nika.nikiforova

Если бы время вдруг решило устроить себе отпуск, оно, вероятно, выглядело бы именно так — растекаясь по ветке сухого дерева или обволакивая каменный утес, словно ленивая кошка на подоконнике. Плавящиеся часы из «Постоянства памяти» Дали давно стали визитной карточкой сюрреализма, но их секрет не в том, чтобы шокировать, а в том, чтобы заставить зрителя усомниться: а точно ли его будильник тикает в том же измерении?

Дали, как истинный алхимик абсурда, превратил хронометраж из тирании стрелок в поэзию текучести. Его часы — не приборы, а метафоры, которые капнули на холст прямо из подсознания. Говорят, идея родилась, когда художник размышлял о сыре Камамбер, тающем на солнце (есть версия , что это был шарик мороженого, но сыр как-то поинтереснее, согласитесь?). Что ж, теперь мы знаем: даже время может «пропасть», если оставить его под палящим солнцем каталонского побережья.

Но не спешите винить в этом релятивизм Эйнштейна, хотя Дали и вдохновлялся его теориями. Скорее, это манифест против линейности. Зачем мерять жизнь минутами, если можно ощущать ее как сон, где прошлое, настоящее и будущее сливаются в один причудливый пейзаж? Часы Дали — не расписание поездов, а гибкие правила игры, где мухи, ползающие по корпусу, напоминают: даже железная дисциплина рано или поздно станет пищей для энтропии.

Ирония в том, что «Постоянство памяти» стало едва ли не самым тиражируемым образом ХХ века. Эти часы, которые должны были символизировать бренность, обрели вечность в поп-культуре — от обложек альбомов до мемов. Дали, вечный провокатор, наверняка бы посмеялся: его текучие циферблаты застыли в истории жестче, чем тайны да Винчи.

Так что в следующий раз, глядя на стрелки, спешащие к дедлайну, вспомните: время — не тиран, а импрессионист. Иногда ему просто нужно растечься, как краска по мокрому холсту. Или как сыр на тосте гения, который решил, что реальность — слишком скучный материал, чтобы принимать ее всерьез.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично»

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Думали ли вы о флаконе от духов как о самостоятельном произведении искусства? Выставка «Династия Лалик: красота и стиль вне времени» в московском Музее Времени и Часов (открыта с 14 августа до 14 сентября) берется это исправить – и делает это с таким изяществом, что даже самые прагматичные посетители начнут ценить стекло наравне с ароматом.

Идея проста и гениальна: показать, как один бунтующий гений и его наследники превратили утилитарный пузырек в объект вожделения коллекционеров. Центр притяжения – уникальные флаконы из частного собрания Анны Мироненко. Здесь и две прижизненные работы самого Рене Лалика (1860-1945) – того самого, кто устроил переполох сначала в ювелирном мире, а потом и в парфюмерном, и изысканные творения его сына Марка (1900-1977) и внучки Мари-Клод (1936-2003), а также современные интерпретации бренда Lalique. Для полноты картины добавлены изящные предметы для дома Lalique из коллекции Оксаны Муромцевой – чтобы вы поняли, что их стиль проникал всюду.

Но выставка – не просто французский парад. Кураторы остроумно подкинули «контрольный» экспонат: коллекцию отечественных парфюмерных флаконов конца XIX – начала XX вв. из Русского Музея Парфюмерии и Парфюмерного Дома «OsmoGenes» Ольги Госиной. Смотрите, сравнивайте и убеждайтесь: волны ар-нуво и ар-деко, на которых так лихо «серфил» Лалик, докатились и до наших мастеров.

А почему Лалик – гений? Краткий ликбез

Детство и юность

Родившись в 1860 году в крошечном Аи (Шампань), Рене впитал сельские пейзажи: бесконечные виноградники, полевые цветы, порхающих насекомых. Эта природа станет его вечным компасом. Талант прорвался рано: в 12 лет – первая награда по рисованию. А в 16, после смерти отца, юноша, вместо того чтобы грустить, бросается в омут парижской ювелирной жизни. Учеником к поставщику императорского двора? Почему бы и нет! Параллельно – вечерняя Школа декоративного искусства. Уже виден почерк: учиться у лучших, но искать свой путь.

