SpectreMusic

Есть в так называемом роке такая когорта артистов, к творчеству которых критики и журналисты примерили расплывчатое определение "прогрессив". Само определение в разное время имело разные трактования, но в целом это всё подразумевало усложнённые формы и структуру, влияние джаза и академической музыки, а также изрядно увеличенную длительность композиций. К группам прогрессивного рока традиционно относят King Crimson, Jethro Tull, Genesis, Gentle Giant, Caravan, Camel, Soft Machine, Procol Harum, Moody Blues, Pink Floyd и, конечно, Yes.
The Yes Album был третьим альбомом Yes и первым альбомом, на котором не было переработок чужих песен. Немаловажным был и тот факт, что именно эта пластинка стала первой для Стива Хау как гитариста группы, который сменил на этом посту Питера Бэнкса. В то же время данная работа стала последней для клавишника Yes Тони Кэя, который вернулся в состав группы лишь через десять с лишним лет. С приходом Стива Хау музыка коллектива окончательно стала тяготеть к прогрессивному направлению. Не будет лишним вообще упомянуть, что Хау на то время являлся одним из сильнейших гитаристов с широчайшим музыкальным мышлением. То же самое можно сказать и про бессменного басиста группы Криса Сквайра. Его в меру агрессивная манера и мелодичные партии с характерным рычащим звуком стали одной из неотъемлемых составляющих звучания Yes. В неразрывной связке со Сквайром звучит филигранная игра выдающегося барабанщика Билла Бруфорда. Клавишник Тони Кэй пусть и не был столь же виртуозным, как сменивший его на следующем альбоме Рик Уэйкман, но тоже вносил весьма значительную лепту в звуковую палитру группы. Важной особенностью Yes, вообще говоря, было то, что каждый музыкант в группе ярко выделялся, но вместе с тем никто не тянул одеяло на себя. При всей своей сложности и многослойности музыка Yes удивительно легко воспринимается и ложится на ухо. Это предельно гармоничная и отточенная работа высококлассных музыкантов и, разумеется, прекрасного вокалиста Джона Андерсона, изящно чередующего верхний и нижний регистры своего неизменно мягкого, если не сказать нежного, голоса.
Сами музыканты и лейбл Atlantic возлагали большие надежды на третий альбом, и надежды эти оправдались. Группа заявила о себе в США, выступив там на разогреве у Jethro Tull, а сам по себе The Yes Album стал первой работой, где Yes проявили себя в полную силу. То было начало славных для группы семидесятых годов с плеядой великих альбомов, каждый из которых достоин отдельного внимания.

