Эта книга — пример того, как важно обсуждать свет и тень в искусстве. Книга, впервые опубликованная в 1995 году для сопровождения выставки в Национальной галерее в Лондоне, она и сегодня служит окном в эту богатую и важную тему.
Эрнст Гомбрих, один из самых выдающихся историков искусства, в своей интригующей книге проводит нас через века художественных экспериментов с тенями. Он показывает, как художники эпохи Возрождения, такие как Леонардо да Винчи и Караваджо, мастерски использовали тени для создания глубины и реализма.
Но на этом история не заканчивается. Гомбрих рассказывает, как романтики, импрессионисты и сюрреалисты использовали тени для создания драматических эффектов и усиления эмоционального воздействия своих работ. Представьте себе картины Клода Моне, где мягкие тени создают иллюзию движения воды, или работы Сальвадора Дали, где тени придают сюрреалистический оттенок его фантастическим композициям.
Особое внимание Гомбрих уделяет тем произведениям, где тени служат не только для придания реализма, но и для передачи глубоких моральных и философских смыслов. Например, Отто ван Веен превращает тень Купидона в зловещее привидение, показывая, что любовь может породить зависть и ревность. Здесь тень становится мощным инструментом для выражения сильных эмоций и нравоучений.
Отто ван Веен. Тень купидона. 1608
Кубизм вернул теням значимость, используя их как инструмент для направления и запутывания зрителя. Позже сюрреалисты, стремясь усилить атмосферу таинственности, активно применяли тени. Взгляните на сновидческие видения Джорджо де Кирико: на его пустынных городских площадях резкие тени от статуй и зданий создают тревожную и загадочную атмосферу.
Перспектива всегда была ключевым элементом в искусстве для передачи различных настроений. Эрнст Гомбрих подчеркивает ее особую важность в кубизме и сюрреализме. Мизансцена на картинах де Кирико, с акцентом на тени, усиливает идею "загадки", а запутанная перспектива открывает новые способы понимания света и темноты.
Джорджо де Кирико. Загадка одного дня. 1914
Как отмечает Гомбрих, карикатурист XIX века Жан Гранвиль возродил моду на силуэтный портрет. Его работа, в которой тени членов французского кабинета превращались в образы пьяницы, дьявола, свиньи и простофили (индюка), раскрывала истинную сущность персонажей.
Жан Гранвиль. Важность тени. 1830
Книга Гомбриха стала отправной точкой для дальнейших исследований о роли теней в искусстве. Однако надо понимать, что за анализом теней в ней скрывается приглашение задуматься о том, как даже самые мимолетные детали могут нести глубокий смысл. Открыв эту книгу, вы позволите теням рассказать вам свою историю.
Титры
Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».
P. S. Материал подготовлен на основе моих заметок про «Тени…», сделанных для авторского книжного клуба по искусству. О желании вступить в клуб, а также задать вопрос — пишите мне в личные сообщения!
Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды
Прославленные голландскими и фламандскими художниками XVI-XVII веков, натюрморты vanitas представляют собой глубокие философские размышления о быстротечности жизни и тщетности материализма. Эти произведения искусства не только восхищают глаз своей красотой, но и заставляют задуматься о бренности бытия. Мастера того времени использовали возможность рисовать красивые и дорогие предметы, оправдывая это моральными уроками, скрытыми в их композициях.
Пьетро Франческо Читтадини. Vanitas со скрипкой, партитурой, цветочной вазой и черепом. 1681
Одним из наиболее тяжеловесных символов в этих натюрмортах является череп — яркое и мрачное напоминание о неизбежности смерти. Этот символ, известный как Memento Mori (латинская фраза, означающая "Помни, что ты умрешь"), проникает в сознание зрителя, заставляя его задуматься о смысле жизни и собственной смертности.
Поль Сезанн. Натюрморт с черепом. 1898
Переходя к эпохе раннего модернизма, мы встречаем Поля Сезанна, художника, известного своими экспериментами с формой, цветом и перспективой в натюрмортах. В последние годы своей жизни Сезанн начал включать в свои композиции черепа, что, возможно, свидетельствует о его растущем осознании собственной смертности. В одном из таких натюрмортов контраст между безжизненным черепом и яркими спелыми фруктами особенно выразителен и призрачен. Череп словно тянет зрителя в холодный мир неизбежного конца, тогда как фрукты манят своей жизненной энергией и сочностью.
Этот контраст подчеркивает дуализм жизни и смерти, красоты и тленности. Вглядываясь в эти произведения искусства, мы не можем не задуматься о собственном месте в этом мире и о том, как быстро проходит время.
Свечи
Еще один распространенный компонент натюрмортов vanitas — свечи — олицетворяет неизбежное течение времени. Как песчинки в песочных часах, они медленно сгорают, уменьшаясь с каждой секундой, пока не останется ничего, кроме тонкого следа дыма. Зажженная свеча, с ее теплым и мерцающим светом, символизирует свет истины и знания, освещая темные уголки нашего разума. Но когда пламя гаснет, остается лишь холодная пустота, символизирующая потерю и смерть. В христианской традиции ярко горящая свеча представляет собой веру в Бога или свет Христа, ведущий нас сквозь мрак земного существования. Масляные лампы и другие источники света также часто появляются в натюрмортах, передавая те же глубокие смыслы.
Винсент Ван Гог. Натюрморт с библией. 1885
Постимпрессионистский "Натюрморт с Библией" Винсента Ван Гога — произведение, которое выделяется своей простотой и мрачностью, контрастируя с более известными, яркими полотнами художника. Эта картина была написана незадолго до смерти его отца, протестантского священника. На холсте изображены погасшая свеча, Библия, принадлежавшая его отцу, и современная светская книга — возможно, роман или философский труд. Свеча, расположенная рядом с этими двумя книгами, может быть многозначительным символом: неудачная попытка Ван Гога стать священником, как его отец, или предчувствие скорой смерти родителя. В этой композиции каждый элемент говорит о борьбе между духовным и мирским, о вечной дилемме выбора пути и о неизбежности конечного исхода.
Зеркало
С давних времен люди верили, что душа человека заключена в его отражении. Эта мистическая связь между человеком и его зеркальным двойником на протяжении веков вдохновляла художников и поэтов, рождая множество легенд и суеверий. Зеркала, как магические порталы в иной мир, фигурировали в самых разных произведениях искусства, начиная от древних мифов и заканчивая современными картинами. Они могут олицетворять как правду и уверенность в себе, так и тщеславие и искажения — все зависит от того, кто смотрит на свое отражение. Разбитое зеркало издавна считалось дурным предзнаменованием, предвещающим семь лет несчастий.
Рой Лихтенштейн. Натюрморт с зеркалом. 1972
Для талантливого художника стеклянные предметы и поверхности открывали возможность искусно передать сложные визуальные эффекты прозрачности и отражения. В эпоху Возрождения мастера использовали зеркала для создания иллюзии глубины и пространства в своих картинах, а барочные художники любили играть с отражениями, создавая многослойные композиции. Кроме того, поскольку зеркала когда-то были непомерно дороги для большинства людей, покровители натюрмортов могли демонстрировать свое богатство через изображение этих драгоценных предметов.