Лондон

Два года в Лондоне (1878-1880) стали откровением. Хрустальный дворец – гигантский храм стекла и металла – пробудил в Лалике страсть к материалу, который тогда считался скорее утилитарным. Здесь же отточился его фирменный стиль: натуралистичный, чувственный, где стебель или крыло стрекозы становились высшей драгоценностью. И да, графический дизайн – умение рисовать идею – тоже оттуда.

Париж

Вернувшись в Париж 20-летним, Лалик не пошел по проторенной дорожке. Он стал фрилансером (тогда это звучало куда менее гламурно) для Cartier, Boucheron и прочих титанов. Его эскизы вызывали фурор. Девиз? «Хочу пробовать новое и возмутительное!». В 25 лет – своя мастерская. В 28 – магазин в парижском районе Опера. И свое клеймо «RL». Скоро его узнает весь мир.

Ювелирная революция: красота вопреки

Лалик устроил эстетический переворот. Забудьте про диктат бриллиантов! Его сокровищница была куда интереснее:

• Рог: прочнее черепахового панциря, с тончайшими переливами – идеален для нимф и стрекоз.

• Слоновая кость: для вырезания змей, цветов, профилей Сары Бернар (о ней позже!).

• Стекло и эмаль: его визитная карточка. Крошечные витражи, полупрозрачные крылья, светящиеся изнутри.

• «Скромные» камни: опалы, лунные камни, аквамарины, кораллы, агаты – ценились за цвет и текстуру, а не за ценник.

• Жемчуг: особенно любил «неправильный», дешевый, но обладающий дикой, естественной красотой. Представьте лица тех, кто ранее мерялся идеальными шариками!

Скандал? Еще какой! Но талант – штука убедительная. Его крылатые женщины и стрекозы с опаловыми брюшками покорили саму Сару Бернар (для которой он делал не только украшения, но и декорации) и нефтяного магната Галуста Гюльбенкяна, собравшего самую большую коллекцию его работ (ныне – гордость Лиссабона).

Технический азарт: эмаль как поэзия

Но дело не только в материалах. Лалик был виртуозом эмали, возрождая и доводя до совершенства сложнейшие техники:

• Plique-à-jour: эмаль, висящая в металлических «рамках», словно витражное стеклышко. Крылья его насекомых светились!

• Champlevé и Cloisonné: углубления для эмали, вырезанные в металле, или узоры из тончайших металлических перегородок. Ювелирная микрохирургия.

Триумф на Всемирной выставке

Всемирная выставка 1900 года в Париже – апофеоз Лалика-ювелира. Его стенд ошеломил. Сам Эмиль Галле, мэтр стекла, назвал его «изобретателем современных ювелирных изделий». Визитная карточка – брошь «Женщина-стрекоза»: женская фигура, вырастающая из пасти золотой стрекозы с опалесцирующими эмалевыми крыльями, усыпанными бриллиантами и лунными камнями. Шок и восторг! Тут же – Орден Почетного легиона. Признание состоялось.

Другая революция ждала его в... парфюмерии. В 1907 году судьба свела его с парфюмером Франсуа Коти. Тот, увидев стеклянные безделушки в мастерской Лалика, воскликнул: «А давайте духи в таком?!» И понеслось. До Лалика флаконы были скромными функциональными сосудами. После – стали «стеклянными поэмами». Лалик создал их сотни, сделав роскошную упаковку доступнее (относительно, конечно). «Пробовать что-то новое и возмутительное» — девиз, которого мастер придерживался всю жизнь. Перейдя почти полностью на стекло, Лалик построил фабрику в Винжен-сюр-Модер (1921 г., работает до сих пор!).