Послушать можно тут: https://t.me/spectrealbums

Многие группы и артисты приходят в своей карьере к кризисному этапу, и причины тому могут быть самыми разными. Это и творческий застой, и конфликты внутри коллектива, и усталость, и банальное головокружение от успеха. Есть и более драматичная причина: злоупотребление всяческими вредными для организма и разума веществами. История знает массу примеров, когда подобные заигрывания заканчивались физической смертью артистов. На ум сразу приходят представители так называемого Клуба-27 вроде Джима Моррисона и Курта Кобейна, но перечислять дальше можно долго. Многие не стали исключением в этой адской машине смерти, а вот группа Depeche Mode – стала.
Пережив головокружительный пик успеха с альбомами Music For The Masses, Violator и Songs Of Faith And Devotion, британские музыканты не миновали сопутствующего ущерба: Энди Флетчер впал в депрессию, Мартин Гор пристрастился к алкоголю, а Алан Уайлдер и вовсе покинул группу по окончании тура в поддержку SOFAD, объяснив это трудностями во взаимоотношениях внутри группы. Уход Уайлдера, который был в группе аранжировщиком и вообще главным по звуку, стал для Depeche Mode серьёзным ударом, ибо успех предыдущих трёх альбомов был во многом обусловлен его кропотливым трудом, который, по мнению самого Алана, так и не был никогда в полной мере оценён. Уайлдер ушёл, несмотря ни на какие попытки убедить его ещё раз всё обдумать, и группа стала трио.
Однако уход давнего участника ещё не был самым страшным событием. Было в этом трио самое слабое на тот момент звено, и речь не о Флетчере, который всегда держался подальше от творчества, а на сцене преимущественно стоял в тени. Дэйв Гаан, ранее подсевший на тяжёлые наркотики, всё сильнее опускался в преисподнюю. Во время тура Devotional с ним случился сердечный приступ прямо во время концерта, а когда гастроли завершились, он окончательно пустился во все тяжкие. Переезд в Лос-Анджелес ознаменовал собой бесконечные наркотические загулы, что в конечном счёте привело к попытке самоубийства, что Дэвид изначально отрицал, но затем признал, правда, сделав при этом акцент на призыв о помощи. Гаан был уверен, что его спасут. Так оно и случилось, но в дальнейшем с ним случилась сильная передозировка спидболом, что привело к клинической смерти: сердце Гаана не билось две минуты. Врачам удалось его спасти, и тогда Дэйв впервые задумался о том, что творится с его жизнью. В это время Мартин Гор начал думать о создании следующего альбома. Убедив себя и публику в том, что с уходом Уайлдера группа стала только лучше, он решил, что грядущая пластинка должна быть выдержана в стилистике хип-хопа. В качестве продюсера и звукорежиссёра был выбран Тим Сименон – основатель проекта Bomb The Bass. Работа протекала медленно и скромно вплоть до весны 1996 года, пока музыканты были уверены, что Дэйв проходит тяжёлый период восстановления в клинике. И когда все наконец попробовали собраться вместе, оказалось, что идей и заготовок у Мартина было не так уж и много, а сам Гаан скрывал, что всё ещё имеет тяжёлую зависимость от вредных препаратов. Удалось записать лишь несколько песен, в том числе Sister Of Night, спетую Гааном с предельной открытостью и страхом. Известно, что эта песня стала у Дэйва одной из любимых в каталоге Depeche Mode. Однако затем снова был взят перерыв, и незадачливый фронтмен не придумал ничего лучше, кроме как вернуться в злосчастный для Лос-Анджелес, где он продолжил наркотический угар. На этот раз он не пытался покончить с собой и больше не умирал. Всё повернулось в другую сторону: певец был арестован за хранение наркотических веществ. Из заключения он был выпущен под залог, а затем снова отправился на лечение. Также было принято решение пройти курс занятий по восстановлению голоса, который Дэйв к тому моменту начал терять. И наконец-то, медленно, но верно, дело сдвинулось с мёртвой точки. Мартин работал на покладая рук, к записи новых песен привлекалось много сторонних музыкантов, а Дэйв заново обрёл голос.
Первая же песня на Ultra, Barrel Of A Gun, повествует о тяжёлой судьбе Гаана, что прямо не подтверждается, однако у этой теории существует немало сторонников, в том числе и сам Дэйв. Мартин написал эту песню явно под впечатлением от пережитого их многострадальным вокалистом, и в немалой степени – о его наркозависимости. С самого релиза альбома прессу и общественность интересовал в первую очередь не материал Ultra, а те условия, в которых он был записан, как и вообще тот факт, что альбом в принципе был создан и выпущен. Дэйв и впрямь не был готов и не хотел заниматься студийной работой, но, как показала практика, результат в конечном счёте превзошёл любые ожидания. Ultra рождался в муках, с паузами, однако по итогу Мартин и Дейв выложились на нём на все сто. Турне в поддержку альбома, за исключением двух выступлений, было решено не проводить, что и понятно: Гаану всё же ещё требовалось время для отдыха и восстановления.
Альбом с музыкальной точки зрения получился достаточно медленным и весьма спокойным, возможно, это даже самая спокойная запись Depeche Mode (как вариант, наряду с Exciter). Самый танцевальный и динамичный номер на альбоме – один из главных хитов It's No Good, песня, наиболее близкая по духу к тому же Violator. То же самое можно сказать о втором хите – Useless, опять же, не слишком быстрой композиции, мрачной гитарной оде тяжёлому периоду, пережитому Гааном. В остальном Ultra – в таких композициях, как The Love Thieves, Freestate, The Bottom Line, Insight – подчеркнуто сдержан. Стилистически пластинка находится где-то между трип-хопом, альтернативным роком и индустриальными элементами. Тематика пластинки следует одной линии, повествуя об искуплении, борьбе, откровении, вере и любви. Всё, как и прежде на SOFAD, с той лишь разницей, что в Ultra чувствуется травматический опыт предыдущих нескольких лет. Оттого альбом и звучит без известного напора, несколько подавленно, если не скованно, что не лишает его надежды и света в конце тоннеля.
Ultra стал водоразделом, срезом пережитого опыта, подведением итогов как группы, как и самих участников. Часто подобные записи рождаются вследствие определённых потрясений в жизни артистов, и лучше бы этих потрясений не случалось, но если их удалось пережить, то значимость таковых альбомов становится лишь выше. Так произошло с Depeche Mode, так случилось с Ultra. Пройдя все круги ада, музыканты остались живы, здоровы и смогли остаться в музыке.

