Около двух лет назад я рисовала фрагмент картины Босха на чехле. Заказчицей был выбран именно фрагмент с нотами на жопке. Это определённо не давало мне покоя до одного момента. Я нашла у одного из своих клиентов видео. Девушка положила ноты с жопы на фортепиано и вот послушайте что получилось)
Кстати, икусствовед Артур Чех обладатель джинсовки моей работы с картиной Бэкона Папа Иннокентий Х, добавлю её фото в коменты
Леонардо да Винчи, Тициан, Рембрандт, Брюллов, Ж.Л. Давид, Врубель и многие-многие творцы, которые остались в нашей жизни даже спустя века после ухода - в своих произведениях. О них можно просто говорить, а их стили, направления и течения зазубривать как на уроках МХК в школе. А можно показывать их творения изнутри. Искусствовед Диана Трошина пошла по второму пути и решила просвещать людей, наглядно демонстрируя, чем и как жили авторы известных картин, скульптур или архитектурных доминант. Что и привело каждого из них к тому шедевру, который мы можем видеть по сей день. Многие ее лекции записаны в исторических местах. А поскольку не везде можно согласовать съемку, иногда приходится снимать инкогнито, а порой откровенно убегать от охраны. Успех ее видео достигается благодаря простой формуле: интересная история о произведении, авторе в сочетании с необычной и яркой подачей.
Тут некоторые пытаются блеснуть "художественной вкусом" и "возвысится над толпой чумазых" разхваливая "неоднозначность" этой дорогущей подделки под искусство (см. комментарии на Яндекс картах, например). Но, похоже, здесь всё весьма однозначно - над москвичами откровенно поглумились за государственной счёт.
Вообще, эта "глина", и тому подобные поделки - творения сугубо вторичные, и даже на некий эпатаж уже давно не тянут. Знаменитое "Дерьмо художника" / "Merda d'Artista", созданное Пьеро Манцони ещё в 1961 году, было гораздо смелее и честнее, по моему.
1/2
Консервные банки с надписью «100-процентное натуральное дерьмо художника». В банках (которых Мандзони сделал почти сотню, по некоторым сведениям, просто гипс.
Агостино Боналуми – художник, работавший вместе с Манцони, поведал, как они втроем – сам Боналуми, Манцони и еще один молодой художник Энрико Кастельяни восстали против традиционного искусства, но обнаружили, что в Милане их идеи никого не интересуют.
Пьеро сказал: "Всем этим миланским буржуазным свиньям нравится только дерьмо"
Вообще, искусство - отражение объективной реальности в форме художественных образов. Гениальный художник не просто отражает реальность, а стремится улучшить её, способствует развитию людей. Дейнека, Пушкин, Высоцкий, например, поэтому, гении, и их наследие останется с нами. Да, спору нет, "глина №4" отражает реальность, какую-то её часть (видимо, особенно близкую месителям глины), но в весьма сомнительной художественной форме. О каком-либо развитии и здесь речи нет.
Интересная дискуссия по поводу "современного искусства", которую породили (успешные) попытки протащить в Эрмитаж поделки вроде этой "большой глины". Завсектором античной археологии Эрмитажа Александр Бутягин vs. арт-менеджер Анна Пчёлина:
Одним из способов понять, почему нам, как зрителям, нравится то или иное произведение искусства, является композиционный анализ картинной плоскости. Но перед его проведением стоит узнать, кто создатель этой работы и в какой период он жил, чтобы дополнительно учитывать ценность картины для той эпохи.
Его имя известно всюду
Сандро Боттичелли (1445-1510) - итальянский живописец эпохи раннего Возрождения. Жил и творил во Флоренции под покровительством правящей известной семьи Медичи. Разработал собственный элегантный стиль, был в тренде представлений о красоте общества того времени. Что не мало важно, был признан при жизни.
Фрагмент картины «Поклонение волхвов», 1475 (вероятный автопортрет художника)
Сандро Боттичелли писал как портреты, так и сюжеты на религиозную и мифологическую темы. Известен широкой публике своей картиной «Возрождение Венеры». Был среди первых, кто в ту эпоху рискнул изобразить обнаженное женское тело в полный рост. Вообще, его кисть узнаваема, стоит лишь немного ознакомиться с его творчеством.
Фрагменты слева направо: «Мадонна Магнификат» 1485, «Мадонна с ангелами» 1478, «Святой Себастьян» 1473, «Паллада и Кентавр» 1483
Символическое значение
Картина «Оплакивание Христа» посвящена сюжету Священного писания, находящемуся между снятием с креста и вложением во гроб.
Считается, что этот религиозный холст написан в период кризиса художника. В поздние годы его творчества Флоренцией правил проповедник Савонарола, жестко критикующий свободу нравов жителей. Он даже устроил «костёр тщеславия», где были сожжены предметы роскоши, а также ряд картин Сандро Боттичелли, который пожертвовал ими в знак покаяния.