“Натюрморт с зеркалом" Роя Лихтенштейна исследует многовековую традицию через призму поп-арта конца XX века. В своей работе Лихтенштейн мастерски сочетает классические элементы с современными символами массовой культуры. Предметы натюрморта — зеркало и корзина с фруктами — являются традиционными символами, которые зрителям предлагается рассмотреть в контексте медийного мира и явлений поп-культуры. В этой картине он создает диалог между прошлым и настоящим, показывая, как изменилось наше восприятие искусства и самого себя в эпоху информационного взрыва.
Насекомые
Насекомые часто становятся неотъемлемой частью натюрмортов с цветами и едой, особенно в картинах жанра vanitas. Эти крошечные существа несут в себе глубокие символические значения. В целом насекомые символизируют жадность или упадок, но каждое из них имеет свои уникальные ассоциации. Бабочки, например, олицетворяют трансформацию и, в христианской традиции, воскрешение, что делает их символами надежды и возрождения. В противоположность им стрекозы представляют мирскую суету и смерть; они часто изображаются охотящимися на более мелких насекомых, подчеркивая тем самым свою хищную природу.
В эпоху раннего Возрождения улитки были связаны с непорочным зачатием Девы Марии, так как считалось, что они размножаются бесполым путем. Этот факт добавляет еще один слой символизма в картины того времени.
Бальтазар ван дер Аст. Натюрморт с цветами, фруктами, ракушками и насекомыми. Ок. 1629
На одном из голландских натюрмортов Золотого века, созданном Бальтазаром ван дер Астом, разнообразные крошечные насекомые разбросаны по всей композиции. На первый взгляд их присутствие может показаться случайным, но на самом деле расположение каждого насекомого тщательно продумано. Они привлекают внимание к надвигающемуся разложению фруктов и цветов, процесс которого уже начался. Неизбежность распада и смерти еще больше подчеркивают перевернутая корзина и зловещая стрекоза, парящая над сценой.
Эта картина является ярким примером того, как художники Золотого века использовали символику насекомых для передачи глубоких философских и религиозных идей. Каждое насекомое на полотне — важная часть общей композиции, которая заставляет зрителя задуматься о быстротечности жизни и неизбежности смерти.
Музыкальные инструменты
Музыкальные инструменты на протяжении многих веков не просто считались предметами роскоши – они были символами статуса, богатства и принадлежности к определенной культуре. Величественные скрипки, изящные флейты и изогнутые гитары часто включали в натюрморты, чтобы продемонстрировать не только материальное благополучие покровителя, но и его утонченный вкус и музыкальный талант. Однако за этими инструментами скрывается гораздо более глубокий смысл.
Питер Клас. Натюрморт с музыкальными инструментами. 1623
Музыка, как правило, символизирует отдых или праздник, но в натюрмортах она может приобретать мрачные оттенки. В жанре vanitas скрипка может напоминать зрителям о быстротечности времени и о том, что всему прекрасному приходит конец. Оборванные или отсутствующие струны скрипки становятся метафорой разлада или даже смерти. Флейты издавна ассоциировались с опьянением Вакха – бога вина и веселья – а также с грехами похоти и лени, что добавляет инструментам двойственный характер. Изогнутые формы многих инструментов, таких как гитара, перекликаются с органическими формами человеческого тела, что делает их еще более интригующими.
Пабло Пикассо. Мандолина и гитара. 1924
Погружаясь в мир кубизма, мы встречаем картину Пабло Пикассо "Мандолина и гитара", которая смело игнорирует большинство условностей живописи натюрморта и его традиционную иконографию. Пикассо разрушает привычные границы, создавая новые смыслы и интерпретации. Тем не менее, стоит задуматься о символизме струнных инструментов на его полотне – возможно, они символизируют шум современной жизни или быстротечность стремительно развивающегося мира искусства XX века.
Дичь и мясо
Рыба и мясо — символы роскоши и изобилия, но также обжорства и искушения. Эти продукты питания, столь привычные на наших столах, когда-то были предметом восхищения и зависти, украшая полотна великих мастеров.
В XVII веке, эпоху голландского Золотого века, натюрморты с изображением дичи стали необычайно популярными. Этот феномен часто вызывает недоумение у зрителей XXI века, привыкших к более гуманистическим темам в искусстве. Однако в те времена спортивная охота была не только привилегией богатых, но и важной частью международной торговли. Натюрморты, на которых запечатлены высокодетализированные охотничьи трофеи и туши экзотических животных, пользовались огромным спросом. Эти произведения искусства также вписывались в традицию vanitas — напоминания о бренности человеческой жизни и неизбежности смерти.
Хуан Санчес Котан. Натюрморт с убитой птицей, фруктами и овощами. 1602
Картины с охоничьими трофеями часто сопровождались изображениями других продуктов питания, что позволяло художникам демонстрировать кулинарные особенности определенного региона или покровителя. Например, на испанской картине начала XVII века "Натюрморт с убитой птицей, фруктами и овощами" Хуан Санчес Котан мастерски использует дичь для того, чтобы показать противоречивые склонности человечества к макабрическому и прекрасному. В его работах можно увидеть не только удовольствие и удовлетворение от охоты, но и притягательность приобретения товаров и сложные отношения между людьми и природой.
Серебро и золото
Включение драгоценных металлов в натюрморты – это не просто демонстрация мастерства художника в изображении отражающих текстур, но и свидетельство о богатстве и статусе покровителя. В натюрморте vanitas блеск золотых и серебряных украшений усиливает драму между материализмом и моралью, словно напоминая зрителю о бренности земных удовольствий. В религиозных композициях золото символизирует священность и вечность, отражая божественную природу предметов. Серебро, как зеркало, может быть метафорой души человека, показывая его истинную сущность – будь то светлая или темная.
Питер Боэль. Натюрморт с глобусом и попугаем. Ок. 1658
Золотые и серебряные предметы в натюрмортах также могут нести националистический подтекст, представляя культурные особенности родины художника или демонстрируя его опыт в международной торговле и путешествиях. Например, в позднебарочном натюрморте Александра-Франсуа Депорта, серебряные бокалы и изысканные блюда создают богатую композицию, отражающую роскошный образ жизни владельца картины. Короли и представители элиты часто заказывали у Депорта натюрморты, чтобы подчеркнуть свое богатство и изысканный вкус, который был ярким символом французской культуры того времени.
Александр-Франсуа Депорт. Натюрморт с серебром. Ок. 1720.