Послушать можно тут: https://t.me/spectrealbums

Жизнь Трента Резнора в девяностые годы прошлого века едва ли можно назвать лёгкой и радостной, даже несмотря на то, что именно на ту эпоху пришёлся пик успеха Nine Inch Nails. Творческий путь артиста весьма наглядно отражал его же путь жизненный. Чем глубже погружался Резнор в пучину нездорового образа жизни, тем сильнее это сказывалось на его музыке во всех отношениях. Если скандальный Broken ещё не был шедевром, но не заметить его было нельзя, то безумный The Downward Spiral уже стал бриллиантом индустриальной музыки без всяких скидок. Филигранная работа со звуком, эклектичность музыкального материала и чёткая концепция саморазрушения обеспечили успех записи, сделав Резнора новым гением альтернативной музыки. Это же сыграло с ним злую шутку: замысел The Downward Spiral предусматривал полный распад личности лирического героя вплоть до самоубийства, и Трент воплотил этот сюжет в своей собственной жизни почти до конца. Fragile тоже остаётся одной из любимых записей у поклонников Nine Inch Nails, но там уже было слышно некую недосказанность и неуверенность, альбом слишком затянут, что не было бы минусом при общем высоком качестве материала. Однако на Fragile с этим были некоторые проблемы, ибо хиты и шедевры там соседствуют с проходными номерами, что несколько смазывает общую картину. Очевидно, сказался авторский блок, обусловленный злоупотреблением вредными веществами и депрессией, который Трент снимал на сеансах у психотерапевта.
Вышедший в 2005 году With Teeth стал первой записью обновлённого и трезвого Резнора, который после тура в поддержку Fragile лёг в рехаб для лечения от наркозависимости.
Именно это определило дух нового альбома, который во многом стал альбомом борьбы. Самоанализ, обретение целостности и очищение – то, что Резнор прошёл за предшествующие три года, и то, чем является With Teeth, ставший в известной степени антиподом альбому The Downward Spiral.
В музыкальном отношении With Teeth – наиболее "живая" запись в рамках творчества NIN, с заметной рок-ориентацией, хотя и здесь есть место экспериментам и смешению стилей.
Одна из характерных особенностей звучания альбома – акцент на бас-гитаре, и это заметно уже в первой песне, All The Love In The World. Глубокий бас, трип-хоповый бит драм-машины, медленные переливы фортепьяно и далёкие гитарные шумы. Кажется, что это самая спокойная и безмятежная песня в каталоге Резнора, однако ближе к середине композиция меняется в динамике, наращивает темп, в игру вступают барабаны и гитарные риффы с бодрыми клавишными аккордами. You What You Are? с зубодробительной игрой Дэйва Грола на барабанах напоминает о том, что когда-то Резнор писал песни вроде Wish, March Of The Pigs и Starfuckers, Inc. Вообще, Грол на альбоме играет в подавляющем количестве песен, и его же можно услышать на The Collector. Тут снова сделан акцент на бас-гитару, а тактовый размер меняется настолько внезапно, что уже ради этого можно слушать эту песню. The Hand That Feeds – главный шлягер альбома, синтетический боевик с эффектным гитарным риффом, повторяющимся на протяжении почти всей песни. Громко и бодро. И снова бас во главе угла: размеренная поступь Love Is Not Enough проходится по голове словно танком. Зловещая и тяжёлая песня, одна из самых ярких сторон звучания With Teeth. Настроение и звук полностью меняются в Every Day Is Exactly The Same. Синтезаторы, незамысловатое фортепьяно, мощные ударные и лёгкая гитара, меланхоличный текст и общая мелодичность. В какой-нибудь из параллельных вселенных эта песня, возможно, могла бы принадлежать группе Placebo. И снова – тяжёлая поступь и тяжёлый бас. Заглавный номер, With Teeth, отмечен бескомпромиссно рваным ритмом барабанов, сдержанными куплетами, отсутствием припева, если не считать таковым два слова из самого названия песни, красивой и очень тихой интерлюдией с фортепьяно и гитарой, которая сменяется отменным грохотом барабанов и гитар. Завершается всё, однако, вполне степенно.
Самый танцевальный номер на альбоме – определённо Only, синтетический дэнс-рок, набирающий обороты на всём своём протяжении. Отчасти напоминает Down In It с дебютной записи Pretty Hate Machine 1989 года. Стремительными гитарными риффами проносится Getting Smaller, на смену которой приходит спокойный бит Sunspots, самым примечательным элементом на которой является чудесный звук, похожий на работу дрели, но на деле это заслуга контроллера French Connection. The Line Begins To Blur обрушивает на слушателя всю мощь буровой машины: удары Дэйва Грола, кажется, вот-вот разрушат барабанную установку, а дисторшн бас-гитары вгрызается в уши и в мозг – это самый настоящий индастриал, сыгранный на живых инструментах, и в этом гениальность данной композиции. И тем удивительнее, насколько мелодичными получились припевы и крайне редкое для Nine Inch Nails гитарное соло. The Line Begins To Blur резко перетекает в гипнотический бит Beside You In Time – композиции, вдохновлённой Mr Marx's Table группы Wire. Электронный ритм и дроун ближе к середине песни взрываются гитарной кодой, а когда всё стихает, начинается плавный переход в Right Where It Belongs. Минималистичная баллада преимущественно из синтезатора и фортепьяно служит на With Teeth подведением итогов с вопросами и выводами касательно нашего восприятия мира и самих себя.
With Teeth ознаменовал не просто новую главу в истории Nine Inch Nails, он стал началом нового периода в жизни самого Трента Резнора, и уже поэтому нельзя напрямую сравнивать этот альбом с предыдущими творениями артиста. Резнор пришёл к созданию With Teeth будучи другим человеком, и изменения эти были необходимы.

