AnimationSchool

Рискованный проект, который из сомнительной идеи превратился в шедевр, хотя ему пророчили провал. Как при помощи упрямства и креатива создателям удалось сделать культовый мультфильм?

Что было до «Шрека»

Все начинается с Джеффри Катценберга – сооснователя Dreamworks animation. До того, как создать собственную студию, он работал в Disney, и во многом благодаря ему компании удалось пробудиться от почти двадцатилетней творческой спячки. Катценберг поспособствовал началу прибыльного партнерства Disney и Pixar. При нем были выпущены наиболее успешные фильмы студии: «Кто подставил кролика Роджера», «Русалочка», «Красавица и Чудовище», «Аладдин» и «Король Лев». А также он помог приобрести кинокомпанию Miramax Films.

Несмотря на все это в 1994 году Катценбергу отказывают в повышении. Майкл Эйснер, который когда-то и привел Катценберга в Disney, отказался назначить его на освободившуюся должность президента компании. Катценберг выдвинул ультиматум – либо его повышают, либо он уходит, громко хлопнув дверью. Этим он никого не впечатлил, и его уволили. Но дверью хлопнуть разозленному Катценбергу все же удалось. Он подал на Дисней в суд, выиграл $280 млн, которые задолжала ему компания, и только потом ушел (впрочем, все еще недовольный).

Что ж, дверь захлопнута, теперь Катценбергу открыты все пути. И он решает выбрать тот, который идет поперек широкой ковровой дорожки Disney, уважаемой в мультипликационной сфере компании.

Сказать проще, чем сделать – Disney к тому времени почти полностью монополизировал анимационную индустрию. В свое время он четко обозначил правила игры: мультфильмы – волшебные сказки для детей, милые и красивые. Катценберг рассудил, что для того, чтобы достойно сражаться с Диснеем, необходимо нечто диаметрально противоположное.

Основатели DreamWorks: Стивен Спилберг, Джеффри Катценберг и Дэвид Геффен

История создания

Шрек не был первым проектом компании. Работа Джеффри Катценберга в новой компании шла с переменным успехом: одни мультфильмы были хорошо приняты, другие – проваливались в прокате.

Идею «Шрека» в студию принес Стивен Спилберг. Он приобрел права на экранизацию еще до появления DreamWorks, однако работа над ней началась именно в новой студии.

С самого начала проект зарекомендовал себя как «проблемный».

Уже на этапе написания сценария стало понятно, что будет непросто. Спилберг хотел сделать классическую сказку, в то время как Катценберг был категорически против. Разве для этого он создавал новую компанию – чтобы повторять за Disney?

Сценарий, основанный на одноименной детской книжке Уильяма Стейга, много раз переписывался. В книжной версии Шрек – добрый великан, не способный причинять зло людям. Он отправляется в путешествие на своем жеребце, и в финале встречает любовь – великаншу Фиону. В мультфильме коня решили заменить на Осла, Фиона стала прекрасной принцессой, а сам Шрек приобрел более сложный характер.

В одной из сцен герой сравнивает себя с луковицей. «Мы (великаны) многослойные», – говорит он. Его доброта не очевидна, он проявляет ее только к близким ему существам. За сюжетом и героями, которых мы увидели в финальной версии, стояли долгие годы работы и тысячи зачеркнутых слов.

Трудности на этом не закончились. Первый состав аниматоров, работавших над Шреком, был уволен. Позже на проект стали ссылать художников, которые не справлялись с работой над «Принцем Египта», в качестве наказания. Сложность составляла технология создания мультфильма – motion capture. Сначала движения реальных актеров захватывали с помощью камеры, а после применяли к компьютерным моделям. Обычно подобная технология применяется при создании кино (Например, «Халк»), с мультфильмами в то время редко так делали. В общем, аниматором пришлось знатно попотеть.

На какое-то время ситуацию с проектом улучшил комик Крис Фарли – первоначальный претендент на озвучивание Шрека. Его согласие озвучить главного героя воодушевило создателей, и премьеру мультфильма уже начали ждать не со скептицизмом, а с интересом. Однако Фарли умер, так и не завершив работу над проектом, из-за чего пришлось нанимать другого актера.

Крис Фарли - первый претендент на роль Шрека и Майк Майерс, озвучивший Шрека на английском языке

Все 4,5 года работа продолжалась только, казалось, из-за чистой ненависти продюсера проекта Катценберга. Выпускать «Шрека» в свет было большим риском. Режиссеры и аниматоры понятия не имели, как отреагируют привыкшие к сказочности зрители на страшного огра и его историю. Не добавляли оптимизма и терпящие неудачи другие мультфильмы студии – например, «Дорога на Эльдорадо», провалившаяся в прокате. Но создатели «Шрека» смогли определить, чем проект будет отличаться – он будет полной противоположностью классических диснеевских сказок.

Особенности

«Шрек» выстрелил неожиданно и оглушительно. На то было сразу несколько причин:

1.Специфический юмор сыграл создателям на руку. Чего стоит одно только первое появление главного героя – он распахивает дверь туалета и стряхивает прилипшую к ноге бумажку. Дисней так не шутил, потому что в их историях подобное было бы неуместно. В «Шреке» же все вписалось идеально. Отвратительный, на первый взгляд, юмор целиком оправдывался самой идеей. С таким главным героем подобные шутки были уместны – и потому были смешными.

Также мы можем проследить еще одну яркую черту шрековского юмора – постоянный обман ожиданий. Мы ждем, что Шрек аккуратно разбудит Фиону – он трясет ее за плечи и кричит «Вставай!», мы ждем, что именно Шрек наваляет разбойникам – это делает принцесса. И главное – мы ждем, что в финале все каким-то чудом образуется: проклятье с Фионы спадет, и она останется прекрасной принцессой. Но наши ожидания опять обмануты – Фиона остается великаншей. В этом, кстати, основной посыл мультфильма – необязательно быть красивым внешне, чтобы быть любимым. «Долго и счастливо» заслуживают все, а не только сказочные принцы и принцессы.

Юмора в «Шреке» хватило всем. Там были сцены, где персонаж забавно падает (как Осел в эпизоде их появления в Дюлоке). Были смешные диалоги. Например, на подходе к башне Осел спрашивает: «Ну, и где же это огнедышащее чудовище?». На что Шрек отвечает: «Ждет, пока мы его спасем». Были и завуалированные пошлые шутки. Волшебное зеркало, «рекламируя» Фаркуаду Белоснежку, говорит: «Пусть она живет с семью мужчинами – она не дешевка».

Разносторонний и необычный для того периода юмор – одно из главных преимуществ «Шрека».

2. Отсылки. Не было в истории мультипликации до этого проекта с таким количеством отсылок. Часто встречаются моменты из популярных фильмов. Вспомним, к примеру, драку с разбойниками в первом фильме – Фиона дерется как Тринити из «Матрицы», даже «камера», прокручиваясь вокруг принцессы, замирает так же. Или во втором фильме Пиноккио спускается в темницу к Шреку так, что становится очевидна отсылка к фильму «Миссия невыполнима». Можно заметить сразу две сцены-отражения из фильмов про Индиану Джонса: в первом фильме – когда Шрек и Осел висят на остатках моста, убегая от дракона, а во втором – когда Кот выхватывает свою шляпу из-под опускающейся двери. В финале Дракониха съедает злодея – точно, как в «Парке юрского периода», только там был динозавр вместо дракона. Отсылок на фильмы много, и почти все они хорошо узнаваемы.