Знаковые работы

• Bacchantes (1927). Та самая ваза с танцующими вакханками — пожалуй, идеальная формула Ар-деко: ритм, масса и свет, который «ползет» по рельефу. Выпускалась в опалесцентном стекле. Цены на такие вещи сегодня стартуют от $30,000 – неплохо для «поделочного» материала, да?

• Victoire (1928). Автомобильная маскота — профиль ветра, созданный к 10-летию перемирия. В двадцатые Лалик выпустил около 29 моделей «талисманов» на капот — эпоха любила скорость и стекло.

• Cire perdue. Лалик переносит «утраченный воск» в стекло: между 1913–1932 он сделал почти 650 уникальных предметов — по сути, камерных скульптур, где иногда видны даже отпечатки пальцев мастера.

Наследие

После смерти Рене в 1945 году (буквально спустя несколько дней после освобождения его любимой фабрики!) дело продолжили сын Марк (перевел производство на хрусталь) и внучка Мари-Клод. Сегодня бренд Lalique живет под крылом коллекционера Сильвио Денца, а дух новаторства Рене витает над Винжен-сюр-Модер, где семь мастеров носят звание «Лучший мастер Франции». В 2011 в этом эльзасском городке открылся Музей Lalique – единственный в Европе, посвященный гению. Рядом – роскошная Villa René Lalique (бывший дом основателя) с рестораном на 2 звезды Мишлен (шеф Поль Страднер) – дань французскому искусству жить красиво во всех смыслах.

Чем дышит Lalique сегодня?

• Хрусталь: знаменитые вазы («Bacchantes» с танцующими вакханками – вечная классика!), скульптуры («Сюзанна», «Таис»), светильники, посуда, предметы интерьера. Изысканная тяжесть и игра света; коллаборации с современными авторами (Дэмиен Херст, Заха Хадид и др.)

• Ювелирные изделия: возрожденная линия – хрусталь в дуэте с драгметаллами, все те же любимые мотивы флоры, фауны и женщины.

• Парфюмерия: уникальный случай: бренд контролирует все – от дизайна культового флакона до создания ароматической композиции. Связь искусств в действии.

Московская же выставка изделий фирмы Lalique открыта до 14 сентября в Музее Времени и Часов (Русаковская ул., 1). Вход свободный. Если планируете визит — проверьте режим работы музея и уточните, есть ли экскурсии или лекции (которые проводятся с завидной регулярностью).

Если бы можно было мысленно унести с выставки один предмет, что бы вы выбрали? Напишите в комментариях!

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Прогулка по «Кустодии»: от семейного альбома до балаганных подмостков

Экспозиция – как хорошо продуманный маршрут по волшебной стране. Начинаем с тихой гавани – «Семья». Здесь Кустодиев-муж и отец пишет близких с нежностью голландского мастера. Жена Юлия Евстафьевна, дети, брат... Но царит тут, конечно, Ирина – дочь, главная муза художника с младенческих лет. Она же позже станет и его... Венерой. Но об этом – чуть позже.

А дальше – эпицентр! «Страна Кустодия», названная так писателем Евгением Замятиным. Вот она, знакомая всем по учебникам Русь-матушка в ее кустодиевском преломлении: ярмарки, трещащие от пестроты, шумные масленичные гулянья («Масленица», 1916 – эталон жанра!), ну и, конечно, царицы этого пиршества жизни – Купчихи. Они здесь – отдельная каста. Эти величественные, румяные, благоухающие пирогами и самоварным паром дамы («Купчиха за чаем», 1918; «Красавица», 1915) – настоящий национальный бренд. «Кустодиевская женщина» – выражение, вошедшее в плоть и кровь русской культуры, эталон телесной и душевной полноты.

Не могла выставка обойтись без «Театра». А для Кустодиева вся жизнь была театром! Жемчужина раздела – эскизы к легендарной «Блохе» по Лескову – буйство красок и форм, чистой воды балаган в духе народного лубка, но доведенный до гротескного совершенства. Говорят, Кустодиев так вжился в роль, что его декорации диктовали режиссуре, как себя вести. Сила образа!