https://t.me/spectrealbums

К 2006 году группа Marilyn Manson перестала быть группой. В 2004 году состав покинул гитарист Джон Лоури, утратив общий язык с Мэнсоном, а через два года ушёл и клавишник Стефан Биер, тоже не без скандала, на этот раз связанного с расточительством Уорнера. Штатного гитариста решено было не искать, поэтому таковым стал басист Тим Скольд, пришедший в группу в 2002 году. Отправив барабанщика Кеннета Уилсона отдохнуть, Мэнсон на пару со Скольдом принялся за создание очередного альбома.
Eat Me, Drink Me стал самым личным и откровенным альбомом для самого Уорнера, где тот хотел проявить себя самого без лишних масок. Благо, ситуация была, по иронии судьбы, благоприятной: Мэнсон переживал тяжёлый период в отношениях с Дитой фон Тиз, который закончился разводом и поверг Уорнера в депрессию. Именно тогда Брайан, по его собственному признанию, познал разницу между нежеланием жить и желанием умереть. Возможно, в какой-то степени, даже скорее всего, это были красивые слова, но Eat Me, Drink Me и впрямь отличается от предыдущих работ группы. Здесь нет политики и антирелигиозных заявлений. Основной упор в тематике песен был сделан на разрыв с Дитой и на новые отношения с начинающей на тот момент актрисой Эван Рэйчел Вуд.
Не все поклонники группы тогда отнеслись к душевному порыву Мэнсона с пониманием. На место провокатора и подрывателя устоев пришёл открытый и ранимый артист, и многим это казалось шагом если не назад, то в сторону. Впрочем, как бы то ни было, та новая откровенность Уорнера работала с поразительной эффективностью, продемонстрировав готовность и умение артиста работать за рамками эпатажа и громких провокаций.
Насколько личным получился альбом для Мэнсона, настолько же знаковым он стал и для Тима Скольда, который выступил здесь единоличным композитором и аранжировщиком. Основным отличием Eat Me, Drink Me от предыдущих пластинок стал упор на гитару. Гитарный звук и раньше занимал далеко не последнее место в звучании группы, но здесь Скольд развернулся, что называется, по полной. Eat Me, Drink Me, безусловно, самый роковый и самый "живой" альбом в обширной дискографии Marilyn Manson (возможно, наряду с The High End Of Low, вышедшем двумя годами позднее), даром что здесь была использована драм-машина, которая, впрочем, звучит подчёркнуто грязно, словно бы в духе необработанных гаражных записей, что придаёт звучанию альбома дополнительный винтаж. Из прошлых записей по своему духу Eat Me, Drink Me наиболее близок к эпохальному Mechanical Animals, который в своё время тоже получился менее агрессивным, более лёгким и воздушным на контрасте с Antichrist Superstar или Holy Wood. Наиболее ярко это проявилось в таких номерах, как Putting Holes In Happiness, Are You The Rabbit? и The Red Carpet Grave. Heart-Shaped Glasses совершенно внезапно напоминает Franz Ferdinand, с поправкой на умеренно утяжелённое звучание. Охарактеризованная самим Мэнсоном как жизнерадостная, эта песня и впрямь является таковой, насколько жизнерадостной вообще может быть песня Marilyn Manson. На контрасте с ней, If I Was Your Vampire — не что иное как готик-рок, эпичная тягучая баллада самых тёмных кровей о любви и смерти и определённо одна из главных песен на альбоме.
Эмоциональный вектор снова меняется на They Said That Hell's Not Hot. Эмоциональная песня с выразительным вокалом Уорнера и потрясающим гитарным соло Скольда. Кстати о соло — их на альбоме больше, чем на любой других пластинках Marilyn Manson вместе взятых. Eat Me, Drink Me стал бенефисом Тима, и соло мы слышим в уже упомянутых Putting Holes In Happiness и Are You The Rabbit?, а так же в пронзительной балладе Just A Car Crash Away, в ласково-грубой Evidence и Mutilation Is The Most Sincere Form Of Flattery. Последняя, признаться честно, кажется на альбоме лишней в силу своего смысла (в ней Мэнсон не в самой лестной форме отзывается об одной небезызвестной группе), равно как и You And Me And The Devil Makes 3 — в силу своего звучания.
Заглавная композиция Eat Me, Drink Me завершает альбом, и это тоже весьма готический номер со сложным, полным аллюзий текстом. Продолжительная и сильная баллада с размеренными гитарными партиями и общей потусторонней атмосферой тревоги.
Пусть на момент релиза Eat Me, Drink Me был воспринят некоторыми фанатами группы прохладно и даже отрицательно, но время показало, что порой большое, как известно, видится на расстоянии.
Именно с этого альбома Брайан Уорнер окончательно изменился, как бы ни старался он в дальнейшем стать тем, кем был в девяностые годы. И перемены эти были естественными. Что касается музыкальной стороны, здесь определённо имело место развитие: полный уход от индастриал-рока и общего синтетического звука. На альбоме практически нет синтезаторов, более того, там в принципе очень мало клавишных партий. Рецепт был прост, и он сработал, а в итоге мы имеем один из самых заметных и интересных альбомов Marilyn Manson.
https://t.me/spectrealbums