Сама картина написана темперой на досках из тополя, имеет размер 1х2 метра (!). Позже было установлено, что это ни сколько картина, а сколько алтарный образ, выполненный для одной маленькой флорентийской церкви. В это же время художником был выполнен ещё один аналогичный сюжет, но для другой церкви.
«Оплакивание Христа», 1495
Непростая судьба картины
Сейчас эта картина находится (внезапно) в Старой Пинакотеке Мюнхена (Германия). Оказывается, это алтарное изображение должен был конфисковать из церкви Сан-Паолино один из комиссаров Наполеона. Но он присвоил эту картину себе, спрятав ее в конюшне, а позже продал. В последствии у правителя Баварского королевства Людвига I (1825-1848) появилась возможность приобрести это полотно для Мюнхенской коллекции.
В качестве пруфоф - видео с сайта Старой Пинакотеки, автор ролика - патрон картины Андреас Шумахер. Также в ролике можно оценить монументальность полотна относительно человека.
Надеюсь, что столь нишевая тема была вам интересна, и продолжение следует!
Сколько памятников первобытного искусства на территории России? В чём их ценность, а также сложность их изучения и сохранения? Есть ли примеры удачного сохранения памятника и его популяризации в регионе?
Об этом рассказывает Елена Леванова, археолог, кандидат исторических наук, заведующая центром палеоискусства Института археологии РАН.
Являлись ли павлины символом Христа? Как римская языческая религия и раннее христианство сочетаются в живописи поздней античности? Почему волхвы изображались в восточной варварской одежде? Чем интересно искусство раннехристианского Рима, и где можно увидеть наиболее яркие его образцы?
Об этом рассказывает Мария Назарова, доцент кафедры истории и теории искусств Института дизайна и искусств Санкт-Петербургского государственного университета промышленных технологии и дизайна, член российской ассоциации антиковедов, член Санкт-Петербургского союза дизайнеров, член союза художников России, член ассоциации искусствоведов.
кадр из фильма про стрит-арт в Бангкоке. Ссыль внизу.
*из вики: "Ар-брю́т[1], или ошибочно ар брют[2][3] (фр. art brut — грубое искусство, здесь — необработанное, неогранённое искусство)... В качестве эквивалента в англоязычной литературе используется термин искусство аутсайдеров, англ. outsider art" ------------------ Итак:
Судя по всему, Ар-брют - всё ещё изобразительное искусство, но с другой коммуникативной компоновкой. Когда мы говорим об искусстве - мы говорим о его ключевом моменте - свободе в искусстве. Но свобода от чего или для чего? Искусство на самом деле не может быть свободным, оно утилитарно, так как обслуживает идею, а именно - гуманизм: в конечном счете, реципиентом художественного послания должно быть человечество, улучшенное по прочтении плана бытия в этом послании. В Ар-брют, определенно, есть послание, но кто реципиент? Несомненно, мотивом послания, как и в "фундаментальном" искусстве - будет улучшение условий. Реципиентом оказывается это - улучшенное условие. Но нет точки схождения в том саду благоденствия. Есть только путь самурая - среди роз или терниев. Это умножение сущностей, спам и растрата ресурсов. Конечно, реципиентами вполне могут быть и случайные зрители, которые даже восхитятся эстетикой "брют". Эстетизм, пожалуй, будет хорошим вложением, если этого вложения не будет слишком много и оно не будет слишком похоже на горы мусора, который плодят человеческие города.
Но что будет то, что мы определим как фундаментальное искусство? Искусство вообще, как осознание - призвано как аппарат гуманистической эволюции. Возможно, содержанием гуманизма в искусстве (и не только) является осознание конечности процессов. Искусство представляет эволюцию не как "объективную", механистическую философскую поступательную спираль, а как сугубо субъективную, личностную, чувственную (то, что мы и назовем гуманистическим) синусоиду - на пике функции новое откровение, а в нижней точке - кризис в результате повторов и утраты адекватности, острая грань совершенно неочевидного последующего эволюционного скачка, которую, надо отметить, не все переходят. И да, это не похоже на синусоиду. (Как там, по слову Писания: "если пшеничное зерно, пав в землю, не умрет, то останется одно; а если умрет, то принесет много плода"). Возможно, гуманизм в "фундаментальном" искусстве в своем содержании - это не просто равномерное послание, а подлинное=субъективное признание трагического конца и подвига надежды на новое начало, тот ритм пульсации пика и спада, которого, кажется, нет в Ар-брют (и иже с ним).
Случайный ролик в Бангкоке (откуда стоп-кадр для реплики):
В чём проявляется реализм первобытного искусства? Как люди каменного века создавали то, на что не способно «современное искусство» постмодернизма — реалистичное выражение природы? Почему на некоторых памятниках наскальной живописи изображены не все животные, окружавшие человека? Что угрожает этим археологическим памятникам сегодня?
Об этом рассказывает Елена Леванова, археолог, кандидат исторических наук, заведующая центром палеоискусства Института археологии РАН.