Но отсылки к мультфильмам Диснея не просто узнаваемы – они являются увесистыми булыжниками в огород анимационной корпорации. Так, нам часто встречают знакомые персонажи. «Нет, дохлой девке здесь не место», – говорит Шрек, когда гномы задвигают на его стол гроб со спящей в ней Белоснежкой. Во второй части приглашенная на бал Спящая Красавица вываливается из кареты, Дюймовочку и Мальчика-с-пальчика заметают веником в совок, а русалочку, похожую на Ариэль, Фиона зашвыривает в море. Отец Пиноккио продает его как волшебное существо, как и многих других сказочных персонажей сдают за деньги.

Многие сцены – явные отражения диснеевских мультфильмов. Например, момент, когда Фиона соревнуется в пении с лесной птицей сопоставлен с похожим момент из «Белоснежки». Но если в диснеевском произведении птичка, допев, мило садится на протянутый палец Белоснежки, то в «Шреке» птица лопается. Сцена превращения Фионы повторяет превращение принца из «Красавицы и чудовища», но только принц превращался из чудовища в красавца, а Фиона из человека превратилась в великаншу. Фильм начинается и заканчивается с книги – как сказка о Спящей красавице, да и образ Драконихи оттуда же. Это становится понятно, когда она грозно возвышается над героями – прямо как ее диснеевский предшественник.

Все эти отсылки издеваются над Диснеем и его произведениями. Катценберг насмехается над волшебством и предсказуемостью волшебных сказок, над их оторванной от реальности красотой. Он даже над очередью в Диснейленде посмеялся: в первом фильме Шрек продирается сквозь ограждения в Дюлок – такие же ленты регулируют очередь в известном парке развлечений. Конечно, не обошлось без отсылок к Майклу Эйснеру.

Именно он уволил Катценберга и именно он стал прототипом лорда Фаркуада. Уж на нем продюсер «Шрека» отыгрался по полной программе: сделал злодея алчным, жестоким и комичным, наградил его маленьким ростом (хотя в жизни Эйснер высокий) и позволил другим персонажам шутить над ним.

3. Главный герой. В привычных нам историях главные герои с самого начала находятся в конфликте: Ариэль хочет стать человеком, когда ее сестры даже не думают о надводном мире, Белль любит читать и мечтать, в отличие ото всех жителей городка, слоненок Дамбо рождается с необычайно большими ушами, поэтому над ним насмехаются. Герои страдают от этого.

Шрек также изгой, общество не может принять великана. Но он как будто и не в обществе. Он одинок, и наслаждается этим.

4. Новый подход к музыке – компиляция. Во всех диснеевских сказках песни были написаны специально для мультфильма, и герои обычно пели сами и выстраивали целые номера. «Шрек» поступил иначе. Почти все композиции, звучащие в нем, были написаны до его появления, но подбирались они так, чтобы полностью отражать не столько происходящее на экране, сколько душевное состояние героя.

В самом начале, когда нам показывают самого Шрека и его образ жизни, играет песня Smash Mouth – All star, суть которой в том, что герой блистает несмотря на то, что ему говорят другие. Таков Шрек в начале – его не волнует чужое мнение, он будет принимать грязевой душ и вытаскивать свечи из ушей, потому что он хозяин своего болота и своей жизни. Как уже было указано, каждая песня отражает состояние героя или действия на экране: «I don't give a damn about my reputaion» – одна из фраз песни Halfcoced, когда Шрек дерется с рыцарями на ринге, показывает отношение героя к установленным правилам, «I’m on my way» – песня The Proclaimers отражает действия на экране, когда они с Ослом идут спасать принцессу. Всего несколько композиций было написано специально для фильма (например, приветственная песня города Дюлок). И это тоже подкупило зрителей, а именно аудиторию постарше, которая уже слышала эти песни раньше. Знакомые мотивы внушают доверие – к ним не нужно заново привыкать.

5. Аудитория. С развлечениями для зрителей постарше, кстати, очень постарались. В Шреке впервые используется система трех аудиторий – благодаря этому мультфильм интересен всем, а не только детям. Для них в Шреке яркие сменяющиеся картинки, для подростков – сюжет, а для взрослых отсылки и завуалированные шутки. Вспомним, что говорит Шрек, когда впервые видит замок лорда Фаркуада: «Интересно, какие у него комплексы?». Дети и подростки навряд ли поймут, о чем речь, в отличие от взрослой аудитории. Благодаря этому Шрек увеличил количество зрителей. И впервые мультфильм стал интересен всем.

6. Финал. Концовка Шрека вполне счастливая и предсказуемая, но она отличается от привычных нам финалов – Фиона из прекрасной принцессы окончательно превращается в великаншу и выходит замуж за Шрека, а не за прекрасного принца. Они остаются жить на своем болоте. Концовка второй части снова ломает привычные шаблоны. «Я хочу того, чего хочет любая женщина – жить с мужем долго и счастливо, – говорит Фиона. – А мой муж – великан». Фиона отказывается от возможности навсегда остаться прекрасной принцессой, потому что для нее важна не внешность. Фиона полюбила Шрека со всеми недостатками, и она готова измениться ради любви, как и сам Шрек.

Награды

Мультфильм прошёл в прокате с успехом, собрав $268 миллионов в США и $484 миллиона во всём мире при бюджете $60 миллионов. Его сиквелы входят в список самых кассовых мультфильмов в истории.

«Шрек» стал первым в мире мультфильмом, получившим «Оскар» в номинации «лучший анимационный фильм». До 2002 года подобной номинации не было.

В 2020-м стал национальным достоянием США. В национальный реестр фильмов каждый год добавляют картины, которые имеют «культурное, историческое или эстетическое значение».

Жажда мести, энтузиазм и креативность сделала Шрека культовым произведением, и несмотря на все первые неудачи Катценберг сумел показать свое видение «Долго и счастливо».

Автор статьи: Полина Петроченко

Редактор: Дима Шрамко

Источник

Бывало, что после просмотра фильма или мультфильма вы думали: «Тут особая атмосфера» или «Это очень атмосферное кино»? Но что такое атмосфера в кино и в искусстве вообще?

Атмосфера в искусстве

Актер М. Чехов назвал атмосферу душой произведения: «Дух в произведении искусства — это его идея. Душа — атмосфера. Всё, что видимо и слышимо, — его тело». Произведения искусства вызывают у нас определенные эмоции, создают настроение и атмосферу, то есть некий психологический климат. Атмосфера – «чувство, разливающееся в неопределенную даль».

Теорию атмосферы в эстетике разработал Гернот Бёме. По словам философа, атмосфера — это промежуток, благодаря которому связываются человеческое состояние и качества окружения.

Атмосфера предполагает ощущение присутствия.

Атмосфера пронизывает окружающую нас действительность. Выражение «атмосферный» применяется к людям, к пространству, к пейзажам. Сформулировать сущность атмосферы сложно, потому что она кажется невыразимой, неуловимой. Но при этом мы без труда можем ее характеризовать: она бывает спокойная, меланхоличная, тягостная, воодушевляющая, праздничная, располагающая, эротическая, уютная и т.д.

Как бы вы охарактеризовали атмосферу, которую передает этот кадр? При помощи каких приемов эта атмосфера создается — разберем ниже.

Кадр из мультфильма «Клаус»

Знакомясь с произведением искусства, в первую очередь мы воспринимаем атмосферу, на фоне которой уже распознаём объекты, формы, цвета и тому подобное. Особое качество истории — будь то книга, фильм, картина или что-то еще — заключается в том, что она не только сообщает о присутствии в ней той или иной атмосферы, но и вызывает её в нашем воображении.

Восприятие атмосферы субъективно, но в то же время ее можно создать сознательно при помощи объективных составляющих, например, света и музыки. В современном искусстве зачастую именно атмосфера становится целью эстетического действия.

Зачем автору создавать в своем произведении атмосферу? Чтобы воспринимающий (зритель, читатель, слушатель) не только настроился на определенную волну, но и погрузился в мир произведения, глубоко прочувствовал его.