Что касается тонкого фарфора и золотых тарелок, то здесь художник должен был проявлять особую осторожность. Слишком много золота могло показаться не только безвкусным, но и греховным. Аляповатые и перевернутые золотые тарелки несли в себе мощное предупреждение: чрезмерное богатство ведет к разорению. Эти детали словно шепчут зрителю о том, что за блеском и роскошью всегда скрываются опасности, и что истинная ценность вещей заключается не в их материальной стоимости, а в духовной значимости.
Таким образом, натюрморты не просто демонстрируют богатство и роскошь; они рассказывают истории о человеческих страстях и слабостях, о стремлении к красоте и неизбежной тленности всего сущего. Вглядываясь в эти картины, мы можем почувствовать дыхание прошлого и задуматься о том, как мало изменилось наше отношение к материальному миру за столетия.
Возвращаясь к символике: каждый элемент в натюрморте имеет значение. Ягоды могут символизировать мимолетность жизни, а бабочка — душу. Эти скрытые смыслы делают натюрморты не просто красивыми картинами, но и глубокими философскими произведениями.
Так что в следующий раз, когда будете смотреть на натюрморт, задумайтесь: что хотел сказать художник? Какую историю он прячет за этими тщательно расположенными предметами? Возможно, вы увидите больше, чем просто красиво накрытый стол.
Титры
Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».
Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды
Скрытые смыслы делают натюрморты не просто красивыми картинами, но и глубокими философскими произведениями.
Независимо от эпохи, в которую они были созданы, натюрморты всегда дарят нам ощущение, что мы подглядываем за столом, накрытым для ночи романтики, чревоугодия или тайного свидания. Мы словно оказываемся в тайной сцене, где только самые изысканные угощения, или на вечеринке в другом измерении, где вино переливается через край. Для большинства из нас фантазии на этом заканчиваются. Но что, если я скажу вам, что в чаше со сладким ягодным вином скрыт тайный смысл? Или бабочка, так ловко сидящая на бисквите, несет в себе загадку?
Звучит абсурдно? И тем не менее, натюрморт имеет много общего с нашими современными представлениями об идеальной фотографии для соцсетей: и то, и другое должно выглядеть безупречно с оттенком откровенности. Искусство натюрморта часто недооценивалось и воспринималось скорее как декор, чем как полноценное произведение искусства. Его ценность зависела от точности техники trompe-l'œil — "обмана зрения", который достигался через реалистичное изображение предметов.
Ян Давидс де Хем. Натюрморт с фруктами и омаром. Ок. 1660-х
Вспомним великих мастеров натюрморта: голландцы XVI-XVII веков были настоящими виртуозами этого жанра. Но не только они — фламандцы, немцы, итальянцы и даже французы внесли свой вклад. Французский термин "nature morte" буквально означает "мертвая природа", итальянский аналог звучит так же мрачно. Немцы называли это искусство "Stillleben", англичане - “Still life”, и то, и другое можно перевести как "замершая жизнь". Немного макабрично, не находите?
Ян Брейгель, сын знаменитого фламандского художника Питера Брейгеля Старшего, известного своими безумными картинами Северного Возрождения, на которых люди весело проводят время, стал одним из самых уважаемых художников-флористов своего времени. Хотя до наших дней дошло не так много его работ, каждое из его произведений — это настоящий шедевр, наполненный живыми красками и тонкими деталями.
Ян Брейгель Старший. Цветы в деревянном сосуде. 1603
Фламандский художник Осиас Берт и немец Георг Флегель стали пионерами жанра натюрморта, создавая свои миниатюрные вселенные из бабочек, вафель, вина и сладостей. Их картины — настоящие пиршества для глаз, где каждый элемент тщательно продуман и несет в себе скрытый смысл.
Георг Флегель. Натюрморт с хлебом и кондитерскими изделиями. 1630
Интерес к натюрмортам возрос ещё больше после того, как голландская реформатская протестантская церковь запретила создание изображений на религиозную тему (это была форма иконоборчества). Художники начали использовать повседневные предметы как символы для передачи религиозных тем. Так, обычные вещи стали кодами, скрывающими в себе глубокие духовные послания.
Одной из самых символически насыщенных картин того времени стал "Десертный натюрморт" Георга Флегеля. На этой картине мышь и птица сидят рядом с кучей фруктов, орехов и сладостей. Древесная текстура грецкого ореха символизирует крест, вино и виноград — Святое причастие; белый цветок — Иисуса, а монеты — предательство Иуды за деньги. Птица, более благородное существо по сравнению с обитающей на земле мышью (связанной с сатаной), охраняет священные орехи. Эта картина была своего рода визуальной шпаргалкой по библейскому тексту.
Георг Флегель. Десерт. 1630-е
Натюрморты и их скрытые символы стали особенно популярны среди среднего класса. Тайные смыслы, скрывающиеся за картинами, породили несколько поджанров, включая цветочные натюрморты, картины для завтрака, банкетные натюрморты и мой личный фаворит — vanitas. Эти произведения искусства не только радовали глаз, но и заставляли задуматься о бренности жизни и вечных истинах.
В статье я собрала десять предметов, часто встречающихся в натюрмортах на протяжении всей истории человечества, и их распространенные символические значения.
Фрукты
Фрукты, пожалуй, одни из самых излюбленных элементов натюрмортов на протяжении многих веков. Представьте себе корзину, переливающуюся яркими красками и манящую разнообразием форм и фактур. Художники использовали её не только для демонстрации своего мастерства, но и для передачи глубоких религиозных и мифических символов. В христианстве, например, яблоки символизируют искушение и знание, отсылая нас к древнему рассказу о том, как Ева вкусила запретный плод в Эдемском саду. Виноград же, с его сочными гроздьями, воплощает темы удовольствия и страсти, связанные с Вакхом — богом вина. А гранаты, раскрывающие свои алые зерна, ассоциируются с Персефоной, греческой богиней весны и королевой подземного мира.
Караваджо. Корзина с фруктами. Ок. 1599
Одним из самых захватывающих примеров натюрморта является работа итальянского мастера эпохи барокко Караваджо. На его полотне изображена на первый взгляд обычная корзина с фруктами, но при внимательном рассмотрении зритель замечает, что некоторые плоды начинают гнить и покрываться червями. Этот реалистичный и в то же время мрачный образ может тонко намекать на внутренние чувства художника по поводу происходящих в Италии протестантской реформации и католической контрреформации. Возможно, Караваджо хотел показать, что под внешним блеском и красотой скрываются разложение и упадок.
Ракушки
Представьте себе мир, где каждая ракушка на берегу океана хранит в себе тайны веков. Эти изящные природные творения не только ассоциируются с женственностью, но и несут в себе глубокий символизм рождения и удачи. В христианской традиции ракушки становятся метафорами крещения и воскрешения, воплощая духовное обновление. Особенно примечательны раковины морских гребешков, которые связаны со святым Иаковом, одним из двенадцати апостолов Иисуса Христа, и символом паломничества.
