу в сердце Абрамович. Небольшая дрожь в руках и перформанс мог закончится трагически.

Вам кажется, что все это глупо и опасно? Опасно – да, но глупо ли? Если вдуматься, каждый такой эксперимент метафорически исследует отношения в паре, степень доверия друг другу и пределы близости. Тут есть, о чем поразмыслить.

Художники расстались тоже в ходе перформанса. Они хотели пожениться на середине Великой Китайской стены, придя друг к другу с разных сторон. Власти долго не согласовывали этот проект, а когда разрешение было получено, пара решила расстаться. Каждый из них прошел 2,5 тыс. км и, встретившись в назначенном месте, они простились навсегда...

... Чтобы в 2010 году встретиться вновь: Улай пришел к Абрамович в Нью-Йоркский музей современного искусства на ее перформанс «В присутствие художника». Тогда каждый посетитель мог сесть напротив Марины и посмотреть ей в глаза. Таких посетителей набралось 1,5 тыс. И одним из них стал Улай. Для художницы это оказалось сюрпризом: она протянула ему руку и оба не смогли сдержать слез.

Красиво? Еще бы. Но какими бы одухотворенными ни были или хотели казаться люди искусства, они остаются людьми: вскоре Улай обратился в суд, где потребовал у Абрамович выплатить авторские отчисления за использование совместных работ.

Вопрос для тех, кто дочитал: еще больше об искусстве я пишу вот тут в своем ТГ Безделица, но из Пикабу никто не подписывается. Почему так? Обидно!

Возможный роман двух гениев – русской поэтессы и итальянского художника – по-прежнему будоражит воображение их биографов и почитателей. Что не совсем понятно: оба принадлежали к богемной тусовке, а связи разной степени интимности в такой среде - явление более чем заурядное. Ахматова, будучи в браке, позволяла себе всякие вольности, а что уж говорить о жгучем красавце Модильяни, окруженном роем натурщиц.

Впервые они встретились в Париже, куда Анна в 1910 году приехала вместе с мужем сразу после свадьбы. Тогда они заметили друг друга и уже не смогли забыть. Считается, что Амадео писал Ахматовой страстные письма и, не выдержав разлуки, она в 1911 году рванула к нему в Париж. Но некоторые исследователи утверждают, что писем и не было, а цитаты из них поэтесса не читала, а слышала от своего поклонника уже когда они вновь встретились.

Модильяни не был бедняком: он был нищим и порой голодал. Так что влюбленные, по воспоминаниям Ахматовой, в Люксембургском саду сидели на бесплатных скамейках, а не на платных стульях, как это было принято. Зато они обсуждали Бодлера и наизусть читали Верлена. Амадео водил свою подругу в Лувр - он тогда страшно увлекался египетским искусством, - а потом рисовал ее в образе египетских цариц. Художник подарил ей 16 таких рисунков, но из них сохранился только один. Правда гораздо позднее искусствоведы нашли черты Анны во многих работах Модильяни 1910-1913 годов. Даже после их разлуки она оставалась его музой и, возможно, этот период творчества художника можно назвать «ахматовским».

Сама поэтесса, как уже было сказано, не скрывавшая своих увлечений, почему-то предпочитала хранить подробности отношений с Амадео в секрете. Но иногда проговаривалась: вспоминала о тех самых письмах, об их прогулках, о том, что «у него была голова Антиноя и глаза с золотыми искрами». А еще ревновала к женщине, с которой художник сошелся уже после их расставания: Ахматову бесило, что в какой-то монографии было написано, что та женщина, видите ли, имела на него большое влияние.

Ахматова пережила Модильяни на много-много лет. Уже в преклонном возрасте она опять приехала в Париж, попросила привезти ее на ту улицу, где жила, когда приезжала к Модильяни в 1911 году. «Вот мое окно, во втором этаже. Сколько раз он тут у меня бывал», - тихо прошептала она.

А еще позже, когда 1965 году Ахматова решила переписать завещание, выйдя из кабинета нотариуса, она сказала: «О каком наследстве можно говорить? Взять подмышку рисунок Моди и уйти!».