Как работает атмосфера с точки зрения нейрофизиологии

Наше восприятие окружающего — результат истолкования сигналов, улавливаемых «антеннами», настроенными на внешний мир. Эти антенны — наши рецепторы: глаза, уши, нос, рот и кожа. Мы чувствительны также к сигналам из нашего внутреннего мира, к мысленным образам и к воспоминаниям, хранящимся в памяти на более или менее сознательном уровне.

Воспоминания о пережитом событии (например, о Новом годе), хранятся, условно говоря, в определенной нейронной структуре. Когда мы видим наряженную елку или слышим «Jingle Bells», актуализируются воспоминания о празднике, и мы испытываем те же чувства, что и в предыдущие новогодние дни. В памяти оживает целый комплекс взаимосвязанных воспоминаний и ассоциаций: елка, подарки, уют и веселье, отдых и т.д.

Атмосферу может передать и праздничная открытка

Для того, чтобы при помощи атмосферы вызвать у аудитории те или иные эмоции, авторы прибегают к использованию так называемых «якорей» на разных уровнях восприятия. Это визуальные образы, звук, запах (например, запах мандаринов), ментальные образы (новогодние и рождественские традиции) и т.д. Совокупность этих «якорей» и вызывает нужные ментальные образы тем самым формируя атмосферу. Хотя, мы понимаем, что это очень условное и поверхностное объяснение, но углубление в детали будет очень скучным.

Атмосфера Нового года и Рождества в киноискусстве

Существует великое множество фильмов и мультфильмов, передающих новогоднюю и рождественскую атмосферу. Причём это не только фильмы, тематически связанные с праздником.

Например, с новогодней атмосферой у многих ассоциируется франшиза о Гарри Поттере. Не только потому, что эти фильмы крутят по телевизору в праздничные дни, но и благодаря деталям самой истории. Таинственное и приглушенное, но теплое освещение Хогвартса, обилие чудесного и волшебного, камерные истории, вплетенные в общий эпический сюжет, идея победы добра и любви — всё это формирует ощущение праздника. Кстати, не пришло ли время пересмотреть «Гарри Поттера»?

Рождество в Хогвартсе

Праздничная атрибутика

Атмосферу создает новогодняя атрибутика — это визуальные образы-якоря. Так, в фильмах нередко показывают идиллическую картину: наряженная ель с горой подарков под ней. Это главный символ праздника. Новогодние атрибуты — свечи, венки, гирлянды, имбирные пряники, снеговики и многое другое — вызывают ассоциации с праздником и позволяют проникнуться атмосферой. Еще мы не представляем Новый год без снега, поэтому даже если действие фильма происходит в теплом климате, в какой-то момент чудесным образом может начаться снегопад. Атмосферу праздника передает образ семьи, собирающейся за столом — символ сплоченности и единения.

Кадр из «Рождественской истории» 2009 г.

Цвет и свет

Сочетание цветов также влияет на создание атмосферы. С новогодней и рождественской атмосферой традиционно ассоциируется сочетание красного, зеленого и золотого. В мультфильмах и фильмах это цвета Санта Клауса и его эльфов, рождественской ели и др. Важную роль играет освещение. Приглушенный золотистый свет (как от свечи или гирлянды) создает ощущение тепла и уюта. Возникает ощущение, что даже холодной зимней ночью тебя ждет дом.

Праздничная атмосфера в «Клаусе»

Музыка

Новогоднее настроение создает и музыка. В первую очередь, это самые популярные новогодние или рождественские песни, ассоциирующиеся с праздником, будь то «Happy New Year» , «Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!» , «Last Christmas» или «Вальс цветов» Чайковского. Многие фильмы для создания атмосферы используют эти песни или каверы на них. Оригинальная же музыка стремится передать ощущение сказки, чаще всего она легкая, будто летящая. Пример — трогательная песня «Do You Want to Build a Snowman» из «Холодного сердца».

Мотивы и идеи

Сюжет новогоднего кино обычно тематически связан с Новым годом или Рождеством. Часто главными героями становятся персонажи рождественского фольклора (Санта Клаус с оленями и эльфами в западной культуре, Дед Мороз со Снегурочкой — в русской). История в фильмах с рождественской атмосферой стремится быть трогательной и ламповой: камерность здесь уместнее масштабности и эпичности. Задача рождественских фильмов — напомнить о смысле праздника. В западной массовой культуре это идея семейного сплочения, важности добрых дел. С этим связан также мотив чуда, поэтому часто авторы используют сказочный жанр или адаптацию жанра рождественского рассказа. Маленького зрителя сказка увлекает, а взрослого погружает в воспоминания о детстве. Будь то драма или комедия, необходим счастливый конец, победа добра над злом.

Подборка фильмов с праздничной атмосферой

Предлагаем вам подборку зарубежных фильмов и мультфильмов с новогодней атмосферой, которые мы рекомендуем посмотреть, чтобы почувствовать праздничное настроение.

1. «Секретная служба Санта-Клауса» (2011)

Это легкий и веселый мультфильм о семейных ценностях, а главными героями являются персонажи рождественского фольклора (канонические и неканонические) — Санта Клаус и его сыновья. Тематически фильм идеально подходит для просмотра в праздничные дни.

2. «Хранители снов» (2012)

Сказочная история о фольклорных персонажах, защищающих детские сны и фантазии, погружает в воспоминания о детстве, возвращает веру в чудо. Этот мультфильм запомнился многим переосмысленными и модернизированными образами известных героев.

3. «Полярный экспресс» (2004)

Многие помнят этот фильм из-за экспериментальной (на то время) графики: технология захвата движения придает реалистичности, которая не всегда смотрится органично. Говоря о содержании — вас ждет теплая история о вере в рождественское чудо, о дружбе и добре.

4. «Щелкунчик»

Одноименная сказка Гофмана экранизировалась множество раз, есть и фильмы, и мультфильмы, созданные по мотивам («Принц Щелкунчик» 1990, «Щелкунчик» 2004, «Щелкунчик и Крысиный король» 2010, «Щелкунчик и четыре королевства» 2018 и др.) Некоторые из них простые и непритязательные, некоторые стараются быть мрачнее и взрослее, но все экранизации стремятся передать ощущение чуда, важное для праздничной атмосферы.

5. «Гринч – похититель Рождества»

Сказка Доктора Сьюза экранизирована множество раз. Существует фильм 2000 года и два мультфильма — 1966 и 2018 годов. Во всех экранизациях представлен целый букет рождественских мотивов: начиная от праздничной атрибутики и заканчивая идеей принятия и перевоспитания-перевоплощения главного героя.

6. «Холодное сердце» (2013)

Сюжет этого диснеевского хита не касается праздничной тематики, но передает рождественскую атмосферу. Этому способствует и образ сказочного королевства, и зимний антураж, и идея любви и семейного воссоединения.

7. «Клаус» (2019)

Этот мультфильм уже стал рождественской классикой. Вымышленная история происхождения мифа о Санта-Клаусе способна и развеселить, и растрогать до слез. Рождественскую атмосферу создают и тематические детали, и визуальные приемы (включая цвет и свет), и идейное содержание.

8. «Рождественская песнь»

Рождественский рассказ Диккенса лег в основу множества экранизаций. Среди них одноименный мультфильм 1971 года, Рождественская история 2009 и др. Идея преображения человеческой души и милосердия как нельзя лучше соответствуют духу праздника.

9. «Кошмар перед Рождеством» (1993)

Казалось бы, фирменный стиль Тима Бертона и Рождество — вещи несовместимые. Но этот фильм (во многом за счет контрастных образов) создает ощущение праздника. Джек Скеллингтон постигает смысл Рождества, а вместе с ним и мы.

10. «Один дома»

Любимая многими ностальгическая комедия, которую хочется пересматривать снова и снова. Фильм заряжает хорошим настроением, а трогательные моменты как нельзя лучше передают рождественскую атмосферу.