Осиас Берт. Блюда с устрицами, фруктами и вином. 1620-1624
Перенесемся в XVII век — эпоху голландского Золотого века, когда натюрморты с устрицами украшали столы знати. Интересно, что тогда устрицы не считались деликатесом, как сегодня, а были обыденной пищей. Но их символика оставалась неизменной: как и другие раковины, они олицетворяли рождение и плодородие. Жемчуг, рожденный внутри устриц, стал символом чистоты и совершенства. Спрятанная между створками жемчужина представляла собой скрытое знание и осведомленность — сокровища, доступные лишь тем, кто умеет искать.
Клара Петерс. Натюрморт с рыбой, морепродуктами и цветами. Ок. 1612-15
Один из ярких примеров этого искусства — натюрморт Клары Петерс с устрицами и ракушками на переднем плане: не просто изображение банкетного стола; а приглашение к размышлению о моральных и религиозных идеях через призму кулинарных изысков. Зрители могли наслаждаться визуальным пиршеством и одновременно погружаться в глубокие философские размышления, которые символизировал каждый элемент композиции.
Цветы
Красивый букет цветов в полном цвету — это целая вселенная смыслов и эмоций. Он может символизировать жизнь, веру, рост и силу, напоминая нам о том, как природа щедра и великолепна. Представьте себе, как яркие лепестки тянутся к солнцу, словно стремясь к чему-то большему. Но стоит этим цветам увянуть, как они превращаются в мрачное напоминание о хрупкости жизни, материальных благ и красоты. Каждый цветок рассказывает свою историю через свои оттенки и формы.
Например, ядовитый паслен с его тёмными ягодами предостерегает нас об опасности и обмане, маргаритки с их чистыми белыми лепестками говорят о невинности, маки — о сне или даже смерти, а красная роза — о любви и соблазне. В христианской символике красная роза также олицетворяет искупительную кровь Иисуса Христа, а белая лилия напоминает о чистоте и непорочном зачатии Девы Марии.
Рашель Рюйш. Натюрморт с цветами. Ок. 1750
В мире искусства цветы тоже занимают особое место. Рашель Рюйш, выдающаяся художница-натюрмортистка голландского Золотого века, завоевала мировую известность благодаря своим сложным и микроскопически детализированным натюрмортам с изображением цветов. Её работы поражают воображение: каждая деталь настолько тщательно прорисована, что кажется, будто цветы могут ожить прямо на полотне. Рюйш намеренно составляла букеты из цветов, которые в реальности не могли бы расцвести в один сезон, создавая таким образом идеальные вневременные композиции.
Каждый букет Рюйш был тщательно продуман и составлен так, чтобы продемонстрировать её глубокие знания о природе — будь то конкретные виды цветов или их состояния цветения. Эти работы напоминают нам о том, как важно ценить каждое мгновение жизни и видеть красоту даже в самых малых деталях.
Титры
Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».
Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды
Константин Юон (1875-1958) — российский и советский художник, чьё творчество на протяжении более пяти десятилетий охватывает множество стилистических направлений. Его работы являются уникального примером сочетания импрессионизма, реализма и лиризма. Судьба всегда благоволила ему: он прожил долгую жизнь, имел счастливый брак, был окружен любовью и никогда не знал нужды. Успех пришел к нему рано и остался верным спутником на протяжении всей жизни. Конечно, не обошлось без трудностей. Размолвка с отцом из-за женитьбы на крестьянке длилась несколько лет, а также ранняя смерть одного из сыновей оставила глубокий след в его сердце.
Константин Юон родился 12 октября 1875 года в Москве в семье со смешанными корнями: отец был швейцарско-русского происхождения и работал в страховом обществе, а мать происходила из немецкой семьи. Первые пять лет своей жизни Константин провел в уютном двухэтажном доме на 4-й Мещанской улице, окруженном садом с вязами, клумбами и скамейками. Мать Константина увлекалась искусством, что, возможно, повлияло на творческое развитие детей.
Константин Юон. Автопортрет. 1912
Уже в юности его талант был очевиден. В 1892 году Юон поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), где учился у таких мастеров, как К. А. Савицкий, Н. А. Касаткин, А. Е. Архипов и В. А. Серов. Его работы сразу привлекли внимание на ученических выставках — публика охотно раскупала их, что позволило ему путешествовать по России и Европе.
Константин Юон. Лодки у берега. Псков. 1904
С 1896 до конца 1900 года он жил в Париже, где работал в частных мастерских и создавал гравюры с пейзажей Камиля Писсарро и других импрессионистов, стараясь воспроизвести их в собственном стиле.
Константин Юон приобрел известность прежде всего благодаря своим пейзажам и городским видам. Как пейзажист он был популярен как среди московской, так и петербургской публики. Однако в течение своей жизни Юон также обращался к исторической живописи и портретному жанру.
Константин Юон. Голубой куст. 1908
Вскоре после окончания училища Юон начал преподавать и посвятил этому занятию всю свою жизнь. Среди его учеников были такие выдающиеся личности, как В. И. Мухина и скульптор-анималист В. А. Ватагин. Они высоко ценили его наставничество и вклад в их развитие.
Начав с импрессионистических пейзажей под влиянием Камиля Писсарро и Парижа, Юон в своих ранних работах нередко тяготел к стилю модерн и символизму. Это особенно заметно в его композиционных приемах и работе с формой. В акварелях 1900-1910-х годов влияние импрессионизма проявляется в изображении ночных и вечерних городских сцен, как у его учителя Коровина.
У меня был такой рабочий метод: выносить на натуру холст, а потом дома продолжать работать в ожидании нового, подходящего момента в природе. Я по часам всегда знал, в какой момент придет нужное мне солнечное освещение, и приходил за час до этого момента, а когда этот момент наступал, я клал кисть и лишь наблюдал взаимосвязь всех частей картины, ее существо.
Константин Юон
Константин Юон. Комсомолки. Подмосковный молодняк. 1926
После революции Юон переключился на создание больших композиционных полотен. Исторические памятники, городские пейзажи и природа, которые раньше были центральными элементами его работ, теперь становятся фоном или местом действия. Эта смена роли привела к изменению стиля: вместо импрессионистических оттенков появились более реалистичные детали. В это время он также создал множество портретов. После революции почести сами находили его: высокие награды, звания и руководящие должности стали частью его жизни. Его картины всегда были желанны на выставках различного уровня.
Константин Юон. Новая планета. 1921
Лиризм в картинах Юона усиливался благодаря его интересу к русской истории и провинциальным мотивам. Вдохновленный культурой Древней Руси, традиционными ремеслами и художественными традициями, он постепенно приблизился к стилю палехских лаков. Помимо масла и холста, Юон начал использовать темперу и картон, традиционные техники древнерусских мастеров.
Константин Юон. Парад на Красной площади. 1942
К 1940-м годам Юон активно работал в стиле соцреализма. В 1951 году, в возрасте 76 лет, он вступил в КПСС. Несмотря на изменения в стиле и постоянные творческие поиски, его произведения всегда оставались графичными и декоративными, яркими и красочными, с узнаваемыми чертами импрессионизма и реализма, а также с уникальным лиризмом, присущим только ему.