Получается, что тот, о ком она предпочитала молчать, был ее незримым спутником на протяжении всей жизни:

В синеватом Парижа тумане,

И наверно опять Модильяни

Незаметно бродит за мной.

У него печальное свойство

Даже в сон мой вносить расстройство

И быть многих бедствий виной.

Сегодня мы с вами рассматриваем одну из самых скандальных картин середины 19 века, которая сейчас считается шедевром импрессионизма, а тогда, в 1863 году для многих стала доказательством того, что ее автор просто не умеет рисовать.

И действительно, если смотреть на это произведение с академической точки зрения, то в нем плохо буквально все. Купальщица на заднем фоне непропорциональна остальным персонажам, детали пейзажа прописаны кое-как, свет почему-то нелогично распределяется между фигурами, высвечивая дам и игнорируя господ. Да и вообще, кто изображает голыми обычных женщин?! Это разврат! Вот если это какая-нибудь богиня, тогда ладно, а такое – нет уж, увольте.

И художника таки уволили: его работу не приняли на Парижский салон, ради которого он ее и создал. Публика увидела картину на альтернативном «Салоне отверженных» и тоже не испытала восторга. Хотя нет, мужчины, быстренько проведя мимо нее своих дам, украдкой возвращались к ней, чтобы разглядеть получше.

Так что же всем этим нам хотел сказать автор? Начнем с того, что сюжет картины не нов и вдохновлен работами Рафаэля и Тициана. Дама в центре – любимая натурщица Мане, а ее спутники – вообще его родственники.

Некоторые искусствоведы обращают внимание на символизм натюрморта на переднем плане: там есть вишни – символ сладострастия, а рядом – лягушка – так называли проституток. Другие усматривают в полотне тонкий психологический подтекст: что обнаженная при полностью одетых мужчинах символизирует объективизацию женщин. Тут я сильно сомневаюсь: в те времена такая проблема вряд ли кому-то приходила в голову, к тому же сам Мане был тем еще ходоком.

Поэтому лично мне самой правдоподобной кажется версия про пощечину общественному вкусу, а, точнее, тем нормам, которые сдерживали художников как в выборе сюжетов и героев, так и в манере письма. Пусть все будет неправильно, но без слащавой идеализации и набившего оскомину академизма.

Когда шум вокруг картины немного улегся, оказалось, что ею вдохновились многие живописцы, так что «Завтрак на траве» стал «инструментом» взламывания художественных границ и даже основой для возникновения ряда направлений современного искусства.

Она - одна из тех «москвичек», которые прекрасно вписывались в стандарты нового советского времени, когда от человека вообще и от женщины в частности требовались сверхусилия и высокие результаты. Вот только с происхождением ей немного «не повезло»: Мухина родилась не в пролетарской, а в состоятельной купеческой семье и получила богатое наследство.

Впрочем, ее детство нельзя назвать беззаботным: мать умерла от туберкулеза, когда девочке было всего два года, а отец – когда ей исполнилось 13 лет.

Потом – снова беда. В 22 года, когда она каталась на санях, ей сучком отрезало нос. Врачи вернули его на место, но шрамы остались на всю жизнь и сделали лицо грубоватым. Впрочем, это не помешало ей выйти замуж по любви и не абы за кого, а за хирурга Алексея Замкова, который стал одним из прототипов профессора Преображенского из булгаковского «Собачьего сердца».

Кстати, с их общим сыном тоже произошел несчастный случай, который привел к костному туберкулезу. Врачи разводили руками и оперировать отказывались. Что ж, тогда родители проявили решительность и провели операцию дома: прямо на обеденном столе. Мальчик поправился.

Но это только малая часть ярких событий из биографии Веры Мухиной. Мы с вами знаем ее как создательницу скульптуры «Рабочий и колхозница» для международной выставки в Париже. Эту работу называют «символом советской эпохи» и даже «эталоном соцреализма». «Как прекрасны советские гиганты на фоне сиреневого парижского неба», - сказал, глядя на нее Пикассо.