А какие фильмы и мультфильмы ассоциируются с Новым годом и Рождеством для вас? Как вы понимаете атмосферу этого праздника? Делитесь в комментариях!

Автор статьи: Мария Гринкевич

Редактор: Дима Шрамко

Источник

Есть множество поджанров фантастики, производных от киберпанка: стимпанк, дизельпанк, даже биопанк. Редкий поджанр — ститчпанк зародился благодаря мультфильму «Девять» (2009). Ститчпанк показывает мир, где главными действующими лицами являются живые куклы. Элементы этого жанра встречаются в мультфильмах «Кошмар перед Рождеством», «Коралина в стране кошмаров» и многих других.

Постер

Сюжет

По сюжету мультфильма, человек создал искусственный разум, но не смог дать механизму душу, и однажды творение подняло руку на своего создателя. В страшной войне человечество было уничтожено механическими монстрами. Перед тем как погибнуть, профессор, придумавший умные машины, сшил девять тряпичных кукол, вложив в них человеческие души при помощи таинственного артефакта. В мире, где не осталось ничего живого, куклы борются с роботами-монстрами и пытаются найти свое предназначение.

История создания

«Девять» был снят режиссером и аниматором Шейном Экером на основе короткометражки 2005 года, где герои не умели говорить и общались между собой жестами. На производство фильма ушло четыре с половиной года. Шейн Экер создавал его на своем домашнем компьютере в свободное от работы время.

Кадр из короткометражки

Эта работа была номинирована на Оскар как «Лучший анимационный короткометражный фильм», и, хотя Экер не победил, ему предложили снять полный метр. Экер следовал основному сюжету, но добавил больше персонажей. Герои научились говорить, а причина разрушения мира объяснялась подробнее.

Проектом заинтересовались Тим Бертон и Тимур Бекмамбетов, став продюсерами. Некоторые фирменные черты Бертона можно увидеть в фильме: огромные глаза с вечно испуганным выражением, вертикальные полосы (повсюду), а также тема странных, непохожих на других людей, побеждающих невзгоды. Кроме того, композитором фильма стал Дэнни Эльфман, часто сотрудничающий с Бертоном.

Русской адаптацией занимался известный писатель Дмитрий Глуховский, автор серии книг «Метро 2033» (подробнее про это расскажем ниже).

________________________

Дата выхода фильма была назначена на 9 сентября 2009 года (09.09.09).

Визуальный стиль

Перед создателями фильма стояла задача: показать своё видение постапокалипсиса. Мир, в котором не осталось ничего живого — только руины. Используются приглушенные тона, множество оттенков серого и коричневого, но при этом фильм не кажется тусклым благодаря работе с освещением. Мы видим и розовый рассвет, и лучи солнца, которые преломляются в витражном окне собора, и зловещее зеленое мерцание завода, и рубиново-красный глаз Машины. Даже разрушенный дотла, мир может быть красив.

Рассвет в мире постапокалипсиса

В фильме «Девять» все куклы имеют примерно одинаковые фигуры (за исключением, разве что, громилы Восьмого). Но создатели отразили в дизайне персонажей их характеры за счет деталей.

Среди персонажей есть учёный, врач, воительница, лидер-предводитель, сумасшедший художник, телохранитель, близнецы, похожие на детей... По внешнему виду персонажей можно без труда догадаться, кто из них кто. Пятого отличает кожаная заплата на месте глаза и заплечная сумка с иглами и прочими врачебными инструментами. У Шестого ключ на шее, вместо пальцев писчие перья, а сделан он из полосатой ткани, напоминающей тюремную робу или смирительную рубашку. У Второго на голове шляпа-цилиндр из огарка свечи, которую он использует как осветительный прибор — эта деталь отражает изобретательность героя. Близнецы Третий и Четвертый сшиты из синей ткани и прячут головы в капюшонах, что говорит об их стеснительности. Восьмой же крупнее остальных кукол, а его воротник и головной убор напоминают одеяние средневекового палача.

Персонажи мультфильма

Седьмая — единственный женский персонаж мультфильма, и хотя куклы не имеют внешних половых признаков, дизайн Седьмой подсказывает, что она женщина. Изготовлена из белой ткани, менее грубой, чем остальные персонажи. Она чуть меньше остальных «взрослых» кукол. На голове она носит шлем из птичьего черепа с перьями и костяными подвесками, похожими на серьги — атрибут воительницы и одновременно украшение. В финале героиня снимает свой шлем, символически отказываясь от роли бойца.

Первый, как и Седьмая, на протяжении фильма постепенно лишается своих атрибутов: сначала он теряет плащ, а потом и высокий колпак — символы власти — демонстрируя раскаяние.

Дизайн Девятого самый непримечательный. Внимание привлекает только молния вдоль его тела. Возможно, это связано с тем, что главный герой не помнит о себе ничего, он белый лист, только в финале осознающий, что из себя представляет.

Девятый, Первый, Седьмая

Мягким тряпичным куклам (хотя в их дизайне и есть металлические детали) противопоставлена Машина и прочие механические чудовища. Визуальный контраст подчеркивает, что у роботов нет души и они олицетворяют абсолютное зло. Устрашающий вид им придают острые элементы, щупальца или длинные ноги, красные глаза-прожекторы. Некоторые роботы зооморфны: к «голове» одного из них присоединен кошачий череп, создающий образ смертоносного существа.

Машина

Концепт-арт Котозверя

Интерпретации смысла

Знали ли вы, что русская и американская версии фильма различаются? Дмитрий Глуховский, переводивший и адаптировавший фильм, внес свои изменения, частично заменив диалоги и добавив закадровый текст.

_________________________

Дмитрий Глуховский так проникся этой историей, что даже написал повесть-приквел «Дневник учёного. Предыстория к мультфильму „Девять“».

По словам писателя, в его задачу входило создание более стройной и понятной российскому зрителю историю, при этом уложив ее в существующий видеоряд. «Меня они (режиссеры) привлекли, наверное, потому что Бекмамбетов читал «Метро 2033». И еще потому, что я сейчас у нас в стране, получается, главный по Апокалипсису», - высказал свое предположение Глуховский в одном из интервью.

Глуховский предложил свою трактовку того, кем являются куклы. Ученый, нашедший способ переносить душу в предмет, вложил в тряпичных кукол души важных для него людей: семьи, друзей и врагов (жена и дети-близнецы, друзья — изобретатель и доктор, враги — канцлер и его телохранитель). В Девятого Ученый вложил собственную душу. В оригинале эта идея не звучала.

Другие отличия исходной версии от адаптированной:

* Учёный не занимался алхимией в оригинале.

* «Древний артефакт», о котором говорится в авторизованной версии, на самом деле «Устройство», созданное Учёным. В английской версии это устройство называется «Талисман»

* В русской версии «Талисман» находился на корпусе машины и Учёному удалось его вырвать. В английской версии «Талисман» никогда не покидал учёного.

* Учёный предлагал Девятому с помощью «Устройства» уничтожить Машину, а не сохранить души.

Если не следовать интерпретации Глуховского, можно предположить, что, девять кукол — это частички души самого Учёного. Тогда каждый из персонажей отражает какую-то черту его личности, положительную или отрицательную, а Девятый — последняя частичка души Ученого.

Кадр из фильма

Загадки и «темные места» мультфильма

«Девять» оставляет множество вопросов, ответы на которые зритель должен найти сам. Что такое душа? Может ли машина обрести душу? Отчего некоторые люди стремятся к власти?

Но есть и загадки фактического и сюжетного плана. Почему именно девять кукол? Вряд ли это было выбрано случайно, число девять — сакральное во многих культурах.

Также неизвестно, что за таинственный артефакт оказался в руках у ученого. Кто и когда его создал?

