Зарождение оп-арта: искусство играет с нашим восприятием⁠⁠

Искусство или обман зрения? Разгадываем тайны оп-арта.

Представьте себе произведение искусства, которое заставляет ваши глаза играть в прятки с вашим мозгом, создавая иллюзии движения и глубины там, где их нет. Именно таким удивительным эффектом обладает оп-арт — направление, которое перевернуло представление об абстрактном искусстве в середине XX века.

Оп-арт, сокращение от «оптическое искусство», — это захватывающее направление геометрического абстрактного искусства, которое поражает воображение зрителя оптическими иллюзиями и визуальными эффектами. Художники оп-арта используют повторяющиеся простые формы, ритмические узоры, вибрирующие цветовые сочетания, муаровые паттерны и игру с передним и задним планом, чтобы создать впечатление движения и глубины на плоском холсте. Они мастерски манипулируют правилами перспективы, смешивают цвета для создания иллюзии света и тени, обманывая наше восприятие и вызывая у зрителя сильные эмоциональные отклики.

Ключевой период: конец 1950-х и 1960-е годы

Ключевые слова: визуальная иллюзия, иллюзия движения, оптические обманки, обман зрения

Знаковые художники оп-арта:

- Виктор Вазарели

- Бриджет Райли

- Ричард Анушкевич

- Франсуа Морелле

- Хесус Рафаэль Сото

- Хулио Ле Парк

- Джанни Коломбо

- Питер Коглер

Истоки оп-арта

Хотя термин «оп-арт» получил широкую известность в 1964 году благодаря статье в журнале Time, его корни уходят гораздо глубже. Первое упоминание термина приписывают художнику и писателю Дональду Джадду в его рецензии на выставку «Оптических картин» Джулиана Станчака. Однако идеи, лежащие в основе оп-арта, восходят к XIX веку, к работам Иоганна Вольфганга фон Гете о теории цвета и неоимпрессионистской живописи Жоржа Сера, которые исследовали, как взаимодействие цветов и форм влияет на человеческое восприятие.

Корни оп-арта можно найти в разнообразных художественных течениях, таких как импрессионизм, кубизм, футуризм и дадаизм. Однако наиболее тесно он связан с конструктивистскими идеями школы Баухаус. Эта немецкая школа искусства и дизайна акцентировала внимание на единстве формы и функции, рациональности и аналитическом подходе к творчеству. Такой фундамент привел к появлению графических форм и ярких цветов, отражающих дух контркультуры середины XX века.

В этот период художники, как Мауриц Корнелис Эшер, Виктор Вазарели и Йозеф Альберс, активно экспериментировали с тем, что мы сегодня знаем как оптическое искусство. Йозеф Альберс в своих работах исследовал восприятие цвета, создавая серии, где одно и то же цветовое сочетание выглядело по-разному в зависимости от окружения. Эшер известен своими математически выверенными композициями, где парадоксальные пространства и невозможные фигуры бросают вызов нашему пониманию реальности. Виктора Вазарели часто называют «дедушкой оп-арта»; его картина «Зебры» (1938), где переплетающиеся полосы создают иллюзию движения, считается одним из первых примеров оптического искусства.

Работы Вазарели вдохновили множество художников по всему миру. Бриджет Райли, британская художница, ранее работавшая в рекламе, приняла стиль оп-арта и скоро стала даже более известной, чем сам Вазарели. Южноамериканские художники, многие из которых жили в Париже, также активно экспериментировали в этом направлении, обогащая его новыми идеями и техниками.

Знаковым событием для оп-арта стала выставка Le Mouvement в 1955 году, прошедшая в парижской галерее Дениз Рене. Эта выставка объединила художников, использующих оптические иллюзии и визуальные обманы, и стала отправной точкой для движения. Работы вызывали у зрителей удивление и восторг, пробуждая новые эмоции и заставляя по-новому взглянуть на искусство.

Выставка «Отзывчивый глаз» и пик популярности

В 1965 году оп-арт достиг вершины своего успеха. Музей современного искусства в Нью-Йорке организовал выставку The Responsive Eye («Отзывчивый глаз»), представив 123 картины и скульптуры таких художников, как Виктор Вазарели, Бриджет Райли, Фрэнк Стелла, Карлос Крус-Диес, Хесус Рафаэль Сото и Йозеф Альберс. Посетители были очарованы тем, как искусство взаимодействует с наукой о восприятии, создавая захватывающие оптические иллюзии.

Однако не все были в восторге от нового направления. Критики, такие как Клемент Гринберг, выступали против оп-арта, считая его поверхностным. Кроме того, широкое разнообразие стилей и техник на выставке «Отзывчивый глаз» вызывало вопросы о том, насколько точно термин «оп-арт» отражает суть представленных работ.

Концепции, стили и тенденции оп-арта

Художников оп-арта объединял интерес к тому, как человеческий глаз воспринимает изображения. Они создавали абстрактные композиции, исследуя послеобразы, муаровые эффекты, ослепление и другие оптические феномены. Хотя движение не имело единого манифеста или свода идей, всех их объединяло стремление изучать и преображать зрительное восприятие.

Часто оп-артисты использовали контрастные черно-белые цвета, создавая максимальное визуальное напряжение и заставляя глаз бороться за разгадку картинки: что впереди, а что позади? Однако некоторые художники экспериментировали и с цветом. Например, в серии работ Виктора Вазарели «Пластический алфавит» (1960–1980) исследовались способы, как цвет может создавать ощущение пространства и взаимодействовать с другими цветами, открывая новые горизонты для оптических экспериментов.

После оп-арта

Влияние оп-арта вышло далеко за пределы художественных галерей. Его динамичные узоры и контрастные цвета проникли в мир моды, рекламы и дизайна интерьеров. Одежда с геометрическими принтами, психоделические постеры и смелые интерьерные решения — все это отражало эстетические принципы оп-арта, делая его неотъемлемой частью культуры 1960-х годов. Однако к началу 1970-х интерес к оп-арту начал снижаться, уступая место новым движениям и направлениям в искусстве.

Сложные перцептивные эффекты, созданные художниками оп-арта, такими как Виктор Вазарели и Бриджет Райли, захватили воображение широкой публики. Однако многие художественные критики видели в этом явлении лишь мимолетный и диковинный тренд. Ирония заключалась в том, что коммерческий успех оп-арта послужил причиной его упадка. Когда некоторые художники обнаружили, что дизайны их работ без разрешения позаимствованы американскими производителями одежды, это вызвало волну негодования в художественном сообществе.

Элементы оп-арта быстро проникли в массовую культуру: их можно было увидеть на плакатах, футболках и даже в иллюстрациях к книгам. Зрители, которые поначалу были очарованы гипнотическими узорами и иллюзиями движения, со временем начали осуждать оп-арт как не более чем обман зрения.

Несмотря на то, что к 1968 году движение утратило свою первоначальную популярность, наследие оп-арта продолжает жить. Систематические оптические эффекты и сегодня находят применение в изобразительном искусстве и архитектуре, вдохновляя новое поколение творцов на эксперименты с восприятием и формой.

Оп-арт показал, насколько глубоко можно исследовать взаимодействие искусства и человеческого восприятия. Он влиял не только на живопись и скульптуру, но и на дизайн, архитектуру и моду. Сегодня его наследие видно во многих областях, где визуальные эффекты играют ключевую роль. Оп-арт продолжает вдохновлять художников и зрителей, напоминая о бесконечных возможностях восприятия и творчества.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.