Шестой альбом Pink Floyd стал для группы поворотной точкой. Критики позднее отмечали, что именно на Meddle коллектив нашёл то самое звучание, по которому Pink Floyd знают и помнят. И наверное, это действительно так.

После того, как основатель и лидер группы Сид Барретт слишком сильно увлёкся вредными веществами и потерял рассудок, Pink Floyd оказались на перепутье. A Saucerful Of Secrets был попыткой звучать, как задумал Барретт на первом альбоме, получилось в целом неплохо, но не совсем убедительно. Затем последовал неровный Ummagumma, альбом-саундтрек More и неоднозначный Atom Heart Mother, где музыканты не смогли в полной мере реализовать свои задумки. Нельзя сказать, что это были откровенно плохие альбомы, нет. Но им явно недоставало целостности и осознанности.

Начало работы над Meddle пришлось на перерыв в гастрольном туре, и у группы не было готовых идей из прошлого. Задача стояла начать с нуля, ни больше ни меньше. И поначалу работа продвигалась тяжело – наработки первых недель практически полностью отправились в корзину. Но музыкантов это не остановило. Днями напролёт они подолгу играли одни и те же музыкальные фразы в надежде, что вот-вот что-то произойдёт едва ли не само собой. В такой откровенно непонятной обстановке и протекала работа, пока в один из дней клавишник Ричард Райт не уселся за так называемую колонку Лесли. Вообще говоря, этот усилитель обычно используется для подключения органа Хаммонда, но в тот день Райт подсоединил к Лесли своё фортепьяно. Получившийся в итоге звук единственной ноты, извлечённой Ричардом, стал неповторимым во всех смыслах этого слова. Случилось так, что в дальнейшем этот звук больше не удалось повторить, и было огромной удачей, что он был сохранён в записи с той самой сессии. Так родилась Echoes – одно из самых известных, ключевых и выдающихся произведений Pink Floyd. Именно в этой монументальной композиции раскрылся талант Дэвида Гилмора, гитарным изыскам которого вторит маэстро Райт на органе Хаммонда, именно здесь проявил свой поэтический потенциал Роджер Уотерс. Целиком описывать Echoes бессмысленно, достаточно лишь добавить, что песня на всём своём протяжении не успевает надоесть. Она будто выходит из морских глубин и уводит слушателя туда же, подальше от бренного суетного мира.