В финальных кадрах мы видим, что вместе с дождем приходит надежда на появление новой жизни. Есть ли у человечества шанс на возрождение или новый мир будет без людей?

А как бы вы ответили на эти вопросы? Согласны ли вы с интерпретацией Глуховского или можете предложить свою версию? Делитесь в комментариях!

Автор статьи: Мария Гринкевич

Редактор: Дима Шрамко

Источник

О каких странах мы вспоминаем, услышав «мультипликация»? Сразу приходят на ум США и Япония. А еще — Франция. Знали ли вы, что Франция занимает третье место в мире (и первое в Европе) по производству мультфильмов? А что именно во Франции еще в конце 19 века была создана первая мультипликационная лента?

Францию можно считать родиной анимации. В настоящее время в стране есть все для развития мультипликационной индустрии. Большое количество студий, мультипликационных компаний, спонсоров и университетов, обучающих кадры, способствуют развитию анимационного кино.

Одна из причин успеха — высокий профессионализм французских художников-аниматоров, которые имеют отличную репутацию во всем мире. К тому же, одни из лучших анимационных студий находятся во Франции. Благодаря этому во Франции каждый год создаются тысячи короткометражных мультфильмов и телевизионных мультсериалов, а также несколько (вплоть до дюжины) полнометражных анимационных картин.

Еще многие французские аниматоры трудятся над самостоятельными полнометражными проектами, зачастую с авторским уклоном. Это позволяет французским лентам достойно выступать на различных фестивалях. Французы рассматривают свои «артхаусные» мультфильмы как ключевую особенность национальной индустрии, отличающую ее от голливудской и японской, которые ориентированы в первую очередь на коммерческое производство.

Анимационные фестивали Франции

Во Франции проводятся многочисленные анимационные фестивали и прочие мероприятия, рассчитанные как на профессионалов, так и на широкую публику. Это способствует росту популярности самой анимации.

На территории страны ежегодно проводится европейский анимационный форум Cartoon Movie, основанный в 1999 году. В течение двух дней у участников есть возможность представить свой кинопроект, чтобы ускорить финансирование и найти продюсеров. С момента создания форума было профинансировано 389 фильмов на общую сумму 2,57 миллиарда евро. Представленные здесь фильмы в будущем может ждать огромный успех. Так, номинированная на «Оскар» «Кошачья жизнь» (2010) начинала свою карьеру на этом форуме.

Постер «Кошачей жизни»

С 2001 года во Франции в феврале проводится фестиваль Image par Image, посвященный анимации и кинематографу в целом. Фестиваль на 3 недели погружает посетителей в мир французского и международного анимационного кино и знакомит с новыми мультфильмами. Интересно, что соревнования между фильмами здесь нет.

Постер Image par Image в 2016 году

С 2013 года в марте проводится Roanne Animation Short Film Festival — международный независимый фестиваль анимационного и экспериментального короткого метра. Основная цель — продвижение национальной и международной анимации в короткометражном формате. Проводятся показы, встречи, выставки, конференции, семинары и другие мероприятия. Так, в 2020 году на фестивале представлены работы из более чем 40 стран.

Широко известен Международный фестиваль анимационных фильмов в Анси. Проводится он ежегодно в июне. Спонсор — Международная ассоциация анимационных фильмов (ASIFA).

Демонстрация мультфильмов под открытым небом

Главный приз — «кристалл», вручаемый в трёх номинациях: короткометражные, полнометражные и телевизионные мультфильмы. Кроме того, в рамках фестиваля существует ряд специальных призов: премия YouTube, премия за лучшую оригинальную музыку (к полному и короткому метру), призы детского жюри, премия за лучшую студенческую работу, премии ФИПРЕССИ и ЮНИСЕФ и т.д.

«Кристалл»

На протяжении всего фестиваля, помимо трансляции конкурирующих фильмов в кинотеатрах города, проводится ночная демонстрация под открытым небом в живописном районе Пакье с видом на озеро и горы. В зависимости от тематики фестиваля на гигантском экране демонстрируются классические или недавно вышедшие фильмы.

Среди лауреатов в номинации «Лучший короткометражный мультфильм» были и работы русских авторов: «Старик и море» (2000), «Мы не можем жить без космоса» (2015) и др.

В 2020 году из-за пандемии фестиваль в Анси отмечал свое 60-летие онлайн. Фестивалю удалось без потерь показать все короткометражки, а с полнометражными фильмами возникли сложности: опасаясь пиратства, зрителям показали только короткие фрагменты, так что полностью мы не увидели даже победителя в этой номинации. Главный приз фестиваля присудили мультфильму французского аниматора Реми Шейе «Бедовая Джейн: детство Марты Джейн Каннари».

Постер фестиваля

Каждый год в Анси объявляется фокус на анимацию определенной страны или региона. В этом году многие специальные программы фестиваля должны были быть посвящены африканской анимации, но из-за пандемии фокус на Африку смещен на следующий год.

Входящий в программу фестиваля симпозиум «Женщины в анимации», тоже проводившийся онлайн в этом году, полностью перестроился под две самые острые темы момента: антирасистское противостояние и пандемию, сильно повлиявшие на индустрию.

Традиционно студенты французской анимационной школы Gobelins делают тематические имиджевые ролики, которые обычно в Анси предваряют показ каждого дня. Увидеть эти ролики можно на YouTube-канале Gobelins.

Французские школы анимации

Успех французской анимации — во многом заслуга учебных заведений, выпускники которых работают на крупнейших киностудиях.

Самый известный среди университетов для аниматоров — Gobelins. Здесь занимаются подготовкой кадров для ведущих студий мира по анимации, мультимедиа, видеоиграм, 3D анимации, графическому дизайну, печати, видеосъемкам, монтажу кинофильмов.

Занятия

Возраст поступающих — 17—25 лет включительно. Год обучения в Gobelins стоит от 7000 евро, и стоимость с каждым годом растет. Перед поступлением придется сдать вступительные экзамены (апрель — июнь): нарисовать персонажей в заданных позах и окружении, разработать сториборд по синопсису, упражнение по перспективе, освещению и движению, тест по вопросам общего и технического характера (искусство, кино, анимация) и эссе для оценки сценарных навыков. Отдельно оценивается портфолио и знание французского языка (устный экзамен).

Особо талантливые аниматоры могут поступить сразу на третий год обучения, если сдадут специальный экзамен (здесь уже потребуется знание After Effects, Photoshop и Maya).

________________________

Студентом Gobelins может стать и русский аниматор! Один из преподавателей курса, Эдвард Курчевский, выпускник Gobelins, рассказывает о лучшей в Европе школе анимации в нашем подкасте.

Кроме Gobelins, есть и другие престижные французские школы анимации. La Poudrière — одна из них. Она была создана в 1999 году студией Folimage и располагается в Валансе, на юге Франции. Школа работает как институт повышения квалификации, то есть принимает людей, которые уже имеют одно образование и хотят учиться кинорежиссуре. Учеба длится 2 года. Дипломной работой становится 3-4-минутное кино.

В Ангулеме, на западе Франции, расположена Ecole des Métiers du Cinéma d'Animation или кратко EMCA. Ангулем недаром называют столицей анимации — там находится 40 студий анимации и видеоигр, которые производят половину анимационной продукции Франции. Школа торгово-промышленной палаты и промышленности Ангулем, EMCA была создана в 1999 году. Учебная программа EMCA разворачивается в течение 3 лет. В первый год дается общая программа 2D и 3D, затем следуют два года специализации 2D или 3D. Во время своего третьего года студенты выполняют самостоятельно или в команде короткий анимационный фильм.