Шедевры с историей: русская Венера и чаепитие на фоне революции

Среди сокровищ выставки – работы с особым шармом и драмой.

• «Русская Венера» (1925-1926): написанная за год до смерти... на обороте другой картины («На террасе»)! Ирония судьбы или экономия холста в трудные времена? Наша Венера (снова Ирина!) лишена античной стыдливости – она уверенно позирует, воплощая кустодиевский идеал красоты: пышная, румяная, жизнеутверждающая. Финал галереи его красавиц – и вызов классическим канонам.

• «Купчиха за чаем» (1918): главный хит и эмблема выставки. А теперь представьте: Петроград 1918 года. Холод, голод, разруха. А Кустодиев, прикованный к креслу, пишет... вот ЭТО! Горы булок, арбуз, томный кот и сама купчиха – баронесса Галина Адеркас, соседка художника, – как манифест изобилия и невозмутимости. Гимн жизни на развалинах империи. Сила духа? Или победа искусства над реальностью?

• Портрет Шаляпина (1921): великий бас в мехах на фоне зимней ярмарки. Колоритно? Еще бы! История шубы, в которой он позировал, достойна анекдота: говорят, Шаляпин расплатился ею за концерт, а происхождение меха было... скажем так, сомнительным. Кустодиев, впрочем, был очарован ее фактурой – и характером.

Кустодиев: семинарист, паралитик и волшебник «Вечной Масленицы»

За яркими полотнами – судьба, полная контрастов:

• Родился в семье священника, учился в семинарии. Но судьбу переломила выставка передвижников в Астрахани: 11-летний Боря увидел живопись – и точка. Ряса была забыта.

• Талантливейший ученик Репина в Академии Художеств. Помогал мэтру в грандиозном «Торжественном заседании Государственного совета» – написал добрую треть портретов сановников. Тренировка для будущего летописца русских типов!

• Главный Парадокс: с 1916 года, после неудачных операций на позвоночнике, Кустодиев был частично парализован. Не вставал с кресла. Но именно в эти 11 лет (!) он создал свои самые жизнерадостные, взрывные шедевры: «Масленицы», «Купчихи», «Русскую Венеру». «Весь организм его, кроме мозга, сердца и рук, был поражен», – писали современники. Но рука выводила праздник. Эскапизм? Триумф духа? И то, и другое.

• Обожал старых мастеров: Тициана, Рубенса, Веласкеса. Их влияние – в сочной плоти его красавиц («рубенсовские формы в телогрейках», как шутили), в любви к плотному, материальному миру.

• Обладал феноменальной зрительной памятью. Мог воспроизвести вывеску любой лавчонки или фонарь с перекрестка – детали, из которых и складывалась достоверность его вымышленной «Кустодии».

• Был острым карикатуристом в 1905-1907 гг. (журналы «Жупел», «Адская почта»). Его карикатура на царскую династию даже привела к закрытию «Жупела». Чувство юмора, даже сарказма, ему было не чуждо (хотя этот раздел его творчества слабо представлен на выставке).

«Страна Кустодия»: не убежище, а манифест

Этот термин Замятина – ключ к пониманию Кустодиева. «Кустодиев видел Русь другими глазами, чем я, — его глаза были куда ласковей и мягче». «Страна Кустодия» – не бегство от реальности (хотя и это тоже), а созданный художником идеал: Россия вечного праздника, изобилия, гармонии, где красота – телесна, а радость – шумна и проста. Это его ответ боли, утратам, революционному хаосу. Чем мрачнее было вокруг, тем ярче горели краски на его палитре.

Кустодиев мыслил театрально. Его эскизы к «Блохе» – квинтэссенция его стиля. Лубок, буффонада, карнавальная вольность – все, чем жила его живопись, здесь вырвалось на свободу. История их создания – анекдот: изначально заказ был у другого художника, но Кустодиев ворвался со своими эскизами – такими мощными, что они подчинили себе весь спектакль. Такова сила его визуального мира!