Купил я у художника Константина Федоровича Юона семь эскизов к декорациям «Бориса Годунова», которые написаны нынче для Парижа, и каждый день любуюсь не налюбуюсь на них — превосходные вещи… Заплатил ему полторы тысячи рублей, а удовольствия имею на полтораста. Экая прелесть, ей-богу, — талантливый парень, черт его заласкай!
Федор Шаляпин, из письма Максиму Горькому
Юон также известен как талантливый театральный художник. В конце 1900-х — начале 1910-х годов он оформлял оперные постановки русских сезонов Сергея Дягилева в Париже. После революции он создавал декорации для спектаклей Московского Художественного театра и Малого театра. В 1945-1947 годах Юон был официальным художником Малого театра.
Константин Юон. Эскиз сцены для оперы "Борис Годунов". 1913
Художник активно участвовал в выставках Московского товарищества художников (1899, 1902), Товарищества передвижных художественных выставок (1900) и «Мира искусства» (1901, 1906). С 1903 года он был постоянным экспонентом Союза русских художников и с 1904 года входил в его Комитет. Он состоял членом многих художественных объединений, таких как Московское товарищество художников, «Мир искусства», Союз русских художников, Общество «Свободная эстетика» и Ассоциация художников революционной России (АХРР).
Константин Юон. Весенний солнечный день. 1910
Константин Юон. Конец зимы. Полдень. 1929
В советское время К. Ф. Юон занимал важные должности в художественном сообществе: он был директором Института истории и теории изобразительных искусств Академии художеств СССР (1948-1950) и первым секретарём Союза художников СССР (1956-1958). За свои заслуги он был удостоен Сталинской премии (1943) и ордена Ленина.
Константин Юон оставил значительный след в истории российского искусства не только благодаря своим картинам, но и через своих учеников. Хотя он малоизвестен широкой публике, его многогранное творчество и активное участие в культурной жизни страны делают его одной из ключевых фигур своего времени.
Титры
Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».
Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды
Что делать, если сам художник вдруг решает «переписать» свое великое творение? Насколько ему позволительно вмешиваться в судьбу картины, когда она уже обрела собственную жизнь за пределами мастерской? Одни утверждают, что автор должен иметь право до конца контролировать и освещение, и реставрацию своего произведения. Другие считают, что после ухода работы из мастерской ее дальнейшая жизнь только в руках зрителей и музейщиков.
Экспозиция Третьяковской галереи. Зал № 8 с картинами Ильи Репина. 1902. Источник-ГТГ
В русском искусстве есть яркий пример такой дилеммы — история вокруг шедевра Ильи Репина «Иван Грозный и сын его Иван». Картина была написана в 1884-1885 годы, но уже в 1913-м подверглась варварским порезам от молодого иконописца-старообрядца Абрама Балашова. Ко всеобщему ужасу, холст оказался сильно поврежден. Когда встал вопрос о реставрации, неожиданно приехал сам Репин. По сути, без согласования с музейными специалистами, он взялся «лечить» свое детище, просто переписав целые куски живописи — в том числе голову Ивана Грозного. Казалось бы, кто против того, чтобы автор восстановил собственное творение?
Однако в этот момент появляется Игорь Грабарь — известнейший знаток искусства и попечитель Третьяковской галереи, который, узнав о самовольной работе Репина, был вынужден вмешаться. Он обнаружил, что новые репиновские лиловые мазки отнюдь не гармонируют с прежней палитрой. Если бы он промедлил до утра, свежая краска застыла бы навсегда. Поэтому Грабарь, рискуя, попросту стер все, что написал Репин, вернув картине исторический облик 1885 года.
Согласитесь, это редкий случай: как можно так решительно обойтись с живописью самого автора? Но Грабарь был убежден, что именно зрелый Репин восьмидесятых — тот гений, чью работу должно увидеть будущее поколение. Конечно, художник мог вернуться и возмутиться, потребовав вернуть его нововведения. Однако Репин промолчал и уехал, оставив картину в прежнем, «молодом» виде.
Эта поздняя работа помогает предположить размах усилий Репина в 1913 году - Илья Репин. Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года. Авторский повтор. 1909 год. Воронежский областной художественный музей имени И. Н. Крамского
Эта поздняя работа помогает предположить размах усилий Репина в 1913 году - Илья Репин. Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года. Авторский повтор. 1909 год. Воронежский областной художественный музей имени И. Н. Крамского
К чему приводит эта история? Даже самый прославленный живописец способен «передумать», изменить свое раннее произведение и, возможно, испортить его. Если подобное приключилось с Репиным, то стоит задуматься, стоит ли давать художнику полную свободу касательно уже «отпущенного в мир» шедевра. Моя точка зрения: вмешательство допустимо лишь в крайнем случае и под присмотром специалистов, которые сохранят главное — изначальную энергетику и замысел автора на момент рождения картины. А как бы поступили вы?
Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года. Эскиз Ильи Репина. 1883, 1899 годы. ГТГ
Титры
Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».
Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.
Когда вы задумываетесь о человеческой природе, что приходит вам на ум? Порядок и рациональность? Или, может быть, хаос и безумие? Эти противоречивые черты живут в каждом из нас, и именно они формируют наши представления о добре и зле. Сегодня мы погрузимся в мир двух противоположных культурных концепций — аполлонической и дионисийской.
Взгляните вокруг: одни люди стремятся к порядку и гармонии, навязывая правила для любой ситуации, им нужны разум и логика. Другие же следуют своим импульсам, обожают свободу и ненавидят любые ограничения. На первый взгляд, это может показаться просто личностными различиями. Однако некоторые философы утверждают обратное — внутри каждого из нас идет непрекращающаяся битва. Локк и Юм, например, считают, что люди по своей природе добры, но жизнь вносит свои коррективы, формируя разнообразные восприятия и установки. Именно эти различия часто приводят к конфликтам и несоответствиям в наших жизненных позициях.
Эти противоречивые черты были подтверждены Кантом, который утверждал, что люди остаются незрелыми, иррациональными и эгоцентричными, пока не научатся дисциплинировать себя через признание моральных законов — императивов.
Ницше в своей первой работе «Рождение трагедии из духа музыки» ввел понятия аполлонического и дионисийского начал. Несмотря на то, что сам философ позже признавал эту работу сомнительной и странной, она заложила основу для многих его последующих трудов. Ницше утверждает, что эта дихотомия вечна и естественна для каждого человека; она проявляется не только в индивидуальной психологии, но и в искусстве, этике и политике.
Термины "аполлоническое" и "дионисийское" — это философские понятия, представляющие собой диалектическую дуэль между фигурами Аполлона и Диониса, двух богов искусства в греческой мифологии. Аполлон — это бог рациональности, порядка, точности и чистоты. Дионис, напротив, воплощает иррациональность и хаос, эмоции и человеческие инстинкты.