Учебный процесс в EMCA

Французские анимационные студии и компании

Выпускники анимационных школ, как правило, стремятся устроиться работать в студию. Самая известная среди французских анимационных студий — парижская Illumination Mac Guff (творческое подразделение американской компании Illumination Entertainment), выпустившая мультфильмы «Гадкий я» «Тайная жизнь домашних животных , «Пой!» , «Лоракс» и новую адаптацию «Гринча». Студия Mac Guff Ligne была основана Жаком Бледом в 1986 году. Первым анимационным фильмом студии стала полнометражка Мишеля Оцелота «Азур и Асмар» (2006), а в 2008 году вышел фильм Гийома Ивернеля и Артура Квака «Охотники на драконов». Студия добилась международного успеха с «Гадким Я» в 2010 году. В 2011 году она объединились с Illumination Entertainment, филиалом Universal Pictures, и стала называться Illumination Mac Guff. Сегодня Illumination Mac Guff — одна из крупнейших анимационных студий в мире, лидер европейской анимации.

Постер мультфильма «Охотники на драконов»

Помните Астерикса и Обеликса? Эти персонажи, придуманные французским художником Альбером Удерзо и писателем Рене Госинни, давно стали культовыми. Про них существует множество мультфильмов и мультсериалов. Студия Mikros Image France занимается созданием 3D мультфильмов про знаменитых галлов («Астерикс: Земля Богов» (2014), «Астерикс и тайное зелье» (2019)).

Создание фильма «Астерикс: Земля Богов»

Xilam — французская кинокомпания, которая специализируется на мультсериалах. Основана в 1999 году на базе компании Gaumont Multimédia. Основатель — продюсер Марк дю Понтавис. В 1994-1998 свет увидели мультсериалы «Инопланетяне» и «Огги и тараканы». В 2007 году Xilam выпустила полнометражный мультфильм «Счастливчик Люк: Путешествие на запад». Среди более поздних работ студии можно назвать «Я потеряла свое тело» (2019).

Постер «Я потеряла свое тело»

Еще одна известная французская анимационная студия — Ankama. Эта компания выпускает игры, комиксы и мультфильмы. Его основали Энтони Ру, Камилла Чафер и Эммануэль Даррас. Мультипликационную продукцию Ankama начала производить в 2008 году, выпустив сериал Wakfu: The Animated Series (основанный на ММОРПГ Wakfu). Также студия создала мультсериал Dofus : Aux trésors de Kerubim, тоже основанный на видеоигре. В 2015 году был выпущен полнометражный фильм Dofus, livre 1 : Julith. Действие обоих сериалов и полнометражки происходит в одной и той же вымышленной вселенной.

Проекты Ankama объединяет запоминающийся визуальный стиль

______________________________

Любопытно, что название студии Ankama образовано из первых слогов имен ее создателей: ANthony, KAmille, MAnu. Название же компании Xilam (Ксилам) происходит от соединения имён основателя компании Марка дю Понтависа и его жены Аликс (Alix). Сможете догадаться, каким образом составлено это слово? Пишите предположения в комментарии!

Жизнь индустрии в условиях пандемии

Пандемия повлияла на все сферы жизни. Как это отразилось на анимационной индустрии, многое ли изменилось?

В то время как на деятельности многих в индустрии развлечений отрицательно сказалась пандемия, работа большинства анимационных студий (и во Франции, и в других странах) не прекратилась. Дело в том, что большинство анимационных фильмов делается удаленно разными командами, работающими по всему миру. Когда официально началась пандемия, аниматоры просто взяли свои компьютеры и отправились домой, чтобы работать удаленно. Озвучка на удаленке — тоже не проблема. По игровому кино пандемия ударила значительно сильнее.

Индустрия анимации во Франции хорошо развита. Мультипликационная продукция этой страны известна во всем мире, а французские аниматоры востребованы на крупнейших студиях. А вы хотели бы учиться в одной из французских анимационных школ или работать в одной из анимационных студий этой страны?

Автор статьи: Мария Гринкевич

Редактор: Дима Шрамко

Источник

11 декабря на Apple TV+ состоится премьера полнометражного мультфильма «Wolfwalkers» от Томма Мура и студии Cartoon Saloon. В основе сюжета снова лежат мифология и фольклор Ирландии, всегда вдохновляющие режиссера.

Постер фильма

Сюжет «Wolfwalkers» (Волки-перевёртыши) разворачивается в XVII веке вокруг девочки Робин, приехавшей в Ирландию вместе с отцом-охотником. Он должен истребить последнюю стаю волков, которых люди издревле считают злыми животными и боятся. Героиня встречает в лесу девочку-оборотня Меб, и после этого знакомства Робин начинает по ночам превращаться в волка.

Главные героини мультфильма — кадр из трейлера

Попробуем разобраться, на основе каких мифов и легенд могла быть создана эта работа Томма Мура.

В ирландской мифологии существует множество историй о волках, вервольфах, оборотнях или фаоладах, как их называли кельты. Это связано с тем, что в Средневековой Ирландии водилось множество волков, приносивших людям немало бед. Из-за этого в народном сознании образ волка мифологизировался. Охота на волков велась постоянно, и к концу XVIII века в Ирландии эти звери были окончательно истреблены.

Важный элемент мифов о волках — идея оборотничества, а именно, превращения человека в волка. Волков-оборотней можно разделить на три типа. Одни способны превращаться по своему желанию с помощью магических средств (например, зачарованный пояс или шкура, волшебная мазь). Другие превращаются периодически и неконтролируемо (обычно ночью). Третьи — это люди, превращенные в волков колдунами или высшими силами. Например, существует ряд ирландских преданий, в которых святые, желая наказать людей за какие-либо грехи, превращают их в волков. Также с волками традиционно ассоциируются берсерки — яростные, как дикие звери, воины, безумные в бою.

Главные героини «Wolfwalkers» Робин и Меб способны принимать облик волков. Судя по всему, Робин можно отнести ко второму или третьему типу оборотней: она становится волком не по своей воле и явно не может управлять этим превращением. При этом не исключено, что девочку прокляли. Меб же владеет магией, она регулярно превращается в волка, будто с рождения является оборотнем.

Меб и Робин в обличии волков

Мы обнаружили ирландские предания об оборотнях, содержание которых очень напоминает уже известные детали сюжета мультфильма.

В средневековой ирландской работе Cóir Anmann («Пригодность имён»), которая, вероятно, была основана на более ранних традициях, рассказывается о легендарном воине-оборотне по имени Лайнех Фаэлад. Говорят, что он был предком племени оборотней, которые обитали в восточной Ирландии в XII веке.

В летописях валлийского историка Ненния оборотни (фаолады) — это потомки волка, но при том все же люди. Первым из них был тот самый легендарный воин-вервольф Лайнех Фаэлад, родственник королей Осрайге, который оборачивался волком и ходил резать стада как настоящий волк. Его многочисленное потомство унаследовало ту же черту, но в довольно своеобразной форме: «Чтобы принять облик зверя, они выходили из собственных тел, оставляя те лежать, точно трупы, и вселялись в волчью плоть».

По словам Cóir Anmann: «Он был человеком, который привык становится волком, то есть к волчьему образу, то есть к волчьим формам, которые он использовал, и его потомки охотились, и они убивали стада по волчьей манере, так что за это его называли Лайнех Фаэлад, потому что он был первым из них, кто принял форму волка». (Да, мы знаем насколько «не по русски» звучит эта фраза, но вы же поняли смысл?)

Вервольфы на средневековых кельтских миниатюрах

В текстах средневековых поэм (De Mirabilibus Hibernie (О чудесах Ирландии) епископа Патрика из Дублина и De hominibus qui se vertunt in lupos (Люди, которые превращают себя в волков) тоже описываются люди, которые способны превращаться в волков, покидая свои человеческие тела. Травмы, полученные ими в волчьем обличии, отражаются и на человеческих телах, и мясо их добычи появляется у них во рту. Пока они пребывают в волчьей форме, их человеческие тела уязвимы, и их друзья и семьи не должны их трогать. Этот мотив отражает фольклорную веру в то, что души могут покидать тело и путешествовать, но не могут вернуться, если тело побеспокоили.