Но Мухина – это точно не автор одного произведения. К примеру, ее «Крестьянка» сейчас хранится в музее Ватикана, а уж там-то знают толк в искусстве. Чайковский около Московской консерватории – тоже ее рук дело. А еще «Наука» около здания МГУ, «Хлеб» и «Плодородие» в парке Дружбы и «Мир» на крыше планетария в Волгограде.

Мухина также занималась дизайном одежды, создавала театральные костюмы и вместе с Надеждой Ламановой выпустила альбом «Искусство в быту» с выкройками платьев для работниц.

Ну и вишенка на торте: именно она усовершенствовала граненый стакан и сделала его таким, каким мы его знаем. А также придумала форму советской пивной кружки.

✔️ 1 июля исполнилось 135 лет со дня рождения этой невероятно талантливой и волевой женщины.

Главная идея этого проекта Музея Москвы – показать трансформацию образа женщины на заре советской власти. А с чего, собственно, этому образу вдруг меняться? По велению партии, конечно! Помните, партия сказала: надо. Так что, товарищи-женщины, будьте любезны.

План такой: у нас тут произошла революция, военный коммунизм, все дела, так что надеваем красную косынку, делаем суровое лицо, устраиваемся работать на завод и включаемся в борьбу за светлое будущее. А за это вот вам избирательные права и равенство полов: то есть теперь вы можете вкалывать наравне с мужчинами. Круто же?

И только наши женщины разобрались, что такое «буржуазный пережиток», пришлось резко переобуться: ведь у нас теперь НЭП! В толпе среди красных косынок вновь появляются бойкие торговки и даже актриски из кабаре, а еще, вы не поверите, проститутки! Тут краснокосыночницы опять в деле: после смены на заводе, надо бежать перевоспитывать несознательных «буржуазок».

А что там в семейной жизни? Никакого формализма: да здравствует «свободная любовь». Ничего не должно отвлекать женщин от созидательного труда, а особенно мысли о том, сделает ли он, наконец, предложение и что делать, если есть угроза «принести в подоле». Поэтому сожительство приравнивается к браку, а аборты разрешены. Двоеженство растет, рождаемость падает.

Так не пойдет: партия опять передумала - теперь у нас индустриализация. Надо строить метро, перестраивать город, короче, много дел.

«Работать, строить и не ныть! Нам к новой жизни путь указан».

Женщине теперь желательно быть физкультурницей, чтобы гордо носить значок ГТО, и ударницей. Благо, все возможности для этого есть: разрешен доступ к традиционным «мужским» профессиям. Теперь наши женщины совершают невозможное: отправляются в беспосадочные перелеты Москва – Дальний Восток или многодневные лыже-пешие переходы Тюмень – Москва. Хорошо же? Отлично!

Одно плохо, теперь почему-то рожают мало. Ну вот что партии с вами делать? Запрещаем аборты и перерисовываем агитационные плакаты, втискивая между производственными и спортивными рекордами радости материнства. Думаете, что не сдюжите? Да бросьте, партия в вас верит!

А что дальше? А дальше началась Великая Отечественная война. Но наша выставка не об этом.

Она о том, как художники 20-30-х годов колебались вместе с линией партии, стараясь изобразить все вышеописанное. А еще общий рассказ обо всех женщинах страны — «москвичка» в названии - не более, чем собирательный образ, — дополняется персональными историями женщин-художниц. Они «живут» в отдельных комнатах и ждут вас в гости.

▪️Выставка продлится до 25 августа.

▪️При желании можно присоединиться к сборной экскурсии.

Еще больше об искусстве в ТГ-канале Безделица

«Искусство принадлежит народу», - сказал когда-то Владимир Ильич. И хотя я отношусь к этому деятелю скорее отрицательно, тут вынуждена согласиться.

Разумеется, далеко не каждому искусство нужно и интересно: все люди разные. Но при этом оно, как мне кажется, должно быть доступно и готово повести за собой любого.