Выставка в Третьяковке – билет в «Страну Кустодию», которую художник строил как крепость против тьмы – своей личной тьмы болезни и тьмы исторических бурь. Здесь вечно празднуют Масленицу, купчихи невозмутимо пьют чай, а красота – пышна, румяна и бесстыдна. Это гимн жизни, написанный человеком, прикованным к инвалидному креслу. Путешествие в эту утраченную (или, может, никогда не существовавшую?) Россию не только дарит эстетическое наслаждение, но и заставляет задуматься о силе искусства, парадоксах творчества и о том, как много может один человек с кистью, вопреки всему.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Искусство, которое не приняли

Врубель осмелился применить в «Утре» технику и стиль, выбивающиеся из привычных канонов. Он делал акцент на декоративности, словно перенося орнаментальность витражей в живопись. Листья и лепестки выписаны пятнами, похожими на разноцветную мозаику, и от этого вся композиция будто мерцает. В те времена подобный эффект расценивали как насмешку над классикой и записывали в «декаданс» — направление, которое тогда считали чуть ли не сумасшествием.

Сюжет, символы и мифические мотивы

Вглядываясь в «Утро», замечаешь фигуры женщин, которые ассоциируются с богинями зари — Эос, Авророй, в общем с утренним светом. У Врубеля эта женская сущность пробуждает мир, заряжает творческой энергией. Зелень вокруг — не просто декоративный фон, а намек на вечное обновление природы. И кто знает, не «райский» ли это сад с идеальной гармонией между божественным и земным миром?

Погружаясь в картину, словно чувствуешь дыхание таинственных зарослей, где на рассвете пробуждаются то ли феи, то ли нимфы, то ли неведомые духи. Для публики XIX века подобные изображения были шокирующими: где классическая перспектива, где привычное изображение человека? Здесь все выглядело «сломанным» и «раздробленным». В итоге многие критики высмеивали «Утро», нарекая его плодом болезненного воображения.

Критика «Утра»

Самый яркий пример того, как «новое» искусство не принимали, — карикатуры. Так, художник Павел Щербов в работе «Зальцбург» изобразил сценку, где покупатель и продавец обсуждают висящее «одеяло». Надпись на нём гласит: «Брось, бабка, торговаться; сказано: одеяло – в рубель... Ведь я его не на свалке выгреб, а в больнице у Фрея выудил!».

Под одеялом имеется в виду панно «Утро» Врубеля (цена «в рубель» отсылает к фамилии художника), «добытое» якобы в психиатрической больнице у доктора Фрея. Намек: подобное произведение мог создать лишь нездоровый человек. Ироничнее всего, что в тот период Врубель еще не страдал болезнью, зато через несколько лет у него и впрямь начались тяжелые психические эпизоды — судьба уготовила художнику поистине трагическую иронию.

В роли «бабки» на карикатуре выступала княгиня Мария Тенишева — меценат и покровительница молодых художников. Покупка «Утра» вызвала шок у традиционно настроенной публики, будто подтверждая их страх, что «безумное» искусство вторгается в святая святых.

Заключение

Сегодня панно «Утро» мы воспринимаем как выдающийся эксперимент с формой и цветом — один из первых шагов русского модерна. Но когда-то оно было объектом насмешек и прямо указывало на «безумие» автора. История Врубеля напоминает нам, что самые новаторские идеи поначалу часто вызывают непонимание и жестокую критику. А карикатуры, сохранившиеся с тех времен, помогают увидеть, как менялся культурный контекст и какие споры бушевали вокруг того, что теперь принято считать классикой.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично»

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Так родился замысел одной из самых узнаваемых картин русского искусства. Хотя «замысел» – громко сказано. Скорее, Серов инстинктивно схватился за кисть, чтобы поймать ускользающее: эту самую детскую непосредственность, свежесть, которой, как он считал, так не хватало академическим полотнам. «Очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, — вот как у старых мастеров» – признавался он позже. И началось... Два долгих месяца (вечность для егозы Веры!) юная Мамонтова терпела муки позирования. «Измучил ее, бедную, до смерти», – сокрушался художник, но был непреклонен. Ему нужно было чудо.