Возможно, эта вера связана с тем, что в конце Средневековья была возрождена античная теория метемпсихоза. Данная теория предполагала возможность переселения души из одного тела в другое — от человека к животному, от растения к камню. Церковь, естественно, считала это ересью, с которой нужно бороться, но вера в метемпсихоз отразилась в легендах и сказках.

Судя по всему, сюжет мультфильма опирается именно на эту легенду о фаоладах. Из трейлеров можно понять, что главная героиня Робин превращается в волка, пока спит. «Ты волк, когда спишь, и девочка, когда бодрствуешь» — объясняет ей Мэб. Визуально это выглядит так, будто ее дух в виде волка покидает спящее человеческое тело. Можно предположить, что, пока Робин находится в облике волка, ее человеческому телу будет грозить опасность. Это же не считается за спойлеры?

Робин превращается в волка во сне

Еще одна героиня «Wolfwalkers» — девочка-оборотень Меб. Пока что довольно загадочный персонаж. Мы знаем, что она живет в лесу с волками и может перевоплощаться в одного из них. Мир волков-перевертышей — явно потусторонний, связанный с волшебством и духами. Он противопоставляется миру людей, на это указывает даже цветовая гамма: человеческий мир тусклый и серый, а мир духов яркий, волшебный. Не исключено, что Меб — человеческий ребенок, похищенный духами и выросший среди них (такой сюжет часто встречается в ирландском фольклоре, подробнее об этом расскажем ниже). Но под сомнение эту теорию ставит образ матери девочки, показанный в раннем трейлере.

На одном из кадров мы видим, как Меб забирается на руки к женщине — очевидно, ее матери. Камера отдаляется и становится ясно, что женщину и ребенка как бы обнимает огромная фигура антропоморфного волка — это либо отец, либо символический образ волка-прародителя (у древних кельтов были представления о богах-животных). Если это действительно родители Меб, значит, она «ходящая с волками» по своему происхождению, а может быть — полукровка, дочь человеческой женщины и волка. Между прочим, существует ирландский сказочный сюжет о волке-колдуне, похищающем принцесс. Правда, в этой сказке волк пожирал своих пленниц по частям, а вовсе не думал заводить с ними семью.

Кадр из трейлера мультфильма

Интересно происхождение имени героини. В ирландской мифологии существует королева Мэдб (или Мэб) — воинственная божественная правительница. В кельтской поэме о могиле королевы Мэдб она зовется «белокурой волчьей царицей». Как думаете, случайно ли имена мифической королевы и девочки-оборотня совпадают?

Волки также были символом древних ирландцев, живших ближе к природе. В частности, вой волчьей стаи не считался, как сейчас, чем-то зловещим. Вместо этого его полагали волнующим и мелодичным. Возможно, через противопоставление дикой девочки Меб и городских жителей Томм Мур хочет показать, как важна связь с природой и что потеряли люди цивилизации, отдалившись от природного мира.

Мы увидим ирландскую природу в уникальном визуальном стиле Томма Мура

В других мультфильмах Томма Мура тоже воплощаются самые разные кельтские мифологические и фольклорные мотивы, использует режиссер и сюжеты ирландских легенд. «Тайна аббатства Келлс» основана на легенде о Келлской книге, а «Песнь моря» повествует о мифических шелки. Подробнее об этом — в нашей предыдущей статье.

Но какие мифологические сюжеты и мотивы может воссоздать ирландский режиссер в своих предстоящих работах, помимо «Wolfwalkers»?

В кельтском фольклоре часто фигурируют фейри — разнообразные сверхъестественные существа. К фейри относятся эльфы, феи, сиды, а также банши, лепреконы, лианан ши и многие другие. В мультфильме Тома Мурра «Песнь моря» мы видели сидов. Эшлинг из «Тайны Келлс», скорее всего, фея или лесной дух, хотя об этом не говорится напрямую. Не исключено, что в будущем режиссер покажет нам свое видение других волшебных существ из кельтского фольклора — например, эльфов или лепреконов (сложно представить более ирландского персонажа!)

Кельтские фейри в представлении художника Брайана Фрауда

В кельтском фольклоре распространен сюжет о детях-подменышах. Если у фейри рождался уродливый или больной ребенок, они похищали человеческое дитя, оставляя взамен своё. Ребенок, попавший в мир духов, воспитывается фейри как один из них. И в мир людей ему возврата нет. Том Мурр делает героями своих картин именно детей, так что есть вероятность, что он использует этот сюжет.

Томм Мур обращается и к раннехристианским легендам Ирландии. Один из самых известных персонажей этих легенд — Святой Патрик. Возможно, однажды режиссер представит свое видение многочисленных легенд о нем.

А как вы думаете, к каким источникам обратится Томм Мур? Останется ли он верен ирландской тематике или попробует воплотить сюжеты из мифологии и фольклора других стран? Пишите в комментарии свои предположения и теории!

Автор статьи: Мария Гринкевич

Редактор: Дима Шрамко

Источник

От раскадровки до финального кадра: Варт встречает Мерлина в фильме «Меч в камне».

Создание раскадровки — это неотъемлемый этап производства анимационного ролика, от которого не следует отказываться. Этот процесс, наряду с написанием сценария, является важной частью работы над любым визуальным произведением. Конечно, импровизация в продакшене может создать уникальные компоненты. Но ее сложно поддерживать и использовать в команде, поэтому она потенциально ненадежна. Чтобы экономить ресурсы на этапе препродакшена, профессионалы в первую очередь пишут сценарии и рисуют к ним раскадровки.

История раскадровок

Раскадровка (или сториборд) — серия рисунков, иллюстрирующих итоговый вид анимации или фильма. Создание первых сценариев и сделанных на бумаге эскизов приписывают французскому режиссёру Жоржу Мельесу — одному из первопроходцев кинематографа. Современный же вид раскадровок разработала студия Уолта Диснея в начале 1930-х годов.

Жорж Мельез создавал к своим фильмам отдельные иллюстрации. Эту он сделал для «Путешествия на луну» 1902 г.

Уолт Дисней с другими аниматорами обсуждают раскадровку.

В биографии своего отца Диана Дисней-Миллер рассказывает, что первые полные раскадровки были созданы для короткометражного фильма 1933 года «Три поросенка». Идею рисовать кадры на отдельных листах бумаги и развешивать их на доску, чтобы последовательно показать историю, сам Уолт Дисней приписал аниматору Уэббу Смиту. Кстати, оригинальное название, stroryboard, взялось как раз из способа визуализации — дословно «история на доске».

По словам Джона Кейнмейкера в книге «Paper Dreams: The Art and Artists of Disney Storyboards», эскизные наброски использовали в 1920-х годах для короткометражных мультфильмов Plane Crazy и Steamboat Willie. Идея оказалась успешной, и уже через несколько лет распространилась на другие студии.

В книге «Paper Dreams: The Art and Artists of Disney Storyboards» авторы подробно рассказывают о диснеевских раскадровках и художниках, работающих над ними.

Именно в студии Дисней первыми осознали необходимость поддерживать отдельный «отдел истории» с художниками по раскадровке. К концу 30-х годов каждая студия Голливуда делала раскадровки к своим анимациям. А в начале сороковых этот опыт переняли студии кино. Лента «Унесенные ветром» стал одним из первых фильмов, произведенных с полной раскадровкой.

Лайл Уиллер рядом со сторибордом к «Унесенным ветром».

Каждая сцена была тщательно спланирована и отрисована заранее.

Какие проблемы решает раскадровка

Главной целью сторибордов является визуализация кадров до начала производства. Создание раскадровки — шанс изучить кадры заранее, чтобы оценить их успешность. Таким образом режиссеры постоянно комбинируют идеи и совершенствуют сценарий.