А начинается пластинка с гипнотического опуса One Of These Days, сыгранного на двух бас-гитарах (на второй сыграл Гилмор) с излюбленным у Pink Floyd эффектом эхо от Binson. По мере нарастания динамики в песне появляется так же слайд-гитара. Можно сказать, что One Of These Days является инструменталом, если не считать одну-единственную фразу «Однажды я порежу тебя на куски», произнесённую Ником Мейсоном каким-то страшным голосом.

Откровенно говоря, Meddle знаменит преимущественно именно благодаря Echoes и One Of These Days. Впрочем, на альбоме есть и другие примечательные песни, в первую очередь, конечно, это безмятежный фолк-рок A Pillow Of Winds, в основном построенный на слайд-гитаре Гилмора, и такая спокойная Fearless с выразительным гитарным риффом. Примечательно, что Fearless и A Pillow Of Winds никогда не исполнялись группой на концертах, равно как и San Tropez, а жаль. Впрочем, последняя, наравне со странной вещицей Seamus с собачьим воем, не относится к лучшим произведениям Pink Floyd, да и на альбоме они явно служат наполнителем, хотя общей картины и не портят, если вспомнить, какие шедевры здесь ещё есть.

При всей своей некоторой неоднородности, Meddle получился по-настоящему амбициозным и новаторским в рамках творчества Pink Floyd. Альбом стал явным свидетельством того, что музыканты наконец-то нащупали свою идентичность и нашли вектор дальнейшего развития в сторону прогрессивного рока. А на обложке Meddle, кстати, изображено свиное ухо под водой. Вот, что называется, и думайте.

https://t.me/spectrealbums

The Cure очень быстро дошли до первой кризисной ситуации внутри группы. Выпустив три альбома с 1979 по 1981 год, музыканты утратили взаимопонимание и чувство единения, чему в немалой степени способствовало злоупотребление алкоголем и наркотиками. Второй и третий альбом стали соответственно первым и вторым в импровизированной «тёмной трилогии», завершением которой стал, возможно, самый страшный и мрачный диск The Cure под неласковым заголовком Pornography. И если Seventeen Seconds и Faith погружали в пучину мрака последовательно и ненавязчиво, то Pornography стал натуральным ударом по голове. Тут больше не было места мечтательной меланхолии и слабой надежде на свет в конце тоннеля. Всепоглощающее отчаяние, страх и гнев стали столпами Pornography, и выражение этих чувств через музыку казалось Роберту Смиту единственным способом справиться со всё более нарастающей депрессией. Смит ощущал злобу и усталость, дело дошло даже до драк на сцене, после одной из которых басист Саймон Гэллап покинул группу (как показало время, не навсегда). Если Роберт до этого полагал, что The Cure недалеки от распада, то теперь, казалось, окончательно в этом убедился. Единственным путём к спасению проекта Смит считал кардинальную смену стиля, что выразилось в ряде поп-синглов в более лёгком и позитивном ключе.
Монотонные ударные партии уже с первой песни One Hundred Years звучат словно удары молотка по гвоздям в крышку гроба, а пронзительные гитарные партии почти приятно режут ухо вкупе с холодными синтезаторными партиями и надрывным, уже фирменным вокалом Смита. «Плевать, если все мы умрём» – именно такими словами встречает нас альбом, со старта проводя общую черту и обозначая красную нить, основную мысль и идею записи, что в финале записи всё же венчается словами «Я должен излечиться от этого, найти лекарство» – очевидно, что Роберт таки не желает умирать, но больше не уповает на зыбкую веру, а берёт ситуацию в свои руки, возлагая ответственность лишь на самого себя.
Заунывные песни Pornography с его атмосферой нигилизма и упадка прочно обозначили The Cure в когорте исполнителей так называемого готик-рока наряду с Bauhaus, Joy Division и Siouxsie and the Banshees. Несмотря на прохладный приём критиков на момент релиза, альбом с годами приобрёл статус культового, став одной из самых значимых записей The Cure. Пребывая далеко не в лучшем состоянии, сам Смит и группа в целом смогли применить это наилучшим образом, отразив это в творчестве, и уже хотя бы в этом немалая заслуга этой пластинки. Pornography может показаться трудным для восприятия, но если он придётся по душе, то уже не отпустит. Это определённо одна из тех записей, которые, что называется, навсегда.

Послушать можно тут: https://t.me/spectrealbums