Аполлоническая культура названа в честь Аполлона, бога света, разума и гармонии. Она воплощает собой порядок, ясность и рациональность. В этой культуре высоко ценятся симметрия, пропорции и идеалы красоты. Колонны Парфенона или изящные линии классической греческой скульптуры — примеры аполлонического идеала. Философия Платона с ее стремлением к истине и гармонии также является ярким примером этой культуры. Рациональное мышление, основанное на логике и структуре, тоже аполлоническое; оно стремится расставить все по своим местам и четко отделять людей и идеи друг от друга.
Дионисийская культура названа в честь Диониса, бога вина, экстаза и хаоса. Она символизирует иррациональность, эмоции и страсть. Здесь на первый план выходят импульсивность, чувственность и стремление к освобождению от социальных норм. Вспомните античные безудержные праздники и ритуалы, полные экстаза и транса — это квинтэссенция дионисийской культуры. Искусство модернизма с его эмоциональной экспрессией также можно считать проявлением этого культурного течения. Дионисийцы не признают категорий; они стирают границы между собой и природой, погружаясь в мир чувств и инстинктов. Представьте себя на концерте, где музыка проникает в самую глубь вашей души. Это дионисийское искусство — оно обращено не к разуму, а к эмоциям.
Хотя аполлоническая и дионисийская культуры кажутся противоположными, они часто взаимодействуют и дополняют друг друга. Аполлоническая культура стремится к порядку и ясности, тогда как дионисийская привносит энергию и эмоциональную глубину. Вместе они создают богатую и многогранную картину человеческого опыта. Иными словами: без хаоса не было бы порядка, а без порядка — хаоса.
По мнению Ницше, искусство развивается благодаря вечной борьбе между аполлоническим и дионисийским началами. Эти противоположные силы всегда находятся в конфликте, подобно тому как воспроизводство вида зависит от дуализма полов с их бесконечными столкновениями и редкими моментами примирения.
Сократ, с его непреклонной верой в логику и рациональность, привел греческую культуру обратно к аполлоническому типу. Этот переход ознаменовал собой начало доминирования порядка и структурированности, которые постепенно вытесняли другие аспекты жизни, особенно те, что были связаны с дионисийским началом.
В какой-то момент аполлоническое начало в западной цивилизации стало преобладать настолько, что снизило чистый смысл человеческого существования. Ницше связывал аполлоническое с шопенгауэровским principium individuationis — принципом индивидуализации, который изображает человека, запертого в иллюзорной реальности.
Шопенгауэр описывает это так:
"Ибо подобно тому как среди бушующего беспредельного моря, с воем вздымающего и опускающего водяные громады, сидит пловец в челноке, доверяясь утлому судну, — так среди мира страданий спокойно живет отдельный человек, доверчиво опираясь на principium individuationis, или тот способ, каким индивид познает вещи в качестве явления."
Это означает, что аполлонисты формируют непоколебимую веру в абсолютную ценность каждого человека, игнорируя природные данности. Однако эта иллюзия лишь увеличивает дистанцию между человеком и его человечностью.
Именно здесь возникает необходимость поднять дионисийский поток, чтобы освободить людей от пелены. Вместо того, чтобы апеллировать исключительно к одному началу, следует использовать преимущества обоих как единого целого. Таким образом, можно достичь гармонии между разумом и интуицией, порядком и хаосом.
В наши дни многие упрощают дионисийское начало, предпочитая поощрять лишь рациональную и структурированную часть человеческого потенциала. Ницше утверждает, что такое одностороннее отношение не только глупо, но и вредно. Это не значит, что мы должны полностью погружаться в дионисийский поток. Скорее, нам следует признать его существование в каждом из нас и направить этот импульс в конструктивное русло.
Порядок важен, но психология, чувствительность и воля также необходимы. Эмоциональные побуждения позволяют человеку установить глубокую связь с миром и придают смысл жизни. Некоторые вещи невозможно объяснить исключительно логикой и рациональностью. Разделять аполлоническое и дионисийское строго неразумно, если только вы не хотите прожить жизнь с ограниченным пониманием. Тем не менее, эти концепции остаются полезными инструментами для анализа искусства и общества в целом.
Так что же важнее? Порядок или хаос? Рациональность или страсть? Вероятно, ответ заключается в гармоничном сочетании этих противоположностей. Ведь именно их взаимодействие делает нашу жизнь такой уникальной и многогранной.
Пишите в комменатриях свои примеры аполлонической и дионисийской культуры !
Титры
Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».
Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды
У пары импрессионистов были напряженные отношения, возможно, не лишенные романтических чувств.
Эдуард Мане. Берта Моризо с букетом фиалок. 1872
Шесть лет назад французская импрессионистка Берта Моризо внезапно вышла из тени своих знаменитых коллег-мужчин, таких как Ренуар и Дега. Но ее истинная история начинается с глубокого влияния Эдуарда Мане, который не только был ее наставником, но и близким другом.
С момента их первой встречи в Лувре весной 1868 года до ее брака с его братом Эженом в 1874 году, Моризо была не только моделью для Мане, но и его музой. Он посылал ей фиалки, картины и письма — одно из которых чудом появилось на выставке в 2019 году. Их отношения были настолько близкими, что многие видели в них романтическую связь.
Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873
Моризо выросла в буржуазной семье, где её мать поощряла художественные стремления Берты и её сестры Эдмы. Настолько, что их преподаватель рекомендовал им стать профессиональными художницами. В 1864 году Моризо дебютировала на Парижском салоне, а четыре года спустя познакомилась с Мане.
Эдуард Мане. Балкон. 1868
Мане был очарован работами Моризо. Он называл одну из ее сцен в гавани шедевром, держал три ее работы у себя в спальне и даже подарил ей мольберт на Рождество. "У него совершенно очаровательный темперамент", — писала Моризо своей сестре в 1869 году. Однако, будучи женатым человеком, Мане не мог предложить ей нечто большее, чем дружба.
Мане, по мнению многих, выражал свою страсть через многочисленные портреты, которые он написал, начиная с "Балкона" (1868-69). "Когда Мане рисует Викторию, он рисует ее как красивый объект", — заметил один из современников, ссылаясь на самую известную музу Мане на тот момент, — "когда он рисует Берту, он рисует ее с любовью и нежностью". Эти слова стали основой для целых исследований, посвящённых их отношениям.
Берта Моризо. В Англии (Эжен Мане на острове Уайт). 1875
В Париже конца XIX века ходили слухи о тайных романах и скрытых страстях. Были ли они когда-нибудь любовниками? Этот вопрос окутан тайной и вызывает множество догадок среди историков искусства. Некоторые исследователи утверждают, что Эдуард Мане и Берта Моризо сожгли свою переписку после того, как она вышла замуж. Однако письма Моризо к сестре раскрывают другую сторону их отношений — их флирт не всегда был таким восхитительным, как можно было бы подумать.