К чему это я? А к тому, что открывшийся неделю назад ЦСИ AZ/ART принялся разговаривать с посетителями на таком языке, что глаза лезут на лоб даже у тех, кто стремится к искусству всей душой. В общем, «что-то на кураторском».

Если я все правильно поняла, то концепция такая: пространство поделено на две зоны - выставочную и концертную – которые как будто переговариваются между собой. Сначала мы осматриваем экспозицию из 10 картин с невероятно сложным и пространным описанием их взаимосвязи с тем или иным музыкальным произведением, а потом – раз в неделю – идем на концерт, посвященный этому «союзу».

«Идея проекта — продемонстрировать объемную панораму интермедиальных пересечений внутри Второго авангарда и парадокс очевидных и неочевидных связей каждого сопоставления музыки с работами художников и вовлечь зрителей/слушателей путем рефлексии в со-участие, довоплощение замысла», - поясняется на сайте пространства.

Как поется в известной песне: «нет, все понятно, но что конкретно?». Видимо неспроста этот проект носит название «Неочевидные пересечения».

Господа кураторы, ну давайте как-то попроще изъясняться: поверьте, простым смертным без специального образования тоже хочется и на картины посмотреть, и на концерт сходить, а вот выглядеть глупо – не хочется. Поэтому не лишайте, пожалуйста, свою прекрасную концепцию и пространство в целом зрителей, которые хотели бы всем этим насладиться.

И еще немного о ЦСИ AZ/ART:

▪️ до конца лета вход свободный: не нужна даже регистрация

▪️ график работы с 12 до 21, без выходных

▪️ в пространстве есть кофейня и сувенирный магазин

▪️ билеты нужны только для посещения концертов и кинопоказов.

Еще больше об искусстве и новых выставках простым языком в ТГ-канале Безделица

А начинал он скромным кассиром в супермаркете, которому надоело отсчитывать сдачу ворчливым старушкам: тогда он решил переквалифицироваться и сразу нащупал свой путь к успеху.

Гагосян принялся продавать постеры, оформляя их в рамки, чтобы сбыть подороже. С тех времен суть его маркетинговой стратегии осталась неизменной, только постеры сменились настоящими произведениями искусства. Рамками к ним стала его способность создавать ажиотаж вокруг художников, повышая цену на их картины, но главное: делать обладание ими признаком высокого положения в обществе. Последнее стало особенно привлекательно для тех, у кого деньги появились относительно недавно и им хочется обозначить свой новый статус.

«Сделай так, чтобы иметь картину нужного автора было так же престижно, как купить Ferrari — и ты богат», - секрет успеха Ларри, сформулированный им самим.

Светские рауты и вечеринки — один из инструментов, с помощью которого Гагосян держит руку на пульсе потребностей своих клиентов, а также привлекает новых покупателей. И случайных людей здесь не бывает: хозяин устанавливает жесткий фейс-контроль.

«Слишком много миллиардеров — будет так же скучно, как на экономическом форуме, слишком много художников и знаменитостей — кто тогда будет покупать искусство?», - поясняет он, добавляя, что только супермодели могут попасть к нему «просто так». Ну-ну.

Гагосян обожает принимать гостей, особенно если это миллиардеры. Как-то раз к нему на огонек зашел лидер мирового рейтинга Форбс Бернар Арно и засмотрелся на одну из картин, висящих на стене.

«Я сказал ему: «Здесь все продается. Ты хочешь купить стул? Ты можешь купить стул. Ты хочешь купить картину? Просто спроси!», - вспоминает Ларри, который некоторое время утверждал, что не распродает обстановку своего дома. Разумеется, так он набивал цену своей коллекции.

Сейчас в распоряжении 79-летнего Гагосяна 19 галерей по всему миру, коллекция искусства, которую оценивают в миллиарды долларов, толстая телефонная книжка с номерами миллиардеров, коллекционеров и звезд, а также 27-летняя подружка-художница в придачу. На пенсию он явно не собирается: ведь картины сами себя не продадут.

Пишу об искусстве в ТГ Безделица