Один из вариантов атаки Урсулы на главных героев в мультфильме «Русалочка».

Как сцена выглядит в итоге.

Преимущества раскадровки:

Воссоздавая сюжет по порядку, создатель визуального произведения может наглядно увидеть, насколько хорошо передан смысл отдельных сцен и истории в целом.

Раскадровка иллюстрирует действия персонажей.

В раскадровке существуют специальные поля для диалогов и комментариев, где отображают дополнительную информацию о происходящем в кадре.

Сториборды содержат примечания о временных рамках, например длительность конкретной сцены или промежутки между кадрами.

Раскадровка отображает план съемок: панорама, отъезд и наезд камеры, поворот и так далее.

«Художник-раскадровщик в потенциале может занять режиссерское кресло. Больше всего мне нравится передавать мое видение зрителю. Я говорю не только о том, как сцена выглядит в моей голове, но и как она эмоционально ощущается. Вы контролируете визуальное повествование, темп, звуковой дизайн и многое другое. Когда все это складывается вместе, я могу показать зрителю ту же сцену, которую представлял себе.» — Федерико Д’Алессандро, главный художник по раскадровке и руководитель аниматоров Marvel Studios.

Раскадровка одной из сцен «Мстителей» в виде аниматика.

Основные принципы раскадровки

Для начала озвучим главное правило: чем больше времени вы тратите на предварительную подготовку, тем больше вы можете сэкономить на производстве. Раскадровка — кропотливый процесс, требующий максимальной отдачи.

Прежде чем начать, соберите все свои заметки воедино, прочтите свой сценарий и разбейте его на сцены, чтобы потом перевести их в отдельные панели раскадровки.

Создайте простые миниатюры

Ограничьтесь грубыми набросками без лишней детализации. Это поможет сосредоточиться на повествовании, не отвлекаясь на подробности. С помощью таких миниатюрных эскизов вы можете быстро проанализировать всю анимацию.

Пример низкодетализированных миниатюр, предшествующих раскадровке.

Комфортный монтаж — дорабатываем кадры

В 1917 году советский кинорежиссер, Лев Кулешов написал: «Для того, чтобы сделать картину, режиссер должен скомпоновать отдельные снятые куски, беспорядочные и несвязные, в одно целое и сопоставить отдельные моменты в наиболее выгодной, цельной и ритмической последовательности, также, как ребенок составляет из отдельных, разбросанных кубиков с буквами целое слово или фразу».

Другими словами: автор идеального ролика компонует и монтирует разрозненные кадры так, чтобы у зрителя складывалось ощущение беспрерывного действия, постоянства места и времени. Еще это называется комфортным восприятием монтажного стыка (монтажной склейки) или комфортным монтажом.

Всего существует 10 принципов комфортного монтажа:

· по крупности,

· по географии или по ориентации в пространстве,

· по композиции,

· по цвету,

· по свету,

· по направлению движения объекта,

· по фазе объекта,

· по скорости движения объекта,

· по массе движения объекта,

· перебивка.

Подробнее о визуальном повествовании и монтаже можно прочитать в книге Брюса Блока «Визуальное повествование. Создание визуальной структуры фильма, тв и цифровых медиа» и в учебнике «Разработка и технологии производства рекламного продукта». Здесь же, из-за ограниченности формата, мы рассмотрим только первый из основных принципов.

Монтаж по крупности

Условно существует три вида кадра: общий, средний и крупный планы. В свою очередь каждый из них делится еще на несколько градаций. Ниже показана таблица крупностей, в которой мы наглядно привели виды планов.

Таблица крупностей по Л. Кулешову.

Итак, принцип по крупности заключается в следующем: монтировать соседние шоты нужно через крупность. Например, крупный (3) и средний (5), но не предельно крупный (2) и крупный (3). Если монтировать кадры на одинаковом или соседних планах, это вызовет ощущение скачка у зрителя.

Из этого правила существуют исключения, например монтаж общих планов с предельно крупными. Или jump cut, «рваная съемка», когда два соседних кадра лишь незначительно изменяются между собой.

Яркий пример — сцена из фильма «Выпускник» 1967 года.

Особенности оформления

Не существует единого способа оформить раскадровку: каждый художник выбирает свой формат. Это могут быть карандашные наброски от руки или шаблон в специализированной программе. Последних, кстати, очень много:

· Storyboarder (бесплатный)

· StoryBoard Artist Studio (от $20)

· Toon Boom Storyboard Pro (по подписке от €44/мес.)

· Procreate (только для iPad Pro, $10)

· Paper By FiftyThree (только для iPad, бесплатный)

· Celtx Shots (только для iPad, бесплатный)

· Autodesk Sketchbook (бесплатный)

Так выглядит шаблон Storyboarder.

Помните, что задача раскадровки — коммуникация. Поэтому очень важно оставлять комментарии и разметкой показывать движения в кадре.

Не шаблонная, но детализированная раскадровка к фильму «Паразиты».

Мы также рекомендуем познакомиться с книгой «Оформленные чернила: рисунок и композиция для визуальных рассказчиков». Автор, Маркос Матеу-Местре — художник-постановщик в компании Netflix. В своей книге он подробно рассказывает читателю пошаговую систему создания наиболее успешных раскадровок и графики для наилучшего визуального общения.

Примеры от мастеров

В последней части нашей статьи мы покажем вам несколько крутых раскадровок и их результат.

Парк юрского периода

Для этой раскадровки художники сделали большое количество пометок. Для некоторых кадров нарисовано сразу несколько миниатюр. Это особенно полезно в съемках сложных динамичных сцен.

Сцена атакующего раптора и конечный результат.

Кунг-фу Панда

Для мультфильмов создают максимально подробные сториборды. Фактически они являются блоками для окончательного изображения.

Почти дословное повторение в экранном варианте.

Вверх

Эта раскадровка показывает первую сцену в мультике «Вверх». Так как эту раскадровку также делали для анимационного художественного фильма, можно заметить, насколько близок сториборд к конечному продукту

Первая сцена «Вверх».

Бэтмен (мультсериал 1992 г.)

Один из примеров четкого и лаконичного описания движений персонажей и камеры в раскадровках.

Посмотрим, как это выглядит на экране.

Gears of War

Без раскадровок не могут обойтись и видеоигры. Ниже продемонстрирована раскадровка к трейлеру «Mad World».

В качестве комментариев художники использовали короткие символы и стрелки. Такая раскадровка отлично работает в купе с хорошим сценарием.

Можно посмотреть трейлер и проверить, как кадры из сториборда перенесены на экран:

Gears of War «Mad World».

Остин Пауэрс 3

У Джея Роуча было всего 8 часов на съемки вступления. Он успешно справился со своей задачей, благодаря качественной предварительной работе.

В музыкальных сценах всегда задействовано много актеров. Чтобы не произошло путаницы, все движения должны быть прописаны в раскадровке.

В этом видео режиссер рассказывает о важности раскадровки.

Раскадровка — не гарант успеха вашего проекта. Но она отлично работает вместе с другими составляющими: хорошим сценарием, качественной рисовкой, озвучанием и режиссурой. Хороший план особенно важен, если у вас нет большого опыта в производстве видео и анимации. С подробной раскадровкой вы не будете теряться в деталях и сомневаться в правильности решения: вам останется только следовать выбранному направлению. В нашей школе вы научитесь искусству рисовать и составлять раскадровки, делать аниматики и озвучивать свои ролики. В обучении вам поможет книга «Упрощенное рисование для планирования анимации». В ней раскрыты все принципы раскадровки и дана практика, которая требуется от абитуриента. Это сделает ваше обучение более результативным.

Автор: Юлия Хлебко

Редактор: Дмитрий Шрамко

Источник