Ситуация усложнилась, когда Мане взял свою единственную платную ученицу — 20-летнюю Еву Гонсалес. Он постоянно сравнивал ее работы с произведениями Моризо, создавая между ними вечное соревнование. Это соперничество лишь усиливало неуверенность Берты в себе. Мане обладал редкой способностью одновременно как вдохновлять, так и парализовать таланты других.
В конце концов Берта согласилась выйти замуж за брата Мане — Эжена. "Я нашла честного и прекрасного человека, который, я верю, искренне любит меня," — писала она своей сестре после свадьбы. "Я вступила в позитивную жизнь после того, как долгое время жила в своих химерах." Эжен безоговорочно поддерживал ее на протяжении всей ее карьеры, с любовью исполняя роль ее арт-менеджера до самого конца.
Эдуард Мане увековечил свои глубокие чувства к Берте Моризо в серии картин, которые, по мнению многих, стали одним из самых вдохновенных признаний в любви в истории искусства. На первый взгляд целомудренные, они скрывают под собой муку желания. Быстрая смена мазков кисти, чувственная игра оттенков черного и личный код атрибутов – веер, бархотка на шее, букетик фиалок и письмо – передают пылкость его чувств.
Но самое поразительное в этих портретах – это взгляд Моризо. Умный, прямой и отважный взгляд, который выделяется среди других портретов Мане. Ее лицо всегда выразительно. Здесь Мане не льстит и не играет, как часто делает в других работах – он борется с внутренней бурей чувств.
Титры
Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».
Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды
В мире, где произведения искусства уходят с молотка за деньги, на которые можно было бы приобрести небольшой остров, многие задаются вопросом: что делает эти работы настолько ценными? На аукционе Sotheby's в Нью-Йорке абстрактное полотно Марка Ротко «No 7» было продано за астрономические 82,5 миллиона долларов, вызвав широкий резонанс и массу вопросов. Или, например, когда произведение искусства представляет собой ready-made скульптуру, как «Мидии в белом соусе» Марселя Бротарса, превращенный в шедевр повседневный объект за миллион долларов.
В ноябре 2021 года работа Марка Ротко «№ 7» была продана на аукционе за $82,5 млн
Отклики «Скандал!», «Отмывание денег!», «Мошенничество!», «Розыгрыш!» являются типичными реакциями, отражающими общественное недоумение и разочарование по поводу экономической стороны искусства. Как такое может быть, что несколько беспорядочных мазков на холсте оцениваются в миллионы долларов? Кто или что же определяет ценность этих произведений искусства?
Недавно я просмотрела курс от Института арт-бизнеса и антиквариата“Оценка культурных ценностей”; а также прочитала несколько специальных книг и статей, так что готова поделиться своими мыслями о ценообразовании в арт-мире 💚
Экономическая ценность искусства определяется не только художественно-исторической значимостью автора и его творения, но и законами спроса и предложения, а также потенциальной доходностью
Справедливости ради стоит отметить, что вышеупомянутые утверждения являются упрощенными и лишены глубины. Говорить, что Марк Ротко просто «размазывает краски по холсту», столь же неверно, как утверждать, что Лионель Месси или Криштиану Роналду зарабатывают миллионы за то, что «пинают мяч», или что Стивен Кинг лишь сочиняет вымышленные рассказы. За каждым из этих действий стоит огромный талант, бесчисленные часы работы и самоотдачи, и только единицы достигают вершин в своем деле.
В современном искусстве стоимость произведения заключается в чем-то большем, чем просто стоимость материалов. Она наполнена значением, которое делает его гораздо важнее, чем просто краски на холсте, подобно письму от давно потерянного возлюбленного; его ценность заключается не в чернилах и бумаге, а в содержании и переживаниях, которые оно несет.
Таким образом, на начальном этапе произведений искусства (до его попадания на рынок) можно выделить три основных аспекта ценообразования:
Материальная стоимость: сумма использованных материалов
Декоративная стоимость: использованные материалы + рабочее время
Художественная/культурная ценность: ценность произведения искусства как культурного наследия и объекта коллекционирования
Материальная стоимость < Декоративная стоимость < Художественная/культурная ценность
Искусство начинается там, где простая декоративность перерастает свои границы. Возможно, любой может приобрести холст и краски для создания абстрактной картины, которая украсит дом. Стоимость таких работ может варьироваться в зависимости от размера, стоимости материалов или затраченного времени.
Однако выделиться как художник и сделать себе имя в мире искусства, создавая оригинальные, актуальные и современные работы, — это совершенно другая задача. Любой может сделать первое, но лишь немногие преуспеют в последнем.
Каракули ребенка глазами нейросети Midjourney - как будем оценивать?)
Понимание мира и рынка искусства: Первичный и вторичный рынок
Чтобы разобраться в механизмах ценообразования, важно понимать, что такое первичный и вторичный рынки. На первичном рынке произведение искусства предлагается к продаже впервые, будь то через галерею, непосредственно художником или на выставке. Перепродажа произведения, особенно через аукцион, относится к вторичному рынку. Оба рынка применяют разнообразные, иногда конкурирующие механизмы ценообразования.
Проблема ценообразования на первичном рынке усугубляется отсутствием прозрачности в мире искусства, где цены на работы начинающих художников часто предоставляются только по запросу. Когда произведение искусства впервые появляется в продаже, либо непосредственно в студии художника, либо в галерее, представляющей художника, либо в галереях на улицах, либо на любой другой выставке или ярмарке искусства, это называется первичным рынком искусства. Именно тогда впервые устанавливается цена на произведение искусства. Часто эта цена устанавливается галереей или дилером, продающим произведение искусства, совместно с самим художником, исходя из ряда факторов, включая стоимость времени, затраченного художником на создание произведения, проведенных исследований и материалов, необходимых для воплощения произведения в жизнь. Кроме того, на окончательную цену влияет спрос на произведение, то есть насколько популярен или востребован художник. Как и следовало ожидать, чем выше спрос на художника, тем выше цена, которую он может предложить на первичном рынке.
В общем, вы можете ожидать, что цены на первичном рынке будут ниже, чем те, которые вы заплатите за то же самое произведение, когда (или если!) оно попадет на вторичный рынок (то есть первый покупатель придет продавать произведение). Однако, как правило, на первичном рынке покупают не для того, чтобы заключить выгодно вложить деньги, а потому, что нравится художник. Через несколько лет покупка на первичном рынке может стоить в десять раз больше, чем за нее заплатили; и наоборот, может вообще не получится ее продать. Все зависит от известности художника. Покупка на первичном рынке — риск, но, как говорится, «чем больше риск, тем больше награда».