И чудо случилось в той самой абрамцевской столовой. Серов пишет Веру в ее любимом розоватом платье с черно-белым гороховым бантом. За ее спиной – окно, залитое рассеянным светом, наполняющим комнату теплым воздухом и легкостью. Убегающая диагональ стола уводит взгляд в дверной проем, добавляя пространству дыхания. А на заднем плане, как молчаливый свидетель истории, замер деревянный раскрашенный гренадер – трофей Мамонтовых из Троице-Сергиевой лавры (говорят, раскрасил его сам Серов!).

Магия кисти и гениальный контраст

Что покоряет в «Девочке с персиками» сразу? Эта невероятная, почти осязаемая свежесть. Серов добился ее новаторски: вместо привычных четких контуров – мерцающие, подвижные мазки. Некоторым современникам это казалось... недоделкой. Но художник просто опережал время, интуитивно найдя язык, который позже назовут импрессионизмом. Ирония судьбы: с французскими импрессионистами он тогда знаком не был! Русский импрессионизм рождался тут, в Абрамцево, и был он особенным – не парижская суета, а тихая поэзия усадебной жизни, где свет и воздух становятся главными героями.

Серов виртуозно играет на контрастах: но не на черном и белом, а на теплом и холодном. Холодные голубовато-зеленые тона фона и стола – и теплое сияние Веры: ее смуглая кожа с румянцем, карие глаза, темные волосы. Розово-белая гамма платья и персиков – и дерзкий черно-белый бант. Тончайшая лепка лица, где виден каждый оттенок жизни – и смелые, почти эскизные мазки на руках, скатерти, листьях. Кажется, вот-вот дрогнет ресница, и Вера сорвется с места – ее спокойствие обманчиво. Взгляд! Загадочный, чуть хитрющий, полный ожидания: вот закончу позировать и снова в сад, к играм!

Успех в художественном мире

Когда картина (кстати, сам Серов скромно назвал ее «Портрет Веры Саввишны Мамонтовой», размером 91 на 85 см, масло) была представлена, она мгновенно вызвала бурную реакцию. Молодого Серова в 1888 году награждают премией Московского общества любителей художеств, и он мгновенно становится самым модным портретистом. И неспроста. «Девочка с персиками» – это манифест. Манифест против мрачноватого критического реализма передвижников. Здесь восторжествовал «реализм поэтический»: лирика, восхищение юностью, красотой, самой жизнью. Серов показал, что реализм может быть наполнен светом, воздухом и чистой, ничем не омраченной радостью бытия. Его картина улыбалась солнцу и стала символом поворота русского искусства к новым горизонтам, к поиску красоты в повседневном, к очарованию мгновения.

Судьбы

Подаренная матери Веры, Елизавете Мамонтовой, картина долго висела там, где и родилась – в абрамцевской столовой. Лишь в 1929 году она обрела свой вечный дом – Государственную Третьяковскую галерею, где и поныне покоряет зрителей. В Абрамцево и сейчас хранится копия – как напоминание о гении места.

Судьба же самой Веры Мамонтовой (в замужестве Самариной) сложилась трагически коротко. Вышла замуж, родила троих детей, но в 32 года, в 1907 году, ее унесла пневмония. Ее муж, Александр Самарин, в память о ней воздвиг церковь Живоначальной Троицы близ их усадьбы.

Но на холсте Серова Вера Мамонтова навсегда осталась чуть затаившей дыхание девочкой с персиком в руках – вечным символом юности, света и того самого «отрадного», которое гениальный Валентин Серов сумел поймать и подарить миру.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.