Аукционы современного искусства глазами нейросети Midjourney
Вторичный рынок искусства — это торговля pre-owned... или подержанным искусством! Но не позволяйте этому термину обмануть вас, на вторичном рынке часто можно найти очень востребованные произведения искусства, поэтому не стоит беспокоиться, если кто-то хочет продать когда-то купленное искусство: это может быть простое желание коллекционера получить новые произведения в свой дом, возможно, он устал от художника, которого когда-то любил. Может быть, спрос на художника и, соответственно, стоимость произведения значительно возросли, и его можно выгодно продать.
Когда принимается решение о продаже произведения, будь то коллекционер, бизнесмен, фонд или дилер, оно попадает на вторичный рынок. Помимо арт-дилеров, большую часть вторичного рынка составляют, конечно же, аукционные дома, вспомните Sotheby's, Christie's или Phillips — святую троицу аукционных домов. Современное искусство на аукционах — это бурно развивающаяся индустрия: за последние 20 лет рынок искусства достиг 20 миллиардов долларов.
Факторы, влияющие на оценку произведений искусства: художник и выставочная история
Цены на произведения искусства могут сильно варьироваться в зависимости от возраста художника и его выставочного опыта. Но даже художники одной возрастной группы могут иметь различные ценники на свои работы, которые также определяются размером и используемым материалом. Особенно высоко ценятся творения художников с богатой выставочной историей, включая участие в музейных экспозициях, что делает их работы значительно дороже по сравнению с современниками.
Ключевым фактором, влияющим на стоимость работ, является уникальный стиль художника, формирующийся через годы. Этот стиль отражает эволюцию идей и концепций, изучаемых художником в начале карьеры, и становится определяющим при оценке его творческого пути. К середине карьеры визуальный язык художника должен стать уникальным и отличаться от текущих модных направлений.
Понимание карьерного роста художника, которое часто отражается в портфолио и стейтменте, помогает оценить его работы. Взгляды инсайдеров арт-индустрии, таких как кураторы, галеристы и коллеги-художники, на тех, кто умело демонстрирует свои работы и действует с уважением к арт-сообществу, могут значительно повлиять на ценность творчества. Они могут влиять на включение работ в музейные экспозиции или коллекции, что, в свою очередь, влияет на ценообразование произведений искусства.
Факторы, влияющие на оценку произведений искусства: медиум и характеристики произведения
Среди ключевых факторов, определяющих значение произведения искусства, выделяются известность автора и его статус на глобальном или локальном арт-рынке, где предполагается продажа творения.
Найдено на просторах интернета
Тем не менее, существует ряд дополнительных аспектов, усложняющих эту связь. К примеру, стоимость арт-объектов обычно увеличивается с ростом их размеров, однако после достижения определенных габаритов, произведение может стать неприемлемо большим для многих частных коллекционеров. Также на ценность влияет материал произведения: хотя живописные полотна зачастую оцениваются выше других видов искусства, для отдельных художников это может быть неактуально, если они известны благодаря своим работам в других техниках (например, графике).
Цена любого предмета на рынке зависит от его уникальных характеристик, включая:
Размер: Обычно, чем больше размер творения, тем выше его стоимость.
Материалы: Использование дорогих материалов, таких как мрамор или бронза, может существенно повысить цену работы.
Затраты на создание: Необходимость в специализированном оборудовании или услугах мастеров для воплощения задумки может увеличить итоговую стоимость. Также дополнительные расходы могут возникнуть при оформлении работ.
Тираж: В случае лимитированных серий цена возрастает с уменьшением числа копий, делая произведение более эксклюзивным.
Факторы, влияющие на оценку произведений искусства: базы данных и провенанс
Большинство произведений искусства, продающихся на аукционах, относится к вторичному рынку. Оценка таких произведений во многом основывается на данных из баз и архивов, которые отслеживают историю арт-рынка. Стоимость может быть определена сравнением с ценами на другие работы схожего качества, размера и времени создания от того же художника или его круга. Индекс цен на искусство является надежным источником для отслеживания последних достигнутых художником цен на аукционах.
Если у художника уже сформировалась история продаж, установление цен становится более предсказуемым, так как они будут коррелировать с предыдущими продажами. Влияние спроса и предложения на ценообразование схоже с другими отраслями: если выставка распродается и появляется список ожидания, это сигнал для повышения цен.
Тем не менее, регулирование роста цен требует тонкого подхода. Несмотря на возможность значительного увеличения цены при наличии большого списка ожидания, галереи и художники обычно предпочитают постепенное увеличение стоимости, чтобы избежать риска спекуляций, которые могут отпугнуть коллекционеров. В отличие от финансовых рынков, где краткосрочные колебания цен принимаются как должное, в мире искусства коллекционеры стремятся к непрерывному росту стоимости произведений, воспринимая любое снижение цен как негативный сигнал.
Для начинающих художников, чьи работы часто впервые появляются на групповых выставках, ценообразование особенно сложно. Многие галереи используют размер произведения как основу для определения цены, дополнительно корректируя ее в зависимости от художника и конкретного произведения.
На аукционах провенанс произведения может значительно повлиять на его стоимость. Например, балетки Одри Хепберн оцениваются выше из-за своей связи с известной личностью. Если произведение искусства попадает на вторичный рынок и имеет выдающегося предыдущего владельца или особую историю, его стоимость может возрасти.
Проблемы вторичного рынка
В условиях, когда цены на вторичном рынке становятся известными, обсуждение состояния рынка искусства часто сосредотачивается на результатах аукционов. Однако большая часть других данных о ценовых тенденциях основывается на анекдотической информации, получаемой в ходе разговоров с галеристами. К сожалению, такой акцент на аукционных данных может привести к путанице между системным (рыночным) и идиосинкразическим (личностным) рисками. Поэтому к результатам аукционов, как к индивидуальному показателю о художнике, следует относиться с осторожностью.
Аукционы, такие как Sotheby's и Christie's, сами по себе превратились в захватывающие события. Конкуренция и временные рамки, усугубляемые стремлением выделиться, могут привести к установлению иррациональных цен. Они предоставляют коллекционерам, не имеющим связей с галереями или художниками, шанс попасть в список ожидания.
Карикатура на аукционы современного искусства Sotheby's и Christie's от нейросети Midjourney
Хотя рекордные цены на аукционах изначально могут казаться выгодными для художника, они также могут вызывать серьезные последствия. В случае слишком резкого увеличения цен молодые художники беспокоятся о том, что их первоначальная аудитория коллекционеров не сможет или не захочет следовать за этими скачками. Это может подорвать спрос, если более состоятельные коллекционеры на аукционах предпочтут переключить свое внимание на других художников. Как и в случае с музыкой или кино, никто из визуальных художников не желает быть «однодневной звездой».
Для таких начинающих художников спрос на первичном рынке может оказаться недостаточным для поддержания уровня цен, достигнутого на аукционе. В этой связи галереи прилагают усилия для тщательного контроля размещения произведений искусства на первичном рынке. Быстрая продажа произведения искусства для получения прибыли, известная как флиппинг, строго пресекается (и часто наказывается) из-за потенциального негативного влияния на карьеру художника.
Титры
Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».
Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды
